rococó -Rococo

Rococó
Ca' rezzonico, salone da ballo, quadrature di pietro visconti e affreschi di gb crosato (caduta di febo e 4 continenti), 1753, 02.jpg
Charles Cressent, Cômoda, c.  1730 em Waddesdon Manor.jpg
Kaisersaal Würzburg.jpg
Teto do salão de baile do Ca Rezzonico em Veneza com pintura ilusionista em quadratura de Giovanni Battista Crosato (1753); Cômoda de Charles Cressent (1730); Kaisersaal de Würzburg Residence por Balthasar Neumann (1749-1751)
anos ativos 1730 a 1760
País França, Itália, Europa Central

Rococó , menos comumente Rococó ( / r ə ˈ k k / rə- KOH -koh , também nos EUA / ˌ r k ə ˈ k / ROH -kə- KOH , francês:  [ʁɔkɔko] ou [ʁokoko] ( ouvir ) ), também conhecido como Barroco tardio , é um estilo excepcionalmente ornamental e dramático de arquitetura, arte e decoração que combina assimetria, curvas de rolagem, dourado, branco e cores pastel, moldagem esculpida e trompe- l'oeil afrescos para criar surpresa e a ilusão de movimento e drama. Muitas vezes é descrito como a expressão final do movimento barroco .

O estilo rococó começou na França na década de 1730 como uma reação contra o estilo Louis XIV , mais formal e geométrico . Era conhecido como o "estilo Rocaille ", ou "estilo Rocaille". Logo se espalhou para outras partes da Europa, particularmente norte da Itália, Áustria, sul da Alemanha, Europa Central e Rússia. Também passou a influenciar as outras artes, particularmente a escultura, o mobiliário, a prataria, a vidraria, a pintura, a música e o teatro. Embora originalmente um estilo secular usado principalmente para interiores de residências particulares, o rococó tinha um aspecto espiritual que levou ao seu uso generalizado em interiores de igrejas, particularmente na Europa Central, Portugal e América do Sul.

Etimologia

Escultura rococó integrada, estuque e afresco na Abadia de Zwiefalten (1739–45)

A palavra rococó foi usada pela primeira vez como uma variação humorística da palavra rocaille . Rocaille era originalmente um método de decoração , usando seixos, conchas e cimento, que era frequentemente usado para decorar grutas e fontes desde o Renascimento. No final do século XVII e início do século XVIII, rocaille tornou-se o termo para uma espécie de motivo decorativo ou ornamento que apareceu no final do estilo Luís XIV , na forma de uma concha entrelaçada com folhas de acanto . Em 1736, o designer e joalheiro Jean Mondon publicou o Premier Livre de forme rocquaille et cartel , uma coleção de desenhos para ornamentos de móveis e decoração de interiores. Foi a primeira aparição impressa do termo rocaille para designar o estilo. O motivo de concha esculpida ou moldada foi combinado com folhas de palmeira ou videiras retorcidas para decorar portas, móveis, painéis de parede e outros elementos arquitetônicos.

O termo rococó foi usado pela primeira vez na impressão em 1825 para descrever a decoração que estava "fora de moda e antiquada". Foi utilizado em 1828 para decoração "que pertencia ao estilo do século XVIII, sobrecarregado de ornamentos retorcidos". Em 1829, o autor Stendhal descreveu o rococó como "o estilo rocaille do século XVIII".

Capital da Abadia de Engelszell , da Áustria (1754-1764)

No século XIX, o termo era usado para descrever arquitetura ou música excessivamente ornamental. Desde meados do século XIX, o termo é aceito pelos historiadores da arte . Embora ainda haja algum debate sobre o significado histórico do estilo, o Rococó agora é considerado um período distinto no desenvolvimento da arte européia .

Características

O rococó apresenta decoração exuberante, com abundância de curvas, contracurvas, ondulações e elementos modelados na natureza. Os exteriores dos edifícios rococós costumam ser simples, enquanto os interiores são inteiramente dominados por seus ornamentos. O estilo era altamente teatral, projetado para impressionar e admirar à primeira vista. As plantas baixas das igrejas eram muitas vezes complexas, apresentando ovais interligadas; Nos palácios, as grandes escadarias tornaram-se peças centrais e ofereciam diferentes pontos de vista da decoração. Os principais ornamentos do Rococó são: conchas assimétricas, acantos e outras folhas, pássaros, buquês de flores, frutas, instrumentos musicais, anjos e chinoiserie ( pagodes , dragões, macacos, flores bizarras e chineses).

