Arte medieval - Medieval art

Arte medieval
Os mosaicos monumentais bizantinos da Igreja são uma das grandes conquistas da arte medieval. Estes são de Monreale, na Sicília, do final do século XII.

A arte medieval do mundo ocidental cobre um vasto espaço de tempo e lugar, mais de 1000 anos de arte na Europa e em certos períodos na Ásia Ocidental e no Norte da África . Inclui os principais movimentos e períodos artísticos, arte nacional e regional, gêneros, revivals, o artesanato dos artistas e os próprios artistas.

Os historiadores da arte tentam classificar a arte medieval nos principais períodos e estilos, muitas vezes com alguma dificuldade. Um esquema geralmente aceite inclui as fases posteriores da arte cristã primitiva , arte dos povos germânicos , arte bizantina , arte Insular , pré-românica , arte românica e arte gótica , assim como muitos outros períodos dentro destes estilos centrais. Além disso, cada região, principalmente durante o período em processo de formação de nações ou culturas, tinha seu próprio estilo artístico distinto, como a arte anglo-saxônica ou a arte viking .

A arte medieval foi produzida em muitas mídias, e as obras sobrevivem em grande número em esculturas , manuscritos iluminados , vitrais , trabalhos em metal e mosaicos , todos os quais tiveram uma taxa de sobrevivência maior do que outras mídias, como afrescos em paredes e trabalhos em metais preciosos ou têxteis , incluindo tapeçaria . Especialmente na primeira parte do período, obras nas chamadas "artes menores" ou artes decorativas , como metalurgia, escultura em marfim, esmalte e bordados com metais preciosos, eram provavelmente mais valorizadas do que pinturas ou esculturas monumentais .

A arte medieval na Europa cresceu a partir da herança artística do Império Romano e das tradições iconográficas da igreja cristã primitiva . Essas fontes foram misturadas com a vigorosa cultura artística "bárbara" do norte da Europa para produzir um legado artístico notável. Na verdade, a história da arte medieval pode ser vista como a história da interação entre os elementos da arte clássica , cristã primitiva e "bárbara". Além dos aspectos formais do classicismo, havia uma tradição contínua de representação realista de objetos que sobreviveram na arte bizantina ao longo do período, enquanto no Ocidente ela aparece de forma intermitente, combinando e às vezes competindo com novas possibilidades expressionistas desenvolvidas na Europa Ocidental e no Norte legado de elementos decorativos energéticos. O período terminou com a autopercebida recuperação renascentista das habilidades e valores da arte clássica, e o legado artístico da Idade Média foi então desacreditado por alguns séculos. Desde um renascimento do interesse e compreensão no século 19, tem sido visto como um período de enormes realizações que está subjacente ao desenvolvimento da arte ocidental posterior.

Visão geral

Detalhe de Os efeitos do bom governo , um afresco na Prefeitura de Siena de Ambrogio Lorenzetti , 1338.

Os primeiros séculos da Idade Média na Europa - até cerca de 800 DC - viram uma diminuição na prosperidade, estabilidade e população, seguida por um aumento bastante estável e geral até o retrocesso massivo da Peste Negra por volta de 1350, que é estimado ter matado pelo menos um terço da população geral da Europa, com taxas geralmente mais altas no sul e mais baixas no norte. Muitas regiões não recuperaram seus antigos níveis de população até o século XVII. A população da Europa é estimada em ter atingido um ponto de cerca de 18 milhões em 650 baixo, ter dobrado em torno do ano 1000, e atingiram mais de 70 milhões até 1340, pouco antes da Peste Negra. Em 1450, ainda era apenas 50 milhões. Para esses números, o norte da Europa, especialmente a Grã-Bretanha, contribuiu com uma proporção menor do que hoje, e o sul da Europa, incluindo a França, com uma proporção maior. O aumento da prosperidade, para aqueles que sobreviveram, foi muito menos afetado pela Peste Negra. Até cerca do século 11, a maior parte da Europa carecia de mão de obra agrícola, com grandes quantidades de terras não utilizadas, e o Período Quente Medieval beneficiou a agricultura até cerca de 1315.

Cenas de amor cortês na caixa de um espelho de marfim de uma senhora . Paris, 1300–1330.

O período medieval acabou por assistir ao declínio das invasões e incursões de fora da área que caracterizou o primeiro milênio. As conquistas islâmicas dos séculos 7 e 8 removeram repentina e permanentemente todo o norte da África do mundo ocidental, e durante o resto do período os povos islâmicos gradualmente tomaram conta do Império Bizantino , até o final da Idade Média, quando a Europa católica, tendo recuperou a península ibérica no sudoeste, estava mais uma vez sob ameaça muçulmana do sudeste.

No início do período medieval, as obras de arte mais significativas eram objetos muito raros e caros, associados a elites seculares, mosteiros ou igrejas importantes e, se religiosos, em grande parte produzidos por monges. No final da Idade Média, obras de considerável interesse artístico podiam ser encontradas em pequenas aldeias e um número significativo de casas burguesas nas cidades, e sua produção era em muitos lugares uma importante indústria local, com artistas do clero agora a exceção. No entanto, a Regra de São Bento permitia a venda de obras de arte por mosteiros, e é claro que durante todo o período os monges podiam produzir arte, incluindo obras seculares, comercialmente para um mercado leigo, e os mosteiros também contratavam especialistas leigos quando necessário.

As obras que sobreviveram podem ter a impressão de que quase toda a arte medieval era religiosa. Isso está longe de ser o caso; embora a igreja tenha se tornado muito rica durante a Idade Média e às vezes preparada para gastar muito com arte, havia também muita arte secular de qualidade equivalente que sofreu com uma taxa muito maior de desgaste, perda e destruição. A Idade Média geralmente carecia do conceito de preservar obras mais antigas por seu mérito artístico, em oposição a sua associação com um santo ou figura fundadora, e os períodos seguintes da Renascença e do Barroco tenderam a menosprezar a arte medieval. A maioria dos manuscritos iluminados de luxo do início da Idade Média tinha capas de livros pródigas com encadernação de tesouros em metal precioso, marfim e joias; as páginas re-encadernadas e os relevos de marfim das capas sobreviveram em número muito maior do que as capas completas, que em algum momento foram retiradas por causa de seus valiosos materiais.

