História da crítica de arte - History of art criticism

A história da crítica de arte , como parte da história da arte, é o estudo de objetos de arte em seu desenvolvimento histórico e contextos estilísticos, ou seja , gênero , design , formato e estilo , que incluem considerações estéticas. Isso inclui as artes "principais" de pintura, escultura e arquitetura, bem como as artes "menores" de cerâmica, móveis e outros objetos decorativos.

Como um termo, a história da história da arte (também história da arte ) abrange vários métodos de estudo e avaliação das artes visuais ; em uso comum referindo-se a obras de arte e arquitetura. Aspectos da disciplina se sobrepõem. Como o historiador da arte Ernst Gombrich observou certa vez, "o campo da história da arte [é] muito parecido com a Gália de César , dividido em três partes habitadas por três tribos diferentes, embora não necessariamente hostis: (i) os conhecedores , (ii) os críticos e (iii) os historiadores da arte acadêmica ".

Como disciplina, a história da crítica de arte se distingue da crítica de arte, que se preocupa em estabelecer um valor artístico relativo sobre obras individuais em relação a outras de estilo comparável, ou sancionar todo um estilo ou movimento do ponto de vista de sua história e de seus principais estudiosos. Também se distingue da teoria da arte ou " filosofia da arte ", que se preocupa com a natureza fundamental da arte. Um ramo dessa área de estudo é a estética , que inclui investigar o enigma do sublime e determinar a essência da beleza. Tecnicamente, a história da arte não é essas coisas, porque o historiador da arte usa o método histórico para responder às perguntas: Como o artista veio a criar a obra ?, Quem eram os patrocinadores ?, Quem eram seus professores ?, Quem era o público ?, Quem foram seus discípulos ?, Que forças históricas moldaram a obra do artista e Como ele e a criação, por sua vez, afetaram o curso dos eventos artísticos, políticos e sociais? É, entretanto, questionável se muitas questões desse tipo podem ser respondidas satisfatoriamente sem considerar também questões básicas sobre a natureza da arte. Infelizmente, a atual lacuna disciplinar entre a história da arte e a filosofia da arte (estética) muitas vezes impede isso.

A história da crítica de arte não é apenas um esforço biográfico . A história da crítica de arte freqüentemente fundamenta seus estudos no escrutínio de objetos individuais. Tenta responder de formas historicamente específicas, questões como: Quais são as características-chave deste estilo ?, Que significado este objeto transmite ?, Como funciona visualmente ?, O artista atingiu bem os seus objetivos ?, Que símbolos estão envolvidos ?, e Funciona discursivamente?

A espinha dorsal histórica da disciplina é uma cronologia de celebração de belas criações encomendadas por entidades públicas ou religiosas ou indivíduos ricos da Europa Ocidental. Esse " cânone " permanece proeminente, como indicado pela seleção de objetos presentes nos livros didáticos de história da arte. No entanto, desde o século 20, tem havido um esforço para redefinir a disciplina para ser mais inclusiva da arte não ocidental, da arte feita por mulheres e da criatividade vernácula.

História da arte

Períodos: Pré-histórico Antigo Medieval Arte renascentista Barroco Rococó Neoclassicismo Romantismo Realismo Moderno Contemporâneo Pós-moderno

Regiões: Arte do Oriente Médio Mesopotâmico egípcio Hitita persa árabe Arábia do Sul Fenício otomano Arte da ásia indiano chinês Ásia Central japonês coreano Newa Butanês Tibetano vietnamita tailandês Cambojano Khmer indonésio Filipino Arte da europa Minóico Das Cíclades Etrusca Dacian céltico cita grego Helenístico ibérico romano bizantino Anglo-saxão Otoniano Viking Românica gótico Rus Renascimento Maneirismo Barroco Rococó Neoclassicismo Romantismo Realismo Impressionismo Simbolismo Decorativo Pós-Impressionismo Arte Nova Fauvismo Expressionismo Cubismo Pop Arte da áfrica Igbo Ioruba Benin Kuba Luba Arte das Américas Pré-colombiana Maia Muisca Americano nativo Inuit Arte da austrália Arte da Oceania

Religiões: cristão católico protestante budista islâmico hindu Jain

Técnicas: Escultura Pintura Cerâmica Caligrafia Arquitetura Fotografia Artes gráficas Arte digital

Tipos: Narrativa Figurativo Naturalista Simbólico Ingênuo Abstrato

v t e

História da arte europeia
Medieval Renascimento Maneirismo Barroco Neoclassicismo Romantismo Realismo Moderno Contemporâneo
v t e