O estilo frequentemente integrava pintura, estuque moldado e entalhe em madeira e quadratura , ou pinturas ilusionistas no teto, que foram projetadas para dar a impressão de que quem entrava na sala estava olhando para o céu, onde querubins e outras figuras os olhavam. . Os materiais utilizados incluíam estuque, pintado ou deixado de branco; combinações de madeiras de diferentes cores (geralmente carvalho, faia ou nogueira); madeira lacada ao estilo japonês, ornamento de bronze dourado e tampos de mármore de cômodas ou mesas. A intenção era criar uma impressão de surpresa, admiração e admiração à primeira vista.

Diferenças entre o barroco e o rococó

O Rococó tem as seguintes características, o que o Barroco não tem:

França

O estilo Rocaille , ou rococó francês, apareceu em Paris durante o reinado de Luís XV e floresceu entre 1723 e 1759. O estilo foi usado principalmente em salões, um novo estilo de sala projetado para impressionar e entreter os convidados. O exemplo mais proeminente foi o salão da princesa no Hôtel de Soubise em Paris, projetado por Germain Boffrand e Charles-Joseph Natoire (1735-1740). As características do rococó francês incluíam uma arte excepcional, especialmente nas complexas molduras feitas para espelhos e pinturas, que eram esculpidas em gesso e muitas vezes douradas; e o uso de formas vegetais (trepadeiras, folhas, flores) entrelaçadas em desenhos complexos. Os móveis também apresentavam curvas sinuosas e desenhos vegetais. Os principais designers de móveis e artesãos do estilo incluíam Juste-Aurele Meissonier , Charles Cressent e Nicolas Pineau .

O estilo rocaille durou na França até meados do século XVIII e, embora se tornasse mais curvo e vegetal, nunca alcançou a exuberância extravagante do rococó na Baviera, na Áustria e na Itália. As descobertas de antiguidades romanas a partir de 1738 em Herculano e especialmente em Pompéia em 1748 viraram a arquitetura francesa na direção do neoclassicismo mais simétrico e menos extravagante .

Itália

Artistas na Itália, particularmente em Veneza , também produziram um exuberante estilo rococó. As cômodas venezianas imitavam as linhas curvas e os ornamentos esculpidos do rocaille francês, mas com uma variação veneziana particular; as peças eram pintadas, muitas vezes com paisagens ou flores ou cenas de Guardi ou outros pintores, ou Chinoiserie , sobre um fundo azul ou verde, combinando com as cores da escola veneziana de pintores cujo trabalho decorava os salões. Pintores decorativos notáveis ​​incluíram Giovanni Battista Tiepolo , que pintou tetos e murais de igrejas e palazzos, e Giovanni Battista Crosato , que pintou o teto do salão de baile do Ca Rezzonico na maneira quadraturo , dando a ilusão de três dimensões. Tiepelo viajou para a Alemanha com seu filho durante 1752-1754, decorando os tetos da Residência de Würzburg , um dos principais marcos do rococó bávaro. Um célebre pintor veneziano anterior foi Giovanni Battista Piazzetta , que pintou vários tetos de igrejas notáveis.

O rococó veneziano também apresentava vidraria excepcional, especialmente o vidro de Murano , muitas vezes gravado e colorido, que era exportado para toda a Europa. As obras incluíam lustres multicoloridos e espelhos com molduras extremamente ornamentadas.