A capa de joias do Codex Aureus de St. Emmeram , c. 870, um livro do Evangelho Carolíngio .

A maioria das igrejas foi reconstruída, muitas vezes várias vezes, mas palácios medievais e grandes casas foram perdidos em uma taxa muito maior, o que também se aplica a seus acessórios e decoração. Na Inglaterra, as igrejas sobrevivem praticamente intactas em todos os séculos desde o século 7, e em números consideráveis ​​para os posteriores - a cidade de Norwich sozinha tem 40 igrejas medievais - mas das dezenas de palácios reais, nenhum sobreviveu antes do século 11, e apenas um punhado de remanescentes do resto do período. A situação é semelhante na maior parte da Europa, embora o Palais des Papes do século 14 em Avignon sobreviva praticamente intacto. Muitas das mais antigas disputas acadêmicas sobre a data e a origem de obras individuais estão relacionadas a peças seculares, porque são muito mais raras - o Broche Fuller Anglo-Saxão foi recusado pelo Museu Britânico como uma falsificação implausível e pequena secular independente esculturas de bronze são tão raras que a data, a origem e até a autenticidade de ambos os dois melhores exemplos têm sido discutidas por décadas.

O uso de materiais valiosos é uma constante na arte medieval; até o final do período, normalmente se gastava muito mais para comprá-los do que para pagar aos artistas, mesmo que não fossem monges no desempenho de suas funções. O ouro era usado para objetos de igrejas e palácios, joias pessoais e acessórios de roupas e - fixado na parte de trás de tesselas de vidro - como um fundo sólido para mosaicos ou aplicado como folha de ouro em miniaturas em manuscritos e pinturas em painel. Muitos objetos usando metais preciosos foram feitos com o conhecimento de que seu valor em ouro poderia ser realizado em um ponto futuro - somente próximo ao final do período o dinheiro poderia ser investido em outros bens que não em bens imóveis , exceto sob grande risco ou por meio de usura .

O pequeno Díptico Wilton privado para Ricardo II da Inglaterra , c. 1400, com fundos de ouro estampados e muito ultramar .

O pigmento ultramarino ainda mais caro , feito de lápis-lazúli obtido apenas no Afeganistão , foi usado com abundância no período gótico, mais frequentemente para o manto externo azul tradicional da Virgem Maria do que para o céu. O marfim , muitas vezes pintado, foi um material importante até o final do período, ilustrando bem a mudança da arte de luxo para as obras seculares; no início do período, a maioria dos usos estava mudando de dípticos consulares para objetos religiosos, como capas de livros, relicários e báculos , mas no período gótico estojos de espelho seculares, caixões e pentes decorados tornaram-se comuns entre os abastados. Como os painéis finos de marfim esculpidos em relevo raramente podiam ser reciclados para outro trabalho, o número de sobreviventes é relativamente alto - o mesmo é verdadeiro para as páginas manuscritas, embora muitas vezes fossem recicladas por raspagem, e então se tornavam palimpsestos .

Mesmo esses materiais básicos eram caros: quando a abadia anglo-saxônica Monkwearmouth-Jarrow planejou criar três cópias da Bíblia em 692 - uma das quais sobreviveu como o Codex Amiatinus - o primeiro passo necessário foi planejar a criação de gado para abastecer o 1.600 bezerros para dar a pele necessária ao pergaminho .

O papel tornou-se disponível nos últimos séculos do período, mas também era extremamente caro para os padrões de hoje; xilogravuras vendidas a peregrinos comuns em santuários geralmente eram do tamanho de uma caixa de fósforos ou menores. A dendrocronologia moderna revelou que a maior parte do carvalho para painéis usados ​​na pintura holandesa inicial do século 15 foi derrubado na bacia do Vístula , na Polônia, de onde foi despachado rio abaixo e através dos mares Báltico e do Norte para os portos flamengos , antes de ser experiente por vários anos.

A arte na Idade Média é um assunto amplo e os historiadores da arte tradicionalmente a dividem em várias fases, estilos ou períodos de grande escala. O período da Idade Média não começa nem termina nitidamente em qualquer data específica, nem ao mesmo tempo em todas as regiões, e o mesmo é verdade para as principais fases da arte dentro do período. As principais fases são abordadas nas seções a seguir.

Arte cristã primitiva e antiguidade tardia

Arco de Constantino , Roma, concluído em 315: O relevo inferior longo , com figuras atarracadas de tamanhos variando com status, é dessa data, enquanto as rodelas são retiradas de um monumento de quase 200 anos antes, que mantém um estilo clássico.

A arte cristã primitiva, mais geralmente descrita como arte da Antiguidade Tardia , cobre o período de cerca de 200 (antes do qual nenhuma arte cristã distinta sobreviveu), até o início de um estilo totalmente bizantino em cerca de 500. Continuam a haver diferentes pontos de vista sobre quando o O período medieval começa nessa época, tanto em termos de história geral como especificamente da história da arte, mas é mais frequentemente colocado no final do período. No decorrer do século IV, o Cristianismo deixou de ser uma seita popular perseguida para se tornar a religião oficial do Império, adaptando os estilos romanos existentes e muitas vezes a iconografia , tanto da arte popular quanto imperial. Desde o início do período, os principais vestígios da arte cristã são as pinturas em tumbas em estilos populares das catacumbas de Roma , mas no final havia vários mosaicos luxuosos em igrejas construídas sob o patrocínio imperial.

Durante esse período, a arte imperial romana tardia passou por uma fase notavelmente "barroca" e, em seguida, abandonou em grande parte o estilo clássico e o realismo grego em favor de um estilo mais místico e hierático - um processo que estava bem encaminhado antes que o cristianismo se tornasse uma grande influência na arte imperial . Influências de partes orientais do Império - Egito , Síria e além, e também uma robusta tradição vernácula "itálica", contribuíram para esse processo.

As figuras são vistas principalmente de frente para o espectador, onde a arte clássica tendia a mostrar uma vista de perfil - a mudança acabou sendo vista até mesmo em moedas. A individualidade dos retratos, grande força da arte romana, diminui drasticamente, e a anatomia e a roupagem das figuras são mostradas com muito menos realismo. Os modelos a partir dos quais o norte da Europa medieval, em particular, formou sua ideia de estilo "romano", eram quase todos trabalhos portáteis da Antiguidade Tardia, e os sarcófagos esculpidos da Antiguidade Tardia encontrados em todo o antigo Império Romano; a determinação de encontrar modelos clássicos "mais puros" anteriores foi um elemento-chave na arte all'antica do Renascimento.