Definição

A história da crítica de arte como a conhecemos no século 21 começou no século 19, mas tem precedentes que datam do mundo antigo. Como a análise das tendências históricas na política, literatura e ciências, a disciplina se beneficia da clareza e portabilidade da palavra escrita, mas os historiadores da arte também contam com a análise formal , semiótica , psicanálise e iconografia . Avanços na reprodução fotográfica e nas técnicas de impressão após a Segunda Guerra Mundial aumentaram a capacidade de reprodução de obras de arte. Essas tecnologias ajudaram a avançar a disciplina de maneiras profundas, pois permitiram comparações fáceis de objetos. O estudo das artes visuais assim descrito pode ser uma prática que envolve a compreensão do contexto , da forma e do significado social.

Metodologias

Os historiadores da arte, ao realizar sua avaliação dentro da história da crítica de arte, empregam vários métodos em suas pesquisas sobre a ontologia e a história dos objetos.

Os praticantes da crítica de arte costumam examinar a obra no contexto de sua época. Na melhor das hipóteses, isso é feito de uma maneira que respeita as motivações e imperativos de seu criador; levando em consideração os desejos e preconceitos de seus patrocinadores e patrocinadores; com uma análise comparativa de temas e abordagens dos colegas e professores do criador; e levando em consideração a iconografia e o simbolismo . Em suma, essa abordagem examina a obra de arte no contexto do mundo em que foi criada.

Os praticantes da crítica de arte também costumam examinar o trabalho por meio de uma análise da forma; isto é, o uso que o criador faz da linha , forma , cor , textura e composição. Esta abordagem examina como o artista usa um plano de imagem bidimensional ou as três dimensões do espaço escultural ou arquitetônico para criar sua arte. A maneira como esses elementos individuais são empregados resulta em arte representacional ou não representacional . O artista está imitando um objeto ou imagem encontrado na natureza? Nesse caso, é representacional. Quanto mais perto a arte se aproxima da imitação perfeita, mais a arte é realista . O artista não está imitando, mas sim confiando no simbolismo, ou de uma maneira importante se esforçando para capturar a essência da natureza, ao invés de copiá-la diretamente? Nesse caso, a arte não é representacional - também chamada de abstrata . O realismo e a abstração existem em um continuum. O impressionismo é um exemplo de estilo representacional que não era diretamente imitativo, mas se esforçava para criar uma "impressão" da natureza. Se a obra não é representacional e é uma expressão dos sentimentos, anseios e aspirações do artista, ou é uma busca por ideais de beleza e forma, a obra é não representativa ou de expressionismo .

Uma análise iconográfica é aquela que se concentra em elementos de design específicos de um objeto. Por meio da leitura atenta de tais elementos, é possível traçar sua linhagem e, com ela, tirar conclusões sobre as origens e a trajetória desses motivos . Por sua vez, é possível fazer inúmeras observações a respeito dos valores sociais, culturais, econômicos e estéticos dos responsáveis ​​pela produção do objeto.

Muitos praticantes da crítica de arte usam a teoria crítica para enquadrar suas investigações em objetos. A teoria é mais frequentemente usada ao lidar com objetos mais recentes, aqueles do final do século 19 em diante. A teoria crítica da história da arte é freqüentemente emprestada de estudiosos da literatura e envolve a aplicação de uma estrutura analítica não artística ao estudo de objetos de arte. Teorias feministas , marxistas , raciais críticas , queer e pós - coloniais estão todas bem estabelecidas na disciplina. Como nos estudos literários, existe um interesse entre os estudiosos pela natureza e pelo meio ambiente, mas a direção que isso tomará na disciplina ainda não foi determinada.

Mais recentemente, a mídia e a tecnologia digital introduziram possibilidades de análises visuais, espaciais e experienciais. As formas relevantes variam de filmes a formas interativas, incluindo ambientes virtuais, ambientes aumentados, mídia situada, mídia em rede, etc. Os métodos habilitados por tais técnicas estão em desenvolvimento ativo e prometem incluir abordagens qualitativas que podem enfatizar narrativa, dramática, emocional e características lúdicas da história e da arte.