Sul da Alemanha

Na construção de igrejas, especialmente na região sul germano-austríaca, criações espaciais gigantescas são às vezes criadas apenas por razões práticas, que, no entanto, não parecem monumentais, mas são caracterizadas por uma fusão única de arquitetura, pintura, estuque, etc., muitas vezes eliminando as fronteiras entre os gêneros artísticos e são caracterizados por uma leveza cheia de luz, alegria festiva e movimento. O estilo decorativo rococó atingiu seu ápice no sul da Alemanha e na Áustria da década de 1730 até a década de 1770. Lá ela domina a paisagem da igreja até hoje e está profundamente ancorada na cultura popular. Foi introduzido pela primeira vez na França por meio de publicações e obras de arquitetos e decoradores franceses, incluindo o escultor Claude III Audran , o designer de interiores Gilles-Marie Oppenordt , o arquiteto Germain Boffrand , o escultor Jean Mondon e o desenhista e gravador Pierre Lepautre . Seu trabalho teve uma influência importante no estilo rococó alemão, mas não chega ao nível das construções do sul da Alemanha.

Os arquitetos alemães adaptaram o estilo rococó, mas o tornaram muito mais assimétrico e carregado com uma decoração mais ornamentada do que o original francês. O estilo alemão foi caracterizado por uma explosão de formas que desciam em cascata pelas paredes. Apresentava molduras formadas em curvas e contracurvas, padrões torcidos e giratórios, tetos e paredes sem ângulos retos e folhagem de estuque que parecia subir pelas paredes e cruzar o teto. A decoração era muitas vezes dourada ou prateada para contrastar com as paredes brancas ou em tons pastéis.

O arquitecto e designer belga François de Cuvilliés foi um dos primeiros a criar um edifício rococó na Alemanha, com o pavilhão de Amalienburg em Munique, (1734-1739), inspirado nos pavilhões do Trianon e Marly em França. Foi construído como um pavilhão de caça, com uma plataforma no telhado para caçar faisões. O Salão dos Espelhos no interior, do pintor e escultor de estuque Johann Baptist Zimmermann , era muito mais exuberante do que qualquer rococó francês.

Outro exemplo notável do início do rococó alemão é a residência de Würzburg (1737–1744), construída para o príncipe-bispo de Würzburg por Balthasar Neumann . Neumann viajou para Paris e consultou os artistas decorativos rocaille franceses Germain Boffrand e Robert de Cotte . Enquanto o exterior era de estilo barroco mais sóbrio, o interior, principalmente as escadas e tetos, era muito mais leve e decorativo. O príncipe-bispo importou o pintor rococó italiano Giovanni Battista Tiepolo em 1750-1753 para criar um mural no topo da escada cerimonial de três níveis. Neumann descreveu o interior da residência como "um teatro de luz". A escada também foi o elemento central de uma residência que Neumann construiu no Palácio de Augustusburg em Brühl (1743–1748). Nesse edifício, a escada conduzia os visitantes por uma fantasia de estuque de pinturas, esculturas, ferragens e decoração, com vistas surpreendentes a cada curva.

Nas décadas de 1740 e 1750, várias notáveis ​​igrejas de peregrinação foram construídas na Baviera , com interiores decorados em uma variante distinta do estilo rococó. Um dos exemplos mais notáveis ​​é a Wieskirche (1745–1754) projetada por Dominikus Zimmermann . Como a maioria das igrejas de peregrinação bávaras, o exterior é muito simples, com paredes em tom pastel e poucos ornamentos. Ao entrar na igreja o visitante encontra um surpreendente teatro de movimento e luz. Possui um santuário de forma oval e um deambulatório da mesma forma, preenchendo a igreja com luz por todos os lados. As paredes brancas contrastavam com as colunas de estuque azul e rosa no coro, e o teto abobadado cercado por anjos de gesso abaixo de uma cúpula representando os céus repleta de figuras bíblicas coloridas. Outras notáveis ​​igrejas de peregrinação incluem a Basílica dos Quatorze Santos Auxiliares, de Balthasar Neumann (1743–1772).

Johann Michael Fischer foi o arquiteto da Abadia de Ottobeuren (1748–1766), outro marco do Rococó da Baviera. A igreja apresenta, como grande parte da arquitetura rococó na Alemanha, um notável contraste entre a regularidade da fachada e a superabundância de decoração no interior.