Relevos de marfim

Arte bizantina

O rei Davi toca harpa no Saltério de Paris do século 10 , uma obra de classicização do período macedônio.

A arte bizantina é a arte do Império Bizantino de língua grega formado após a divisão do Império Romano entre as metades oriental e ocidental e, às vezes, de partes da Itália sob o domínio bizantino. Surgiu da Antiguidade Tardia por volta de 500 EC e logo formou uma tradição distinta daquela da Europa católica, mas com grande influência sobre ela. No início do período medieval, a melhor arte bizantina, muitas vezes das grandes oficinas imperiais, representava um ideal de sofisticação e técnica que os patronos europeus tentavam imitar. Durante o período da iconoclastia bizantina em 730-843, a grande maioria dos ícones (imagens sagradas geralmente pintadas em madeira) foram destruídos; tão pouco resta que hoje qualquer descoberta lança uma nova compreensão, e a maioria das obras restantes estão na Itália (Roma e Ravenna etc.), ou no Egito, no Mosteiro de Santa Catarina .

A arte bizantina era extremamente conservadora, por razões religiosas e culturais, mas manteve uma tradição contínua do realismo grego, que lutou com um forte impulso anti-realista e hierático. Após a retomada da produção de ícones em 843 até 1453, a tradição da arte bizantina continuou com relativamente poucas mudanças, apesar ou por causa do lento declínio do Império. Houve um renascimento notável do estilo clássico em obras da arte da corte do século 10, como o Saltério de Paris , e ao longo do período a iluminação do manuscrito mostra estilos paralelos, frequentemente usados ​​pelo mesmo artista, para figuras icônicas em miniaturas emolduradas e pequenas cenas ou figuras mais informais adicionado sem moldura nas margens do texto em um estilo muito mais realista.

A escultura monumental com figuras permaneceu um tabu na arte bizantina; quase nenhuma exceção é conhecida. Mas pequenos relevos de marfim, quase todos no modo icônico (o Harbaville Triptych é semelhante ao Saltério de Paris, mas muito diferente no estilo), eram uma especialidade, assim como a decoração em relevo em tigelas e outros objetos de metal.

O Império Bizantino produziu muito da melhor arte da Idade Média em termos de qualidade de material e mão de obra, com a produção da corte centrada em Constantinopla , embora alguns historiadores da arte tenham questionado a suposição, ainda comumente feita, de que todos os trabalhos da melhor qualidade com nenhuma indicação de origem foi produzida na capital. A maior conquista da arte bizantina foram os afrescos monumentais e os mosaicos dentro das igrejas abobadadas, a maioria dos quais não sobreviveu devido a desastres naturais e à apropriação de igrejas a mesquitas .

O ícone copta de Jesus e um abade do século 6 ou 7 compartilha de uma forma mais caseira o estilo anti-realista da arte icônica bizantina.

A arte bizantina exerceu uma influência contínua na arte da Europa Ocidental, e os esplendores da corte e dos mosteiros bizantinos, mesmo no fim do Império, serviram de modelo para governantes ocidentais e patronos seculares e clericais. Por exemplo, os têxteis de seda bizantina , muitas vezes tecidos ou bordados com desenhos de figuras de animais e humanos, os primeiros muitas vezes refletindo tradições originárias muito mais ao leste, eram insuperáveis ​​no mundo cristão até quase o fim do Império. Elas foram produzidas, mas provavelmente não inteiramente, em oficinas imperiais em Constantinopla, sobre cujas operações não sabemos quase nada - oficinas semelhantes são freqüentemente conjecturadas para outras artes, com ainda menos evidência. O estilo de fundo dourado em mosaicos, ícones e miniaturas manuscritas era comum em toda a Europa no período gótico. Algumas outras artes decorativas foram menos desenvolvidas; A cerâmica bizantina raramente se eleva acima do nível de arte popular atraente , apesar da herança da Grécia Antiga e do futuro impressionante das peças İznik e outros tipos de cerâmica no período otomano .

A arte copta do Egito seguiu um caminho diferente; depois que a Igreja Copta se separou em meados do século V, ela nunca mais foi apoiada pelo Estado, e as influências egípcias nativas dominaram para produzir um estilo completamente não realista e um tanto ingênuo de figuras de olhos grandes flutuando em espaços em branco. Isso era capaz de grande expressividade e levou o componente "oriental" da arte bizantina às suas conclusões lógicas. A decoração copta usava desenhos geométricos intrincados, muitas vezes antecipando a arte islâmica. Devido à preservação excepcionalmente boa dos túmulos egípcios, sabemos mais sobre os tecidos usados ​​pelos menos abastados no Egito do que em qualquer outro lugar. Estes eram freqüentemente decorados com desenhos figurativos e padronizados. Outras tradições locais na Armênia , Síria , Geórgia e outros lugares mostraram geralmente menos sofisticação, mas frequentemente mais vigor do que a arte de Constantinopla e, às vezes, especialmente na arquitetura , parecem ter tido influência até mesmo na Europa Ocidental. Por exemplo, a escultura monumental figurativa do lado de fora das igrejas aparece aqui alguns séculos antes de ser vista no Ocidente.

Período de migração através da cristianização

Fecho de ombro de Sutton Hoo , Anglo-Saxon, c. 620. Cobras mordedoras entrelaçadas e javalis confrontados (seções finais) são representados inteiramente de forma esquemática.

A arte do Período da Migração descreve a arte dos povos " bárbaros " germânicos e da Europa Oriental que estavam em movimento e então se estabelecendo no antigo Império Romano, durante o período de migração de cerca de 300-700; o termo geral abrange uma vasta gama de estilos étnicos ou regionais, incluindo cedo arte anglo-saxão , arte visigodo , arte Viking e arte merovíngia , os quais fizeram uso do estilo animais , bem como motivos geométricos derivados de arte clássica. Nesse período, o estilo animal alcançou uma forma muito mais abstrata do que na arte cita anterior ou no estilo La Tène . A maioria das obras de arte era pequena e portátil e as que sobreviveram são principalmente joias e trabalhos em metal, com a arte expressa em designs geométricos ou esquemáticos, muitas vezes lindamente concebidos e feitos, com poucas figuras humanas e nenhuma tentativa de realismo. Os primeiros bens do túmulo anglo-saxão de Sutton Hoo estão entre os melhores exemplos.