Linha do tempo de métodos proeminentes

Plínio, o Velho e precedentes antigos

Os primeiros escritos sobreviventes sobre arte que podem ser classificados como história da arte ou crítica de arte são as passagens de Plínio, o Velho , História Natural (c. 77-79 DC), a respeito do desenvolvimento da escultura e pintura grega . A partir deles é possível rastrear as idéias de Xenokrates de Sicyon (c. 280 aC), um escultor grego que foi talvez o primeiro historiador da arte. A obra de Plínio, embora seja principalmente uma enciclopédia das ciências, tem tido influência desde o Renascimento . (Passagens sobre técnicas usadas pelo pintor Apelles c. (332-329 aC), foram especialmente conhecidas.) Desenvolvimentos semelhantes, embora independentes, ocorreram na China do século 6, onde um cânone de artistas dignos foi estabelecido por escritores em a classe oficial escolar. Esses escritores, sendo necessariamente proficientes em caligrafia, eram eles próprios artistas. Os artistas são descritos nos Seis Princípios de Pintura formulados por Xie He .

Vasari e biografias de artistas

Embora reminiscências pessoais de arte e artistas tenham sido escritas e lidas por muito tempo (ver Lorenzo Ghiberti Commentarii, para o melhor exemplo inicial), foi Giorgio Vasari, o pintor toscano, escultor e autor de Lives of the Painters , que escreveu o primeiro verdadeiro história da arte. Seus escritos no início da cultura artística moderna em Nápoles foram considerados por Giovanni Previtali. Ele enfatizou a progressão e o desenvolvimento da arte, que foi um marco neste campo. Seu relato era pessoal e histórico, apresentando biografias de artistas italianos individuais, muitos dos quais eram seus contemporâneos e conhecidos pessoais. O mais renomado deles foi Michelangelo , e o relato de Vasari é esclarecedor, embora tendencioso em alguns pontos.

Ideias de Vasari sobre a arte foram enormemente influente, e serviu de modelo para muitos, incluindo no Norte da Europa Karel van Mander 's Schilder-Boeck e Joachim von Sandrart ' s Teutsche Akademie . A abordagem de Vasari prevaleceu até o século 18, quando as críticas foram feitas ao seu relato biográfico da história.

Winckelmann e a crítica de arte

Estudiosos como Johann Joachim Winckelmann (1717–1768) criticaram o "culto" da personalidade artística de Vasari e argumentaram que a ênfase real no estudo da arte deveria ser a visão do observador erudito e não o ponto de vista único do artista carismático . Os escritos de Winckelmann foram, portanto, o início da crítica de arte. Suas duas obras mais notáveis ​​que introduziram o conceito de crítica de arte foram "Gedanken über die Nachahmung der griechischen Werke in der Malerei und Bildhauerkunst, publicado em 1755, pouco antes de partir para Roma (Fuseli publicou uma tradução em inglês em 1765 com o título Reflexões sobre a Pintura e Escultura dos Gregos), e Geschichte der Kunst des Altertums (História da Arte na Antiguidade), publicada em 1764 (esta é a primeira ocorrência da frase 'história da arte' no título de um livro) ". Winckelmann criticou os excessos artísticos das formas barroco e rococó e foi fundamental para reformar o gosto em favor do neoclassicismo mais sóbrio . Jacob Burckhardt (1818-1897), um dos fundadores da história da arte, observou que Winckelmann foi "o primeiro a distinguir entre os períodos da arte antiga e a vincular a história do estilo à história mundial". De Winckelmann até meados do século 20, o campo da história da arte foi dominado por acadêmicos de língua alemã. O trabalho de Winckelmann, portanto, marcou a entrada da história da arte no discurso altamente filosófico da cultura alemã.

Winckelmann foi lido avidamente por Johann Wolfgang Goethe e Friedrich Schiller , os quais começaram a escrever sobre a história da arte, e seu relato sobre o grupo Laocoön ocasionou uma resposta de Lessing . O surgimento da arte como um assunto principal da especulação filosófica foi solidificada pelo aparecimento de Immanuel Kant 's crítica do julgamento , em 1790, e foi promovido por Hegel ' s palestras sobre Estética . A filosofia de Hegel serviu de inspiração direta para o trabalho de Karl Schnaase . A Niederländische Briefe de Schnaase estabeleceu as bases teóricas para a história da arte como uma disciplina autônoma, e sua Geschichte der bildenden Künste , uma das primeiras pesquisas históricas da história da arte desde a Antiguidade até o Renascimento, facilitou o ensino da história da arte em universidades de língua alemã . A pesquisa de Schnaase foi publicada simultaneamente com um trabalho semelhante de Franz Theodor Kugler .

Wölfflin e análise estilística

Veja: Análise formal .