Grã-Bretanha

Na Grã-Bretanha, o rococó era chamado de "gosto francês" e teve menos influência no design e nas artes decorativas do que na Europa continental, embora sua influência fosse sentida em áreas como ourivesaria, porcelana e sedas. William Hogarth ajudou a desenvolver uma base teórica para a beleza rococó. Embora não mencionando o rococó pelo nome, ele argumentou em sua Análise da Beleza (1753) que as linhas ondulantes e as curvas em S proeminentes no Rococó eram a base da graça e da beleza na arte ou na natureza (ao contrário da linha reta ou do círculo no classicismo ) . .

O rococó demorou a chegar à Inglaterra. Antes de entrar no rococó, os móveis britânicos seguiram por um tempo o modelo neoclássico palladiano sob o designer William Kent , que projetou para Lord Burlington e outros importantes patronos das artes. Kent viajou para a Itália com Lord Burlington entre 1712 e 1720 e trouxe muitos modelos e ideias de Palladio. Ele projetou os móveis para o Palácio de Hampton Court (1732), Chiswick House de Lord Burlington (1729), Londres, Holkham Hall de Thomas Coke , Norfolk, pilha de Robert Walpole em Houghton , para Devonshire House em Londres e em Rousham.

O mogno apareceu na Inglaterra por volta de 1720 e imediatamente se tornou popular para móveis, junto com a madeira de nogueira . O rococó começou a aparecer na Inglaterra entre 1740 e 1750. Os móveis de Thomas Chippendale eram os mais próximos do estilo rococó. até móveis góticos, que alcançaram grande popularidade, passando por três edições. Ao contrário dos designers franceses, Chippendale não empregou marchetaria ou incrustações em seus móveis. Os designers predominantes de móveis embutidos foram Vile e Cob, os marceneiros do rei George III. Outra figura importante do mobiliário britânico foi Thomas Johnson , que em 1761, bem no final do período, publicou um catálogo de designs de móveis rococó. Estes incluem móveis baseados em motivos chineses e indianos bastante fantásticos, incluindo uma cama de dossel coroada por um pagode chinês (agora no Victoria and Albert Museum).

Outras figuras notáveis ​​do rococó britânico incluíam o ourives Charles Friedrich Kandler.

Rússia

A imperatriz russa Catarina, a Grande, era outra admiradora do rococó; O Gabinete Dourado do Palácio Chinês no complexo palaciano de Oranienbaum perto de São Petersburgo, projetado pelo italiano Antonio Rinaldi , é um exemplo do rococó russo.

Frederico Rococó

Frederico, o Grande , de Johann HC Franke, cerca de 1781

Frederician Rococo é uma forma de rococó que se desenvolveu na Prússia durante o reinado de Frederico, o Grande e combinou influências da França , Alemanha (especialmente Saxônia) e Holanda . Seu adepto mais famoso foi o arquiteto Georg Wenzeslaus von Knobelsdorff . Além disso, o pintor Antoine Pesne e até o próprio rei Frederico influenciaram os designs de Knobelsdorff. Edifícios famosos no estilo Fredericano incluem o Palácio Sanssouci , o Palácio da Cidade de Potsdam e partes do Palácio de Charlottenburg .

Recusar e terminar

Comparação entre uma gravura do século XVIII , de Jacques de Lajoue , de um cálice rococó ; e um krater de cálice romano do século I que tem exatamente a mesma forma de um vaso de jardim de pedra neoclássico

A arte de Boucher e de outros pintores do período, com ênfase na mitologia decorativa e galanteria, logo inspirou uma reação e uma demanda por temas mais "nobres". Enquanto o rococó continuou na Alemanha e na Áustria, a Academia Francesa em Roma começou a ensinar o estilo clássico. Isso foi confirmado pela nomeação de De Troy como diretor da academia em 1738, e depois em 1751 por Charles-Joseph Natoire .

Madame de Pompadour , amante de Luís XV, contribuiu para o declínio do estilo rococó. Em 1750 ela enviou seu irmão, Abel-François Poisson de Vandières , em uma missão de dois anos para estudar desenvolvimentos artísticos e arqueológicos na Itália. Ele foi acompanhado por vários artistas, incluindo o gravador Charles-Nicolas Cochin e o arquiteto Soufflot . Eles voltaram para Paris com uma paixão pela arte clássica. Vandiéres tornou-se o Marquês de Marigny e foi nomeado diretor-geral dos Edifícios do Rei. Ele transformou a arquitetura oficial francesa em direção ao neoclássico. Cochin tornou-se um importante crítico de arte; ele denunciou o pequeno estilo de Boucher e pediu um grande estilo com uma nova ênfase na antiguidade e na nobreza nas academias de pintura e arquitetura.