À medida que os povos "bárbaros" eram cristianizados , essas influências interagiam com a tradição artística cristã mediterrânea pós-clássica e com novas formas como o manuscrito iluminado e, na verdade , moedas , que tentavam emular moedas provinciais romanas e tipos bizantinos . As primeiras cunhas, como o sceat, mostram designers completamente desacostumados a representar uma cabeça de perfil lutando com o problema de várias maneiras diferentes.

Quanto a obras maiores, há referências a estátuas pagãs de madeira anglo-saxãs, todas agora perdidas, e na arte nórdica a tradição de pedras rúnicas esculpidas foi mantida após sua conversão ao cristianismo. Os pictos celtas da Escócia também esculpiram pedras antes e depois da conversão, e a tradição anglo-saxônica e irlandesa de grandes cruzes esculpidas ao ar livre pode refletir obras pagãs anteriores. A arte viking dos últimos séculos na Escandinávia e em partes das Ilhas Britânicas inclui trabalhos de origens pagãs e cristãs e foi um dos últimos florescimentos desse amplo grupo de estilos.

Arte insular

Livro de Lindisfarne , Northumbria , c. 715; a decoração invade o texto do início de Mateus : "Liber generationis Jesu Christi filii David, filii Abraham".

A arte insular refere-se ao estilo distinto encontrado na Irlanda e na Grã-Bretanha por volta do século 7 até o século 10, durando mais tarde na Irlanda e em partes da Escócia. O estilo viu uma fusão entre as tradições da arte celta , a arte do período da migração germânica dos anglo-saxões e as formas cristãs do livro, cruzes altas e trabalhos em metal litúrgico.

Decoração animal extremamente detalhada geométrica, entrelaçada e estilizada, com formas derivadas de trabalhos em metal secular, como broches , espalhados com ousadia pelos manuscritos, geralmente livros gospel como o Livro de Kells , com páginas inteiras de carpete dedicadas a tais designs, e o desenvolvimento de grandes páginas decoradas e inicial historiada . Havia muito poucas figuras humanas - na maioria das vezes eram retratos de evangelistas - e eram grosseiras, mesmo quando seguiam de perto os modelos da Antiguidade Tardia.

O estilo do manuscrito insular foi transmitido ao continente pela missão Hiberno-escocesa , e sua energia anti-clássica foi extremamente importante na formação de estilos medievais posteriores. Na maioria dos manuscritos da Antiguidade Tardia, o texto e a decoração eram mantidos claramente separados, embora algumas iniciais começassem a ser ampliadas e elaboradas, mas os principais manuscritos insulares às vezes ocupam uma página inteira para uma única inicial ou as primeiras palavras (ver ilustração) no início dos evangelhos ou outras seções de um livro. Permitir que a decoração tenha um "direito de circulação" teria grande influência na arte românica e gótica em todos os meios de comunicação.

Os edifícios dos mosteiros para os quais os livros insulares do evangelho foram feitos eram então pequenos e podiam ser considerados primitivos, especialmente na Irlanda. Cada vez mais havia outras decorações para as igrejas, quando possível em metais preciosos, e um punhado delas sobreviveu, como o cálice Ardagh , junto com um número maior de peças extremamente ornamentadas e finamente feitas de joias seculares de alto status, os broches celtas provavelmente usados principalmente por homens, dos quais o Tara Brooch é o mais espetacular.

"Franco-saxão" é um termo para designar uma escola de iluminação carolíngia tardia no nordeste da França que usava decoração em estilo insular, incluindo iniciais supergrandes, às vezes em combinação com imagens figurativas típicas de estilos franceses contemporâneos. O "mais tenaz de todos os estilos carolíngios", continuou até o século XI.

Iniciais gigantes

A influência da arte islâmica

O portal românico em Moissac - ver texto. Detalhe do tímpano aqui

A arte islâmica durante a Idade Média está fora do escopo deste artigo, mas foi amplamente importada e admirada pelas elites europeias, e sua influência precisa ser mencionada. A arte islâmica cobre uma ampla variedade de mídias, incluindo caligrafia, manuscritos ilustrados, têxteis, cerâmica, trabalho em metal e vidro, e se refere à arte de países muçulmanos no Oriente Próximo, Espanha islâmica e norte da África, embora nem sempre artistas muçulmanos ou artesãos. A produção de vidro , por exemplo, continuou sendo uma especialidade judaica durante todo o período, e a arte cristã, como no Egito copta , continuou, especialmente durante os primeiros séculos, mantendo alguns contatos com a Europa. Houve um estágio inicial de formação de 600-900 e o desenvolvimento de estilos regionais de 900 em diante. A arte islâmica primitiva usava mosaicos e escultores treinados nas tradições bizantina e copta. Em vez de pinturas murais, a arte islâmica usava azulejos pintados , desde 862-3 (na Grande Mesquita de Kairouan, na Tunísia moderna ), que também se espalharam pela Europa. De acordo com John Ruskin , o Palácio do Doge em Veneza contém "três elementos em proporções exatamente iguais - o romano, o lombardo e o árabe. É o edifício central do mundo ... a história da arquitetura gótica é a história do refinamento e espiritualização da obra nortenha sob sua influência ”.

Os governantes islâmicos controlavam em vários pontos partes do sul da Itália e a maior parte da moderna Espanha e Portugal, bem como os Bálcãs , todos os quais mantinham grandes populações cristãs. Os cruzados cristãos governaram igualmente as populações islâmicas. A arte cruzada é principalmente um híbrido de estilos católico e bizantino, com pouca influência islâmica, mas a arte moçárabe dos cristãos em Al Andaluz parece mostrar uma influência considerável da arte islâmica, embora os resultados sejam pouco semelhantes às obras islâmicas contemporâneas. A influência islâmica também pode ser rastreada na corrente principal da arte medieval ocidental, por exemplo, no portal românico em Moissac, no sul da França, onde mostra ambos os elementos decorativos, como as bordas recortadas da porta, as decorações circulares no lintel acima, e também por ter Cristo em majestade cercado por músicos, que se tornaria uma característica comum das cenas celestiais ocidentais, e provavelmente deriva de imagens de reis islâmicos em seu diwan . Caligrafia , ornamento e artes decorativas em geral eram mais importantes do que no Ocidente.