Heinrich Wölfflin (1864–1945), que estudou com Burckhardt em Basel, é o "pai" da história da arte moderna. Wölfflin ensinou nas universidades de Berlim, Basileia, Munique e Zurique. Vários alunos seguiram carreiras de destaque na história da arte, incluindo Jakob Rosenberg e Frida Schottmuller . Ele introduziu uma abordagem científica para a história da arte, com foco em três conceitos. Em primeiro lugar, ele tentou estudar arte usando a psicologia, particularmente aplicando a obra de Wilhelm Wundt . Ele argumentou, entre outras coisas, que a arte e a arquitetura são boas se se assemelham ao corpo humano. Por exemplo, as casas seriam boas se suas fachadas parecessem rostos. Em segundo lugar, ele introduziu a ideia de estudar arte por comparação. Ao comparar pinturas individuais entre si, ele foi capaz de fazer distinções de estilo . Seu livro Renascença e Barroco desenvolveu essa ideia e foi o primeiro a mostrar como esses períodos estilísticos diferiam entre si. Ao contrário de Giorgio Vasari , Wölfflin não se interessava pelas biografias dos artistas. Na verdade, ele propôs a criação de uma "história da arte sem nomes". Finalmente, ele estudou arte com base em ideias de nacionalidade . Ele estava particularmente interessado em saber se havia um estilo inerentemente "italiano" e um estilo inerentemente " alemão ". Este último interesse foi mais plenamente articulado em sua monografia sobre o artista alemão Albrecht Dürer .

Riegl, Wickhoff e a Escola de Viena

Contemporânea à carreira de Wölfflin, uma importante escola de pensamento histórico-artístico se desenvolveu na Universidade de Viena . A primeira geração da Escola de Viena foi dominada por Alois Riegl e Franz Wickhoff , ambos alunos de Moritz Thausing , e foi caracterizada por uma tendência a reavaliar períodos negligenciados ou menosprezados na história da arte. Riegl e Wickhoff escreveram extensivamente sobre a arte da antiguidade tardia , que antes deles havia sido considerada um período de declínio do ideal clássico. Riegl também contribuiu para a reavaliação do Barroco.

A próxima geração de professores em Viena incluiu Max Dvořák , Julius von Schlosser , Hans Tietze, Karl Maria Swoboda e Josef Strzygowski . Vários dos historiadores de arte mais importantes do século XX, incluindo Ernst Gombrich , receberam seus diplomas em Viena nessa época. O termo "Segunda Escola de Viena" (ou "Nova Escola de Viena") geralmente se refere à seguinte geração de estudiosos vienenses, incluindo Hans Sedlmayr , Otto Pächt e Guido Kaschnitz von Weinberg. Esses estudiosos começaram na década de 1930 a retornar ao trabalho da primeira geração, particularmente a Riegl e seu conceito de Kunstwollen , e tentaram desenvolvê-lo em uma metodologia histórica da arte completa. Sedlmayr, em particular, rejeitou o estudo minucioso da iconografia, patrocínio e outras abordagens baseadas no contexto histórico, preferindo se concentrar nas qualidades estéticas de uma obra de arte. Como resultado, a Segunda Escola de Viena ganhou reputação de formalismo desenfreado e irresponsável e foi, além disso, colorida pelo racismo aberto de Sedlmayr e pela filiação ao partido nazista. Esta última tendência, entretanto, não era de forma alguma compartilhada por todos os membros da escola; Pächt, por exemplo, era judeu e foi forçado a deixar Viena na década de 1930.

Panofsky e iconografia

Nossa compreensão do conteúdo simbólico da arte no século 21 vem de um grupo de acadêmicos que se reuniu em Hamburgo na década de 1920. Os mais proeminentes entre eles foram Erwin Panofsky , Aby Warburg e Fritz Saxl . Juntos, eles desenvolveram muito do vocabulário que continua a ser usado no século 21 pelos historiadores da arte. "Iconografia" - com raízes significando "símbolos da escrita" refere-se ao assunto da arte derivado de fontes escritas - especialmente escrituras e mitologia. "Iconologia" é um termo mais amplo que se refere a todo simbolismo, seja derivado de um texto específico ou não. Hoje, os historiadores da arte às vezes usam esses termos alternadamente.

Panofsky, em seus primeiros trabalhos, também desenvolveu as teorias de Riegl, mas acabou se preocupando mais com a iconografia e, em particular, com a transmissão de temas relacionados à antiguidade clássica na Idade Média e Renascimento. Nesse aspecto, seus interesses coincidiam com os de Warburg, filho de uma família rica que montou uma impressionante biblioteca em Hamburgo, dedicada ao estudo da tradição clássica na arte e na cultura posteriores. Sob os auspícios de Saxl, esta biblioteca foi desenvolvida em um instituto de pesquisa, afiliado à Universidade de Hamburgo , onde Panofsky ensinou.