O início do fim do rococó ocorreu no início da década de 1760, quando figuras como Voltaire e Jacques-François Blondel começaram a expressar suas críticas à superficialidade e degeneração da arte. Blondel condenou a "mistura ridícula de conchas, dragões, juncos, palmeiras e plantas" em interiores contemporâneos.

Em 1785, o rococó havia saído de moda na França, substituído pela ordem e seriedade de artistas neoclássicos como Jacques-Louis David . Na Alemanha, o rococó do final do século XVIII foi ridicularizado como Zopf und Perücke ("rabo de cavalo e peruca"), e essa fase é às vezes chamada de Zopfstil . O rococó permaneceu popular em certos estados provinciais alemães e na Itália, até que a segunda fase do neoclassicismo, " estilo Império ", chegou com os governos napoleônicos e varreu o rococó.

Móveis e decoração

O estilo ornamental chamado rocaille surgiu na França entre 1710 e 1750, principalmente durante a regência e reinado de Luís XV ; o estilo também foi chamado de Louis Quinze . Suas principais características eram o detalhe pitoresco, as curvas e contracurvas, a assimetria e a exuberância teatral. Nas paredes dos novos salões de Paris, os desenhos retorcidos e sinuosos, geralmente feitos de estuque dourado ou pintado, contornavam as portas e espelhos como vinhas. Um dos primeiros exemplos foi o Hôtel Soubise em Paris (1704–05), com seu famoso salão oval decorado com pinturas de Boucher e Charles-Joseph Natoire .

O designer de móveis francês mais conhecido do período foi Juste-Aurèle Meissonnier (1695-1750), que também foi escultor e pintor. e ourives da casa real. Ele detinha o título de designer oficial da Câmara e do Gabinete de Luís XV. Seu trabalho é bem conhecido hoje por causa do enorme número de gravuras feitas de seu trabalho que popularizaram o estilo em toda a Europa. Desenhou obras para as famílias reais da Polónia e de Portugal.

A Itália foi outro lugar onde o rococó floresceu, tanto em suas fases iniciais quanto posteriores. Artesãos em Roma, Milão e Veneza produziram móveis e itens decorativos ricamente decorados.

A decoração esculpida incluía floretes, palmetas, conchas e folhagens, talhadas em madeira. As formas rocaille mais extravagantes foram encontradas nos consoles, mesas projetadas para ficar encostadas nas paredes. Os Commodes, ou baús, que apareceram pela primeira vez sob Luís XIV, eram ricamente decorados com ornamentos rocaille feitos de bronze dourado. Eles foram feitos por mestres artesãos, incluindo Jean-Pierre Latz , e também apresentavam marchetaria de madeiras de cores diferentes, às vezes colocadas em padrões cúbicos de prancheta, feitos com madeiras claras e escuras. O período também viu a chegada da Chinoiserie , muitas vezes na forma de cômodas laqueadas e douradas, chamadas falcon de Chine de Vernis Martin , em homenagem ao ebenista que introduziu a técnica na França. Ormolu , ou bronze dourado, foi usado por mestres artesãos, incluindo Jean-Pierre Latz . Latz fez um relógio particularmente ornamentado montado em cima de um cartoneiro para Frederico, o Grande, para seu palácio em Potsdam . Peças de porcelana chinesa importada eram frequentemente montadas em configurações rococó de ormolu (bronze dourado) para exibição em mesas ou consoles em salões. Outros artesãos imitaram a arte japonesa de móveis lacados e produziram cômodas com motivos japoneses.

O rococó britânico tendia a ser mais contido. Os designs de móveis de Thomas Chippendale mantiveram as curvas e o toque, mas pararam aquém das alturas francesas do capricho. O expoente de maior sucesso do rococó britânico foi provavelmente Thomas Johnson , um talentoso escultor e designer de móveis que trabalhava em Londres em meados do século XVIII.