As peças de cerâmica hispano-mourisca da Espanha foram produzidas primeiro em Al-Andaluz, mas os ceramistas muçulmanos parecem ter emigrado para a área de Valência cristã , onde produziram obras que foram exportadas para as elites cristãs em toda a Europa; outros tipos de bens islâmicos de luxo, notadamente tecidos e tapetes de seda, vieram do próprio mundo islâmico oriental geralmente mais rico (os conduítes islâmicos para a Europa a oeste do Nilo , entretanto, não eram mais ricos), com muitos passando por Veneza. No entanto, em sua maioria, os produtos de luxo da cultura da corte, como sedas, marfim, pedras preciosas e joias, eram importados para a Europa apenas de forma inacabada e transformados no produto final rotulado como "oriental" pelos artesãos medievais locais. Eles não apresentavam representações de cenas religiosas e eram normalmente decorados com ornamentos , o que os tornava fáceis de aceitar no Ocidente. De fato, no final da Idade Média, havia uma moda para imitações pseudo-cúficas da escrita árabe usadas decorativamente na arte ocidental.

Arte pré-românica

Detalhe de coroa votiva da Espanha visigótica , anterior a 672. Parte do Tesouro de Guarrazar .

Pré-românico é um termo para arquitetura e, em certa medida, arte pictórica e portátil encontrada inicialmente no sul da Europa (Espanha, Itália e sul da França) entre o período da Antiguidade Tardia e o início do período românico no século XI. A arte do norte da Europa gradualmente faz parte do movimento após a cristianização, à medida que assimila estilos pós-clássicos. A arte carolíngia do Império Franco , especialmente a França e a Alemanha modernas, de aproximadamente 780-900, leva o nome de Carlos Magno e é uma arte do círculo da corte e de alguns centros monásticos sob patrocínio imperial, que buscou conscientemente reviver os estilos "romanos" e padrões adequados ao novo Império do Ocidente . Alguns centros de produção carolíngia também foram pioneiros em estilos expressivos em obras como o Saltério de Utrecht e os Evangelhos de Ebbo . A escultura monumental cristã é registrada pela primeira vez, e a representação da figura humana em cenas narrativas tornou-se confiante pela primeira vez na arte do Norte. A arquitetura carolíngia produziu edifícios maiores do que os vistos desde os tempos romanos, assim como o westwork e outras inovações.

Após o colapso da dinastia, houve um hiato antes que uma nova dinastia trouxesse um renascimento na Alemanha com a arte otoniana , novamente centrada na corte e nos mosteiros, com uma arte que alcançou grande expressividade por meio de formas simples que alcançam monumentalidade mesmo em pequenas obras como o marfim relevos e miniaturas de manuscritos , sobretudo os da Escola Reichenau , como as Perícopes de Henrique II (1002–1012). Posteriormente , a arte anglo-saxônica na Inglaterra, a partir de cerca de 900, foi expressiva de uma maneira muito diferente, com figuras agitadas e até mesmo cortinas, talvez melhor mostradas nos muitos desenhos a caneta em manuscritos. A arte moçárabe da Espanha cristã teve forte influência islâmica, e uma total falta de interesse pelo realismo em suas miniaturas de cores brilhantes, onde as figuras são apresentadas como padrões totalmente planos. Ambos influenciaram a formação do estilo românico na França.

Arte românica

Tímpano em Saint-Julien-de-Jonzy , meados do século 12. Cristo em Majestade acima, a Última Ceia abaixo.

A arte românica se desenvolveu no período entre cerca de 1000 e o surgimento da arte gótica no século 12, em conjunto com o surgimento do monaquismo na Europa Ocidental. O estilo se desenvolveu inicialmente na França, mas se espalhou para a Espanha cristã, Inglaterra, Flandres, Alemanha, Itália e outros lugares para se tornar o primeiro estilo medieval encontrado em toda a Europa, embora com diferenças regionais. A chegada do estilo coincidiu com um grande aumento na construção de igrejas e no tamanho das catedrais e igrejas maiores; muitos deles foram reconstruídos em períodos subsequentes, mas muitas vezes atingiram aproximadamente seu tamanho atual no período românico. A arquitetura românica é dominada por paredes grossas, estruturas maciças concebidas como uma única forma orgânica, com tectos abobadados e janelas e arcos redondos.

A escultura figurativa, originalmente pintada com cores, desempenha um papel integrante e importante nesses edifícios, nos capitéis das colunas, bem como em torno de portais impressionantes , geralmente centrados em um tímpano acima das portas principais, como na Abadia de Vézelay e na Catedral de Autun . Os relevos são muito mais comuns do que as estátuas de pedra independentes, mas o relevo românico tornou-se muito mais alto, com alguns elementos totalmente destacados da parede posterior. Grandes esculturas também se tornaram importantes, especialmente crucifixos de madeira pintados, como a Cruz Gero desde o início do período, e figuras da Virgem Maria, como a Madona Dourada de Essen . A realeza e o alto clero começaram a encomendar efígies em tamanho real para monumentos de tumbas . Algumas igrejas tinham pares maciços de portas de bronze decoradas com painéis de relevo narrativo, como as Portas Gniezno ou as de Hildesheim , "as primeiras portas decoradas de bronze fundidas em uma peça no Ocidente desde os tempos romanos", e indiscutivelmente as melhores antes do Renascimento.

A maioria das igrejas tinha muitos afrescos; um esquema típico tinha Cristo em Majestade na extremidade leste (altar), um Juízo Final na extremidade oeste sobre as portas e cenas da Vida de Cristo enfrentando cenas do Antigo Testamento tipologicamente correspondentes nas paredes da nave . O "maior monumento sobrevivente da pintura mural românica", muito reduzido ao que lá existia originalmente, encontra-se na Igreja da Abadia de Saint-Savin-sur-Gartempe perto de Poitiers , onde se encontra a abóbada de berço arredondado da nave , a cripta , o pórtico e outros áreas retêm a maioria de suas pinturas. Um ciclo equivalente em Sant'Angelo in Formis em Cápua, no sul da Itália, por pintores italianos treinados por gregos, ilustra a contínua predominância do estilo bizantino em grande parte da Itália.