Warburg morreu em 1929 e, na década de 1930, Saxl e Panofsky, ambos judeus, foram forçados a deixar Hamburgo. Saxl se estabeleceu em Londres, trazendo a biblioteca de Warburg com ele e fundando o Instituto Warburg . Panofsky estabeleceu-se em Princeton no Instituto de Estudos Avançados . Nesse aspecto, eles fizeram parte de um influxo extraordinário de historiadores da arte alemães na academia de língua inglesa na década de 1930. Esses estudiosos foram os grandes responsáveis ​​por estabelecer a história da arte como um campo legítimo de estudo no mundo de língua inglesa, e a influência da metodologia de Panofsky, em particular, determinou o curso da história da arte americana por uma geração.

Freud e a psicanálise

Heinrich Wölfflin não foi o único estudioso a invocar teorias psicológicas no estudo da arte. O psicanalista Sigmund Freud escreveu um livro sobre o artista Leonardo da Vinci , no qual ele usou pinturas de Leonardo para interrogar a psique e a orientação sexual do artista . Freud deduziu de sua análise que Leonardo provavelmente era homossexual .

Embora o uso de material póstumo para fazer psicanálise seja controverso entre os historiadores da arte, especialmente porque os costumes sexuais da época de Leonardo e de Freud são diferentes, muitas vezes é tentada. Um dos estudiosos psicanalíticos mais conhecidos é Laurie Schneider Adams, que escreveu um livro popular, Art Across Time , e um livro Art and Psychoanalysis .

Uma virada desavisada para a história da crítica de arte veio em 1914, quando Sigmund Freud publicou uma interpretação psicanalítica de Moisés de Michelangelo intitulada Der Moses des Michelangelo como uma das primeiras análises psicológicas baseadas em uma obra de arte. Freud publicou este trabalho pela primeira vez logo após ler Vidas de Vasari . Para propósitos desconhecidos, Freud publicou originalmente o artigo anonimamente.

Jung e arquétipos

Carl Jung também aplicou a teoria psicanalítica à arte. CG Jung foi um psiquiatra suíço , um pensador influente e fundador da psicologia analítica . A abordagem de Jung à psicologia enfatizou a compreensão da psique por meio da exploração dos mundos dos sonhos , arte, mitologia , religião mundial e filosofia . Muito do trabalho de sua vida foi gasto explorando a filosofia oriental e ocidental, alquimia , astrologia , sociologia , bem como literatura e artes. Suas contribuições mais notáveis ​​incluem seu conceito de arquétipo psicológico , o inconsciente coletivo e sua teoria da sincronicidade . Jung acreditava que muitas experiências percebidas como coincidência não eram meramente devidas ao acaso , mas, em vez disso, sugeriam a manifestação de eventos ou circunstâncias paralelas que refletiam essa dinâmica dominante. Ele argumentou que um inconsciente coletivo e imagens arquetípicas eram detectáveis ​​na arte. Suas ideias foram particularmente populares entre os expressionistas abstratos americanos nas décadas de 1940 e 1950. Seu trabalho inspirou o conceito surrealista de desenhar imagens de sonhos e do inconsciente.

Jung enfatizou a importância do equilíbrio e da harmonia. Ele advertiu que os humanos modernos confiam demais na ciência e na lógica e se beneficiariam com a integração da espiritualidade e da apreciação do reino inconsciente. Seu trabalho não apenas desencadeou o trabalho analítico de historiadores da arte, mas tornou-se parte integrante do fazer artístico. Jackson Pollock , por exemplo, criou uma série de desenhos famosos para acompanhar suas sessões psicanalíticas com seu psicanalista junguiano, Dr. Joseph Henderson. Henderson, que mais tarde publicou os desenhos em um texto dedicado às sessões de Pollock, percebeu o quão poderosos os desenhos eram como ferramenta terapêutica.

O legado da psicanálise na história da arte foi profundo e se estende além de Freud e Jung. A proeminente historiadora de arte feminista Griselda Pollock , por exemplo, baseia-se na psicanálise tanto em sua leitura da arte contemporânea quanto em sua releitura da arte modernista. Com a leitura de Pollock da psicanálise feminista francesa e, em particular, os escritos de Julia Kristeva e Bracha L. Ettinger , como com as leituras de Rosalind Krauss de Jacques Lacan e Jean-François Lyotard e a releitura curatorial da arte de Catherine de Zegher, a teoria feminista escrita nos campos da O feminismo e a psicanálise franceses informaram fortemente a reformulação de artistas e mulheres na história da arte.