Pintura

Elementos do estilo rocaille apareceram na obra de alguns pintores franceses, entre eles o gosto pelo pitoresco nos detalhes; curvas e contracurvas; e a dissimetria que substituiu com exuberância o movimento do barroco, embora o rocaille francês nunca tenha atingido a extravagância do rococó germânico. O principal proponente foi Antoine Watteau , particularmente em Pilgrimage on the Isle of Cythera (1717), Louvre , em um gênero chamado Fête Galante retratando cenas de jovens nobres reunidos para celebrar em um ambiente pastoral. Watteau morreu em 1721 com a idade de trinta e sete anos, mas seu trabalho continuou a ter influência durante o resto do século. A pintura Peregrinação a Citera foi comprada por Frederico o Grande da Prússia em 1752 ou 1765 para decorar seu palácio de Charlottenburg em Berlim.

O sucessor de Watteau e da Féte Galante na pintura decorativa foi François Boucher (1703–1770), o pintor favorito de Madame de Pompadour . Seu trabalho incluiu a sensual Toilette de Venus (1746), que se tornou um dos exemplos mais conhecidos do estilo. Boucher participou de todos os gêneros da época, desenhando tapeçarias, modelos para escultura de porcelana, cenários para a ópera de Paris e ópera-comique e decoração para a Feira de Saint-Laurent. Outros pintores importantes do estilo Fête Galante incluíram Nicolas Lancret e Jean-Baptiste Pater . O estilo influenciou particularmente François Lemoyne , que pintou a luxuosa decoração do teto do Salão de Hércules no Palácio de Versalhes , concluída em 1735. Pinturas com fétes gallant e temas mitológicos de Boucher, Pierre-Charles Trémolières e Charles-Joseph Natoire decoraram o famoso salão do Hôtel Soubise em Paris (1735-1740). Outros pintores rococós incluem: Jean François de Troy (1679–1752), Jean-Baptiste van Loo (1685–1745), seus dois filhos Louis-Michel van Loo (1707–1771) e Charles-Amédée-Philippe van Loo (1719– 1795), seu irmão mais novo Charles-André van Loo (1705–1765), Nicolas Lancret (1690–1743) e Jean Honoré Fragonard (1732–1806).

Na Áustria e no sul da Alemanha, a pintura italiana teve o maior efeito no estilo rococó. O pintor veneziano Giovanni Battista Tiepolo , auxiliado por seu filho, Giovanni Domenico Tiepolo , foi convidado para pintar afrescos para a Residência de Würzburg (1720–1744). O pintor mais proeminente das igrejas rococó da Baviera foi Johann Baptist Zimmermann , que pintou o teto da Wieskirche (1745-1754).

Escultura

A escultura rococó era teatral, sensual e dinâmica, dando uma sensação de movimento em todas as direções. Era mais comumente encontrado no interior das igrejas, geralmente intimamente integrado à pintura e à arquitetura. A escultura religiosa seguiu o estilo barroco italiano, como exemplificado no retábulo teatral da Karlskirche em Viena.

As primeiras esculturas Rococó ou Rocaille na França eram mais leves e ofereciam mais movimento do que o estilo clássico de Luís XIV. Foi encorajado em particular por Madame de Pompadour , amante de Luís XV, que encomendou muitas obras para seus castelos e jardins. O escultor Edmé Bouchardon representou Cupido empenhado em esculpir seus dardos de amor do clube de Hércules . Figuras rococó também lotaram as fontes posteriores em Versalhes, como a Fonte de Netuno de Lambert-Sigisbert Adam e Nicolas-Sebastien Adam (1740). Com base em seu sucesso em Versalhes, eles foram convidados para a Prússia por Frederico, o Grande, para criar uma escultura de fonte para o Palácio Sanssouci , Prússia (década de 1740).