Inicial historiada francesa com homens matando um monstro, de um manuscrito teológico. 1110-1115

A escultura e a pintura românicas costumam ser extremamente vigorosas e expressivas, e muito inventivas em termos de iconografia - os temas escolhidos e seu tratamento. Embora muitas características absorvidas da arte clássica façam parte do estilo românico, os artistas românicos raramente pretendiam alcançar qualquer tipo de efeito clássico, exceto talvez na arte Mosan . À medida que a arte passou a ser vista por um segmento mais amplo da população, e por causa dos desafios de novas heresias , a arte tornou-se mais didática, e a igreja local, a " Bíblia do Pobre Homem ". Ao mesmo tempo, bestas e monstros grotescos e lutas com eles ou entre eles eram temas populares, aos quais significados religiosos podem ser vagamente atribuídos, embora isso não impressionasse São Bernardo de Clairvaux , que denunciou essas distrações nos mosteiros:

Mas no claustro, à vista dos monges leitores, qual é o sentido de tal monstruosidade ridícula, o tipo estranho de informe amoroso? Por que esses macacos feios, por que esses leões ferozes, por que os centauros monstruosos, por que semi-humanos, por que tigres pintados, por que soldados lutando, por que trombeteando caçadores? ... Em suma, há tanta variedade e diversidade de formas estranhas em todos os lugares que podemos preferir ler as bolas de gude em vez dos livros.

Ele deve ter conhecido a miniatura à esquerda, produzida na Abadia de Cister antes de o jovem Bernardo ser transferido de lá em 1115.

Durante o período, a tipologia tornou-se a abordagem dominante na literatura teológica e na arte para interpretar a Bíblia, com os incidentes do Antigo Testamento vistos como uma pré-configuração de aspectos da vida de Cristo, e mostrados emparelhados com seu episódio correspondente do Novo Testamento. Freqüentemente, a iconografia da cena do Novo Testamento foi baseada em tradições e modelos originários da Antiguidade Tardia, mas a iconografia do episódio do Antigo Testamento teve que ser inventada neste período, por falta de precedentes. Novos temas, como a Árvore de Jessé, foram inventados e as representações de Deus, o Pai, tornaram-se mais aceitáveis. A grande maioria da arte sobrevivente é religiosa. A arte Mosan era um estilo regional especialmente refinado, com muitos trabalhos em metal soberbos sobreviventes, muitas vezes combinados com esmalte , e elementos de classicismo raros na arte românica, como na fonte batismal da Igreja de São Bartolomeu, em Liège , ou no Santuário dos Três Reis em Colônia , uma das várias obras sobreviventes de Nicolau de Verdun , cujos serviços foram procurados em todo o noroeste da Europa.

Os vitrais tornaram-se uma forma de arte significativa no período, embora poucos vidros românicos tenham sobrevivido. Em manuscritos iluminados, a Bíblia se tornou um novo foco de decoração intensiva, com o saltério também permanecendo importante. A forte ênfase no sofrimento de Cristo e outras figuras sagradas entrou na arte ocidental neste período, uma característica que a distingue fortemente da arte bizantina e clássica para o restante da Idade Média e além. A Cruz de Gero de 965-970, no auge da arte otoniana e românica, foi considerada a primeira obra a exibi-la. O final do período românico viu o início de uma ênfase cada vez maior na Virgem Maria na teologia, na literatura e também na arte, que alcançaria sua plena extensão no período gótico.

Arte gótica

Catedral de Chartres c. 1220; a melhor escultura do alto gótico redescobriu em grande parte a arte da representação naturalista das figuras.

A arte gótica é um termo variável dependendo da arte, lugar e época. O termo se originou com a arquitetura gótica que se desenvolveu na França por volta de 1137 com a reconstrução da Igreja da Abadia de St Denis . Tal como acontece com arquitectura românica, este incluído escultura como parte integrante do estilo, com ainda maiores portais e outras figuras nas fachadas das igrejas a localização da escultura mais importante, até o final do período, quando grandes esculpidas retábulos e retábulo , geralmente em madeira pintada e dourada, tornou-se um foco importante em muitas igrejas. A pintura gótica só apareceu por volta de 1200 (esta data tem muitas ressalvas), quando divergiu do estilo românico. O estilo gótico na escultura teve origem na França por volta de 1144 e espalhou-se pela Europa, tornando-se por volta do século XIII o estilo internacional, substituindo o românico, embora na escultura e na pintura a transição não fosse tão acentuada quanto na arquitetura.

A maioria das catedrais românicas e grandes igrejas foram substituídas por edifícios góticos, pelo menos nos lugares que se beneficiaram do crescimento econômico do período - a arquitetura românica agora é mais bem vista em áreas que foram posteriormente relativamente deprimidas, como muitas regiões do sul da França e Itália , ou norte da Espanha. A nova arquitetura permitiu janelas muito maiores, e vitrais de uma qualidade nunca excelente é talvez o tipo de arte mais associado na mente popular com o gótico, embora igrejas com quase todos os seus vidros originais, como a Sainte-Chapelle em Paris, são extremamente raros em qualquer lugar e desconhecidos na Grã-Bretanha.

A maioria das pinturas góticas de parede também desapareceu; estes permaneceram muito comuns, embora em igrejas paroquiais freqüentemente executados de forma bastante rude. Edifícios seculares também costumavam ter pinturas de parede, embora a realeza preferisse as tapeçarias muito mais caras, que eram carregadas enquanto viajavam entre seus muitos palácios e castelos, ou levadas com eles em campanhas militares - a melhor coleção de arte têxtil do final da Idade Média vem do butim suíço na Batalha de Nancy , quando derrotaram e mataram Carlos, o Ousado , duque da Borgonha , e capturaram todo o seu trem de bagagem.

Painel central do enorme retábulo da Maestà de Duccio para a Catedral de Siena , com fundo dourado .

Conforme mencionado na seção anterior, o período gótico coincidiu com uma ênfase muito maior na Virgem Maria, e foi nesse período que a Virgem e o Menino se tornaram uma marca registrada da arte católica. Os santos também foram retratados com muito mais frequência, e muitos dos vários atributos desenvolvidos para identificá-los visualmente para um público ainda amplamente analfabeto apareceram pela primeira vez.