Marx e ideologia

Durante meados do século 20, os historiadores da arte adotaram a história social usando abordagens críticas. O objetivo era mostrar como a arte interage com as estruturas de poder da sociedade. Uma abordagem crítica que os historiadores da arte usaram foi o marxismo. A história da arte marxista tentou mostrar como a arte estava ligada a classes específicas, como as imagens contêm informações sobre a economia e como as imagens podem fazer o status quo parecer natural ( ideologia ).

Talvez o marxista mais conhecido tenha sido Clement Greenberg , que ganhou destaque no final dos anos 1930 com seu ensaio " Vanguarda e kitsch ". No ensaio, Greenberg afirmava que a vanguarda surgiu para defender os padrões estéticos do declínio do gosto envolvido na sociedade de consumo e ver o kitsch e a arte como opostos. Greenberg afirmou ainda que a arte de vanguarda e modernista era um meio de resistir ao nivelamento da cultura produzido pela propaganda capitalista . Greenberg se apropriou da palavra alemã " kitsch " para descrever esse consumismo, embora suas conotações tenham mudado para uma noção mais afirmativa de materiais remanescentes da cultura capitalista. Mais tarde, Greenberg tornou-se conhecido por examinar as propriedades formais da arte moderna.

Meyer Schapiro é um dos historiadores da arte marxista mais lembrados de meados do século XX. Embora ele tenha escrito sobre vários períodos de tempo e temas na arte, ele é mais lembrado por seu comentário sobre a escultura do final da Idade Média e início do Renascimento , época em que viu evidências do capitalismo emergente e do declínio do feudalismo .

Arnold Hauser escreveu a primeira pesquisa marxista da arte ocidental, intitulada The Social History of Art . Ele tentou mostrar como a consciência de classe se refletia nos principais períodos da arte. O livro gerou polêmica ao ser publicado na década de 1950, pois faz generalizações sobre épocas inteiras, estratégia hoje chamada de " marxismo vulgar ".

A história da arte marxista foi refinada no departamento de História da Arte da UCLA com estudiosos como TJ Clark, OK Werckmeister, David Kunzle, Theodor W. Adorno e Max Horkheimer. TJ Clark foi o primeiro historiador da arte a escrever de uma perspectiva marxista a abandonar o marxismo vulgar . Ele escreveu histórias da arte marxista de vários artistas impressionistas e realistas , incluindo Gustave Courbet e Édouard Manet . Esses livros enfocavam de perto o clima político e econômico em que a arte foi criada.

Nochlin e feminismo

O ensaio de Linda Nochlin "Por que não houve grandes mulheres artistas?" ajudou a inflamar a história da arte feminista durante a década de 1970 e continua sendo um dos ensaios mais lidos sobre artistas mulheres. Nele, ela aplica uma estrutura crítica feminista para mostrar a exclusão sistemática das mulheres da formação artística. Nochlin argumenta que a exclusão da prática da arte, bem como da história canônica da arte, foi consequência das condições culturais que cercearam e restringiram as mulheres dos campos de produção de arte. Os poucos que tiveram sucesso foram tratados como anomalias e não forneceram um modelo para o sucesso subsequente. Griselda Pollock é outra importante historiadora da arte feminista, cujo uso da teoria psicanalítica foi descrito acima. Embora a história da arte feminista possa se concentrar em qualquer período de tempo e local, muita atenção foi dada à era moderna. Parte dessa bolsa centra-se no movimento artístico feminista , que se referia especificamente à experiência das mulheres.

Barthes e semiótica

Ao contrário da iconografia que busca identificar o significado, a semiótica se preocupa com a forma como o significado é criado. Os significados conotados e denotados de Roland Barthes são fundamentais para este exame. Em qualquer obra de arte em particular, uma interpretação depende da identificação do significado denotado - o reconhecimento de um signo visual e o significado conotado - as associações culturais instantâneas que vêm com o reconhecimento. A principal preocupação do historiador da arte semiótica é encontrar maneiras de navegar e interpretar o significado conotado.