Étienne-Maurice Falconet (1716-1791) foi outro importante escultor francês durante o período. Falconet ficou mais famoso por sua estátua de Pedro, o Grande , a cavalo em São Petersburgo, mas também criou uma série de obras menores para colecionadores ricos, que podiam ser reproduzidas em série em terracota ou fundidas em bronze. Os escultores franceses Jean-Louis Lemoyne , Jean-Baptiste Lemoyne , Louis-Simon Boizot , Michel Clodion , Lambert-Sigisbert Adam e Jean-Baptiste Pigalle produziram esculturas em série para colecionadores.

Na Itália, Antonio Corradini estava entre os principais escultores do estilo rococó. Veneziano, viajou pela Europa, trabalhando para Pedro, o Grande, em São Petersburgo, para as cortes imperiais na Áustria e em Nápoles. Preferiu os temas sentimentais e fez vários trabalhos habilidosos de mulheres com rostos cobertos por véus, um dos quais se encontra hoje no Louvre .

Os exemplos mais elaborados da escultura rococó foram encontrados na Espanha, Áustria e sul da Alemanha, na decoração de palácios e igrejas. A escultura estava intimamente integrada à arquitetura; era impossível saber onde terminava um e começava o outro. No Palácio Belvedere em Viena (1721-1722), o teto abobadado do Salão dos Atlantes é sustentado nos ombros de figuras musculosas desenhadas por Johann Lukas von Hildebrandt . O portal do Palácio do Marquês de Dos Aguas em Valência (1715-1776) estava completamente encharcado de escultura esculpida em mármore, com desenhos de Hipólito Rovira Brocandel.

O altar El Transparente , na capela-mor da Catedral de Toledo , é uma imponente escultura de mármore policromado e estuque dourado, combinada com pinturas, estátuas e símbolos. Foi feito por Narciso Tomé (1721-1732), Seu desenho permite a passagem da luz, e na mudança de luz parece se mover.

Porcelana

Uma nova forma de escultura em pequena escala apareceu, a figura de porcelana , ou pequeno grupo de figuras, inicialmente substituindo esculturas de açúcar em grandes mesas de jantar, mas logo popular para colocar em lareiras e móveis. O número de fábricas européias cresceu constantemente ao longo do século, e algumas fabricavam porcelana que a classe média em expansão podia pagar. A quantidade de decoração colorida sobre vidrado usada neles também aumentou. Eles geralmente eram modelados por artistas treinados em escultura. Os assuntos comuns incluíam figuras da commedia dell'arte , vendedores ambulantes da cidade, amantes e figuras em roupas da moda e pares de pássaros.

Johann Joachim Kändler foi o modelador mais importante da porcelana Meissen , a primeira fábrica européia, que permaneceu a mais importante até cerca de 1760. O escultor alemão nascido na Suíça Franz Anton Bustelli produziu uma grande variedade de figuras coloridas para a Manufatura de Porcelana Nymphenburg na Baviera, que foram vendidos em toda a Europa. O escultor francês Étienne-Maurice Falconet (1716-1791) seguiu este exemplo. Ao mesmo tempo em que fazia obras em grande escala, tornou-se diretor da manufatura de porcelana de Sevres e produziu obras em pequena escala, geralmente sobre amor e alegria, para produção em série.

Música

Um período rococó existiu na história da música , embora não seja tão conhecido quanto o barroco anterior e as formas clássicas posteriores. O próprio estilo de música rococó desenvolveu-se a partir da música barroca tanto na França, onde o novo estilo era conhecido como style galant ("estilo galante" ou "elegante"), quanto na Alemanha, onde era referido como empfindsamer Stil ("sensível estilo"). Pode ser caracterizada como uma música leve e intimista com formas de ornamentação extremamente elaboradas e refinadas . Exemplos incluem Jean Philippe Rameau , Louis-Claude Daquin e François Couperin na França; na Alemanha, os principais proponentes do estilo foram CPE Bach e Johann Christian Bach , dois filhos de JS Bach .

Na segunda metade do século XVIII, ocorreu uma reação contra o estilo rococó, principalmente contra o uso excessivo de ornamentação e decoração. Liderada por Christoph Willibald Gluck , essa reação inaugurou a era clássica . No início do século XIX, a opinião católica se voltou contra a adequação do estilo para contextos eclesiásticos porque "não era de forma alguma propício a sentimentos de devoção".