Durante este período , a pintura de painéis para retábulos, muitas vezes polípticos e obras menores tornaram-se importantes. Anteriormente, ícones em painéis eram muito mais comuns na arte bizantina do que no Ocidente, embora muitas pinturas em painel agora perdidas feitas no Ocidente sejam documentadas de períodos muito anteriores e, inicialmente, os pintores ocidentais em painel estavam em grande parte sob a influência de modelos bizantinos, especialmente na Itália, de onde vêm as primeiras pinturas de painel ocidentais. O processo de estabelecimento de um estilo ocidental distinto foi iniciado por Cimabue e Duccio , e concluído por Giotto , que é tradicionalmente considerado o ponto de partida para o desenvolvimento da pintura renascentista. A maior parte da pintura em painel permaneceu mais conservadora do que a pintura em miniatura, em parte porque foi vista por um grande público.

Reconstrução do templo de Jerusalém , miniatura da Borgonha, c. 1460.

O gótico internacional descreve a arte gótica cortesã de cerca de 1360 a 1430, após o que a arte gótica começa a se fundir com a arte renascentista que começou a se formar na Itália durante o Trecento , com um retorno aos princípios clássicos de composição e realismo, com o escultor Nicola Pisano e o pintor Giotto como figuras especialmente formativas. A Très Riches Heures du Duc de Berry é uma das obras mais conhecidas do gótico internacional. A transição para o Renascimento ocorreu em épocas diferentes em lugares diferentes - a pintura primitiva holandesa está equilibrada entre as duas, assim como o pintor italiano Pisanello . Fora da Itália, os estilos renascentistas apareceram em algumas obras nas cortes e em algumas cidades ricas, enquanto outras obras, e todas as obras além desses centros de inovação, continuaram os estilos góticos tardios por um período de algumas décadas. A Reforma Protestante muitas vezes forneceu um ponto final para a tradição gótica em áreas que se tornaram protestantes, pois era associada ao catolicismo.

A invenção de um sistema abrangente de perspectiva linear com base matemática é uma conquista definidora da Renascença italiana do início do século 15 em Florença , mas a pintura gótica já havia feito um grande progresso na representação naturalística de distância e volume, embora normalmente não levasse em consideração como características essenciais de uma obra se outros objetivos conflitassem com eles, e a escultura do gótico tardio fosse cada vez mais naturalista. Na miniatura da Borgonha de meados do século 15 (à direita), o artista parece interessado em mostrar sua habilidade em representar edifícios e blocos de pedra obliquamente e gerenciar cenas a diferentes distâncias. Mas sua tentativa geral de reduzir o tamanho de elementos mais distantes é assistemática. As seções da composição estão em uma escala semelhante, com a distância relativa mostrada pela sobreposição, encurtamento e outros objetos sendo mais altos do que os mais próximos, embora os operários à esquerda mostrem ajustes mais precisos de tamanho. Mas isso é abandonado à direita, onde a figura mais importante é muito maior do que o pedreiro.

A morte vem para o Cardeal , de um blockbook impresso com cores à mão, c. 1455–1458, um dos primeiros exemplos da Dança da Morte .

O final do período inclui novas mídias, como impressos ; junto com pequenas pinturas em painel, elas eram freqüentemente usadas para as imagens emotivas andachtsbilder ("imagens devocionais") influenciadas pelas novas tendências religiosas do período. Eram imagens de momentos destacados da narrativa da Paixão de Cristo pensados ​​para meditar sobre os seus sofrimentos, ou da Virgem: o Homem das Dores , Pietà , Véu de Veronica ou Arma Christi . O trauma da Peste Negra em meados do século 14 foi pelo menos parcialmente responsável pela popularidade de temas como a Dança da Morte e Memento mori . Nos blocos baratos com texto (geralmente em vernáculo ) e imagens cortadas em uma única xilogravura , obras como a ilustrada (à esquerda), a Ars Moriendi ( Arte de Morrer ) e resumos de versos tipológicos da Bíblia como o Speculum Humanae Salvationis ( Mirror of Human Salvation ) foram os mais populares.

O Humanismo do Renascimento e a ascensão de uma rica classe média urbana, liderada por comerciantes, começaram a transformar o antigo contexto social da arte, com o renascimento do retrato realista e o surgimento da gravura e do autorretrato , juntamente com o declínio de formas como vitrais e o manuscrito iluminado. Retratos de doadores , no início do período medieval em grande parte preservada por papas, reis e abades, agora mostravam homens de negócios e suas famílias, e as igrejas estavam ficando lotadas de monumentos túmulos de pessoas abastadas.

Abertura das Horas de Catarina de Cleves , c. 1440, com Catarina ajoelhada diante da Virgem e do Menino, cercada pela heráldica de sua família. Ao lado, o início das Matinas do Pequeno Ofício , ilustrado pela Anunciação a Joaquim . As margens exuberantemente decoradas típicas descendem da arte insular e são diferentes de tudo na tradição bizantina.

O livro de horas , um tipo de manuscrito normalmente propriedade de leigos ou, mais frequentemente, de mulheres leigas, tornou-se o tipo de manuscrito mais frequentemente ilustrado a partir do século XIV, e também neste período, a liderança na produção de miniaturas passou para artistas leigos, também muitas vezes mulheres. Nos centros de iluminação mais importantes, Paris e no século XV nas cidades de Flandres , existiam grandes oficinas, exportando para outras partes da Europa. Outras formas de arte, tais como pequenos relevos de marfim, vidro colorido, tapeçarias e alabastros Nottingham (painéis barato esculpidas para altarpieces) foram produzidos em condições semelhantes, e os artistas e artesãos em cidades foram normalmente cobertos pelo aliança sistema-a Goldsmith aliança 's estava tipicamente entre os mais ricos de uma cidade, e os pintores eram membros de uma Guilda especial de São Lucas em muitos lugares.