A história da arte semiótica busca descobrir o significado ou significados codificados em um objeto estético examinando sua conexão com uma consciência coletiva . Os historiadores da arte não costumam se comprometer com nenhum tipo particular de semiótica, mas, em vez disso, constroem uma versão amalgamada que incorporam à sua coleção de ferramentas analíticas. Por exemplo, Meyer Schapiro emprestou o significado diferencial de Saussure no esforço de ler os sinais conforme existem dentro de um sistema. De acordo com Schapiro, para entender o significado de frontalidade em um contexto pictórico específico, ela deve ser diferenciada de, ou vista em relação a, possibilidades alternativas, como um perfil ou uma vista de três quartos . Schapiro combinou este método com o trabalho de Charles Sanders Peirce, cujo objeto, signo e interpretante forneceram uma estrutura para sua abordagem. Alex Potts demonstra a aplicação dos conceitos de Peirce à representação visual, examinando-os em relação à Mona Lisa . Ver a Mona Lisa, por exemplo, como algo além de sua materialidade é identificá-la como um signo. Em seguida, é reconhecido como se referindo a um objeto fora de si mesmo, uma mulher ou Mona Lisa. A imagem não parece denotar um significado religioso e, portanto, pode ser considerada um retrato. Essa interpretação leva a uma cadeia de interpretações possíveis: quem era o modelo em relação a Leonardo ? Que significado ela tinha para ele? Ou talvez ela seja um ícone para todas as mulheres. Essa cadeia de interpretação, ou “semiose ilimitada”, é interminável; o trabalho do historiador da arte é estabelecer limites nas interpretações possíveis, tanto quanto revelar novas possibilidades.

A semiótica opera sob a teoria de que uma imagem só pode ser entendida a partir da perspectiva do observador. O artista é suplantado pelo espectador como o provedor de significado, mesmo na medida em que uma interpretação ainda é válida, independentemente de o criador a ter pretendido. Rosalind Krauss defendeu esse conceito em seu ensaio “Em Nome de Picasso”. Ela denunciou o monopólio do artista sobre o significado e insistiu que o significado só pode ser derivado depois que a obra foi removida de seu contexto histórico e social. Mieke Bal argumentou da mesma forma que o significado nem mesmo existe até que a imagem seja observada pelo observador. Só depois de reconhecer isso é que o significado pode se abrir para outras possibilidades, como o feminismo ou a psicanálise.

Estudos e coleção de museus

Aspectos do assunto que vieram à tona nas últimas décadas incluem o interesse pelo patrocínio e consumo de arte, incluindo a economia do mercado de arte, o papel dos colecionadores, as intenções e aspirações daqueles que encomendam obras e as reações dos contemporâneos e visualizadores e proprietários posteriores. Os estudos museológicos , incluindo a história da coleção e exibição em museus, são agora um campo especializado de estudo, assim como a história da coleção.

Novo Materialismo

Os avanços científicos tornaram possível uma investigação muito mais precisa dos materiais e técnicas usados ​​para criar obras, especialmente técnicas fotográficas de infravermelho e raios-X , que permitiram que muitos sub-desenhos de pinturas fossem vistos novamente. A análise adequada dos pigmentos usados ​​na tinta agora é possível, o que atrapalhou muitas atribuições. A dendrocronologia para pinturas de painel e datação por rádio-carbono para objetos antigos em materiais orgânicos têm permitido métodos científicos de datação de objetos para confirmar ou alterar datas derivadas de análises estilísticas ou evidências documentais. O desenvolvimento da boa fotografia colorida, agora realizada digitalmente e disponível na internet ou por outros meios, transformou o estudo de muitos tipos de arte, especialmente aquelas que abrangem objetos existentes em grande quantidade e amplamente dispersos entre as coleções, como manuscritos iluminados e Miniaturas persas e muitos tipos de obras de arte arqueológicas.

Divisões por período

O campo da História da Arte é tradicionalmente dividido em especializações ou concentrações com base em épocas e regiões, com subdivisões adicionais com base na mídia. Assim, alguém pode se especializar em " arquitetura alemã do século 19 " ou em " escultura toscana do século 16 ". Os subcampos geralmente são incluídos em uma especialização. Por exemplo, o Antigo Oriente Próximo , Grécia, Roma e Egito são normalmente considerados concentrações especiais de arte antiga . Em alguns casos, essas especializações podem ser estreitamente aliadas (como Grécia e Roma, por exemplo), enquanto em outros essas alianças são muito menos naturais (arte indiana versus arte coreana , por exemplo).

A arte não ocidental é relativamente nova no cânone da História da Arte. Revisões recentes da divisão semântica entre arte e artefato remodelaram objetos criados em culturas não ocidentais em termos mais estéticos. Em relação aos que estudam a Roma Antiga ou a Renascença italiana , os estudiosos especializados na África, nas Américas Antigas e na Ásia são uma minoria crescente.