O compositor russo da era romântica Pyotr Ilyich Tchaikovsky escreveu As Variações sobre um Tema Rococó , Op. 33, para violoncelo e orquestra em 1877. Embora o tema não seja de origem rococó, é escrito em estilo rococó.

Moda

Saca-costas e anágua, 1775-1780 V&A Museum no. T.180&A-1965

A moda rococó baseava-se na extravagância, elegância, requinte e decoração. A moda feminina do século XVII contrastava com a moda do século XVIII, que era ornamentada e sofisticada, o verdadeiro estilo do rococó. Essas modas se espalharam além da corte real para os salões e cafés da burguesia ascendente. O estilo exuberante, lúdico e elegante de decoração e design que hoje conhecemos como 'rococó' era então conhecido como le style rocaille, le style moderne, le gout.

Um estilo que apareceu no início do século XVIII foi o manto volante , um vestido esvoaçante, que se tornou popular no final do reinado do rei Luís XIV. Este vestido tinha as características de um corpete com grandes pregas que desciam pelas costas até o chão sobre uma anágua arredondada. A paleta de cores era rica, tecidos escuros acompanhados por recursos de design elaborados e pesados. Após a morte de Luís XIV, os estilos de roupas começaram a mudar. A moda deu uma guinada para um estilo mais leve e frívolo, transitando do período barroco para o conhecido estilo rococó. O período posterior era conhecido por suas cores pastel, vestidos mais reveladores e a infinidade de babados, babados, laços e rendas como enfeites. Logo depois que o típico vestido rococó feminino foi introduzido, robe à la Française, um vestido com um corpete justo que tinha um decote decotado, geralmente com grandes laços de fita no centro da frente, cestos largos e era luxuosamente aparado em grandes quantidades de rendas, fitas e flores.

As pregas Watteau também se tornaram mais populares, em homenagem ao pintor Jean-Antoine Watteau, que pintou os detalhes dos vestidos até os pontos de renda e outros enfeites com imensa precisão. Mais tarde, o 'pannier' e o 'mantua ' tornaram-se moda por volta de 1718. Eles eram argolas largas sob o vestido para estender os quadris para os lados e logo se tornaram um item básico no traje formal. Isso deu ao período rococó o vestido icônico de quadris largos combinado com a grande quantidade de decoração nas roupas. Alforjes largos eram usados ​​em ocasiões especiais e podiam atingir até 4,9 metros de diâmetro, e argolas menores eram usadas no dia a dia. Esses recursos vieram originalmente da moda espanhola do século XVII, conhecida como guardainfante , inicialmente projetada para esconder a barriga grávida, depois reimaginada como pannier. 1745 tornou-se a Idade de Ouro do Rococó com a introdução de uma cultura oriental mais exótica na França chamada a la turque . Isso se tornou popular pela amante de Luís XV, Madame Pompadour, que contratou o artista Charles Andre Van Loo para pintá-la como uma sultana turca.

Na década de 1760, surgiu um estilo de vestidos menos formais e um deles foi a polonesa , com inspiração vinda da Polônia. Era mais curto que o vestido francês, deixando a parte de baixo e os tornozelos à mostra, o que facilitava a movimentação. Outro vestido que entrou na moda foi o robe a l'anglais , que trazia elementos inspirados na moda masculina; uma jaqueta curta, lapelas largas e mangas compridas. Ele também tinha um corpete confortável, uma saia rodada sem anáguas, mas ainda um pouco longa nas costas para formar uma pequena cauda e, muitas vezes, algum tipo de lenço de renda usado em volta do pescoço. Outra peça foi o 'redingote', a meio caminho entre uma capa e um sobretudo.

Os acessórios também eram importantes para todas as mulheres nessa época, pois aumentavam a opulência e a decoração do corpo para combinar com seus vestidos. Em qualquer cerimônia oficial, as senhoras eram obrigadas a cobrir as mãos e os braços com luvas se as roupas fossem sem mangas.

Galeria

Arquitetura

gravuras

Pintura

pintura da era rococó

Veja também

Notas e citações

Bibliografia

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Leitura adicional

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