História da Arte Contemporânea refere-se a investigação sobre o período de 1960 até hoje refletindo a ruptura com os pressupostos do modernismo trazidos por artistas da neo-vanguarda e uma continuidade na arte contemporânea em termos de prática baseada em conceptualistas e pós-conceptualist práticas .

Organizações profissionais

Nos Estados Unidos, a organização de história da arte mais importante é a College Art Association . Organiza uma conferência anual e publica o Art Bulletin e o Art Journal . Organizações semelhantes existem em outras partes do mundo, bem como para especializações, como história da arquitetura e história da arte renascentista . No Reino Unido, por exemplo, a Association of Art Historians é a principal organização e publica um periódico intitulado Art History .

Veja também

• Estética
• Crítica de arte
• Mulheres no campo da história da arte

Referências e notas

Leitura adicional

Listado por data

• Pollock, Griselda (ed.) (2006). Psicanálise e a imagem . Oxford: Blackwell. ISBN  1-4051-3461-5
• Charlene Spretnak , The Spiritual Dynamic in Modern Art: Art History Reconsidered, 1800 to the Present .
• Shiner, Larry. (2003). " A invenção da arte: uma história cultural ". Chicago: University of Chicago Press. ISBN  978-0-226-75342-3
• Mansfield, Elizabeth (2002). História da Arte e Suas Instituições: Fundamentos de uma Disciplina . Routledge. ISBN  0-415-22868-9
• Harrison, Charles e Paul Wood. (2003). Art in Theory, 1900-2000: An Anthology of Changing Ideas. 2ª ed. Malden, MA: Blackwell.
• Murray, Chris. (2003). Principais redatores da arte. 2 vols, Routledge Key Guides. Londres: Routledge.
• Harrison, Charles, Paul Wood e Jason Gaiger. (2000). Art in Theory 1648-1815: An Anthology of Changing Ideas. Malden, MA: Blackwell.
• Harrison, Charles, Paul Wood e Jason Gaiger. (2001). Arte em teoria, 1815–1900: uma antologia de idéias em mudança. Malden, MA: Blackwell.
• Buchloh, Benjamin. (2001). Neo-Avantgarde e Indústria da Cultura. Cambridge, MA: MIT Press.
• Clark, TJ (2001). Adeus a uma ideia: episódios de uma história do modernismo. New Haven: Yale University Press.
• Robinson, Hilary. (2001). Feminism-Art-Theory: An Anthology, 1968-2000. Malden, MA: Blackwell.
• Menor, Vernon Hyde. (2001). História da arte. 2ª ed. Upper Saddle River, NJ: Prentice Hall.
• Pollock, G., (1999). Diferenciando o Cânone . Routledge. ISBN  0-415-06700-6
• Frazier, N. (1999). O dicionário conciso Penguin de história da arte . Nova York: Penguin Reference.
• Adams, L. (1996). As metodologias da arte: uma introdução . Nova York, NY: IconEditions.
• Nelson, RS, & Shiff, R. (1996). Termos críticos para a história da arte . Chicago: University of Chicago Press.
• Menor, Vernon Hyde. (1994). Teoria Crítica da História da Arte. Englewood Cliffs, NJ: Prentice Hall.
• Fitzpatrick, VLNVD (1992). História da arte: um curso de investigação contextual . Série de pontos de vista. Reston, VA: National Art Education Association.
• Kemal, Salim e Ivan Gaskell (1991). A linguagem da história da arte . Cambridge University Press. ISBN  0-521-44598-1
• Carrier, D. (1991). Princípios da escrita da história da arte . University Park, Pensilvânia: Pennsylvania State University Press.
• Johnson, WM (1988). História da arte: seu uso e abuso . Toronto: University of Toronto Press.
• Holly, MA (1984). Panofsky e os fundamentos da história da arte . Ithaca, NY: Cornell University Press.
• Arntzen, E., & Rainwater, R. (1980). Guia para a literatura da história da arte . Chicago: American Library Association.
• Hauser, A. (1959). A filosofia da história da arte . Nova York: Knopf.
• Wölfflin, H. (1915, trad. 1932). Princípios da história da arte; o problema do desenvolvimento do estilo na arte posterior . [Nova York]: Dover Publications.

links externos

• Recursos de história da arte na web diretório detalhado de links da web, dividido por período
• Dicionário de historiadores de arte , um banco de dados de historiadores de arte notáveis ​​mantido pela Duke University
• Rhode Island College LibGuide - Recursos de arte e história da arte