Obras seculares, muitas vezes usando temas relacionados com o amor cortês ou heroísmo cavalheiresco , foram produzidas como manuscritos iluminados, caixas de espelhos de marfim esculpidas, tapeçarias e elaboradas peças centrais de mesa de ouro como nefs . Começa a ser possível distinguir um número muito maior de artistas individuais, alguns dos quais com reputação internacional. Colecionadores de arte começam a aparecer, de manuscritos entre os grandes nobres, como João, duque de Berry (1340-1416) e de gravuras e outras obras entre aqueles com riqueza moderada. Nas áreas mais ricas, pequenas xilogravuras religiosas baratas trouxeram a arte em uma aproximação do estilo mais recente até mesmo nas casas dos camponeses no final do século XV.

Virgem Maria

Reputação subsequente

O Assalto ao Castelo do Amor , atacado por cavaleiros e defendido por mulheres, era um tema popular para caixas de espelhos de marfim góticas. Paris, século XIV.

A arte medieval tinha pouca noção de sua própria história da arte, e esse desinteresse continuou em períodos posteriores. A Renascença geralmente o descartou como um produto "bárbaro" da " Idade das Trevas ", e o termo "gótico" foi inventado como deliberadamente pejorativo, usado pela primeira vez pelo pintor Rafael em uma carta de 1519 para caracterizar tudo o que havia entre o fim da arte clássica e seu suposto "renascimento" na Renascença . O termo foi posteriormente adotado e popularizado em meados do século 16 pelo artista e historiador florentino Giorgio Vasari , que o usou para denegrir a arquitetura do norte da Europa em geral. Manuscritos iluminados continuaram a ser coletados por antiquários , ou não foram considerados em bibliotecas monásticas ou reais, mas as pinturas eram de maior interesse se tivessem associações históricas com a realeza ou outros. O longo período de maus-tratos ao Retábulo de Westminster pela Abadia de Westminster é um exemplo; até o século 19, era apenas considerada uma peça de madeira útil. Mas seu grande retrato de Ricardo II da Inglaterra foi bem cuidado, como outro retrato de Ricardo, o Díptico Wilton (ilustrado acima). Como na própria Idade Média, outros objetos muitas vezes sobreviveram principalmente porque foram considerados relíquias .

Não havia equivalente para a arte pictórica da " sobrevivência gótica " encontrada na arquitetura, uma vez que o estilo finalmente morreu na Alemanha, Inglaterra e Escandinávia , e o Renascimento Gótico por muito tempo se concentrou na Arquitetura Gótica ao invés da arte. A compreensão da sucessão de estilos ainda era muito fraca, conforme sugerido pelo título do livro pioneiro de Thomas Rickman sobre a arquitetura inglesa: An Attempt to discriminate the Styles of English Architecture from the Conquest to the Reformation (1817). Isso começou a mudar com força em meados do século 19, quando a valorização da escultura medieval e sua pintura, conhecida como "primitivos" italianos ou flamengos, tornou-se moda sob a influência de escritores como John Ruskin , Eugène Viollet-le-Duc , e Pugin , bem como o romântico medievalismo de obras literárias como Sir Walter Scott 's Ivanhoe (1819) e Victor Hugo de o Corcunda de Notre Dame (1831). Os primeiros colecionadores dos "Primitivos", então ainda relativamente baratos, incluíam o Príncipe Albert .

Projeto de William Burges para a Sala de Fumantes de Verão no Castelo de Cardiff , década de 1860.

Entre os artistas, o movimento nazareno alemão de 1809 e a Fraternidade pré-rafaelita inglesa de 1848 rejeitaram os valores pelo menos da Renascença posterior, mas na prática, e apesar de algumas vezes retratar cenas medievais, seu trabalho extrai suas influências principalmente do início da Renascença, em vez de os períodos góticos ou anteriores - os primeiros trabalhos gráficos de John Millais sendo uma espécie de exceção. William Morris , também um exigente colecionador de arte medieval, absorveu o estilo medieval mais profundamente em sua obra, assim como William Burges .

O sonho de Joseph dos afrescos bizantinos em Castelseprio , assunto de muita controvérsia desde sua descoberta em 1944, e agora geralmente datado do século 10.

No final do século 19, muitos ilustradores de livros e produtores de arte decorativa de vários tipos aprenderam a usar estilos medievais com sucesso nos novos museus, como o Victoria & Albert Museum, criado para esse fim. Ao mesmo tempo, o novo campo acadêmico da história da arte , dominado pela Alemanha e pela França, concentrou-se fortemente na arte medieval e logo foi muito produtivo em catalogar e datar as obras sobreviventes e analisar o desenvolvimento de estilos e iconografia medievais; embora a Antiguidade Tardia e o período pré-carolíngio tenham permanecido uma "terra de ninguém" menos explorada até o século XX.

Franz Theodor Kugler foi o primeiro a nomear e descrever a arte carolíngia em 1837; como muitos historiadores da arte do período, ele procurou encontrar e promover o espírito nacional de sua própria nação na história da arte, uma pesquisa iniciada por Johann Gottfried Herder no século XVIII. O aluno de Kugler, o grande historiador da arte suíço Jacob Burckhardt , embora não pudesse ser chamado de especialista em arte medieval, foi uma figura importante no desenvolvimento de sua compreensão. A arte medieval agora era fortemente colecionada, tanto por museus quanto por colecionadores particulares como George Salting , a família Rothschild e John Pierpont Morgan .

Após o declínio do Renascimento Gótico e o uso do Revival Céltico de estilos Insulares, os elementos anti-realistas e expressivos da arte medieval ainda provaram ser uma inspiração para muitos artistas modernos.

Os historiadores da arte de língua alemã continuaram a dominar a história da arte medieval, apesar de figuras como Émile Mâle (1862–1954) e Henri Focillon (1881–1943), até o período nazista, quando um grande número de figuras importantes emigrou, principalmente para a Grã-Bretanha ou a América , onde o estudo acadêmico da história da arte ainda estava em desenvolvimento. Estes incluíam o idoso Adolph Goldschmidt e figuras mais jovens, incluindo Nikolaus Pevsner , Ernst Kitzinger , Erwin Panofsky , Kurt Weitzmann , Richard Krautheimer e muitos outros. Meyer Schapiro imigrou quando criança em 1907.

Retratos de judeus na arte cristã medieval

A grande maioria da arte narrativa religiosa medieval retratou eventos da Bíblia, onde a maioria das pessoas mostradas eram judias. Mas a extensão em que isso foi enfatizado em suas representações variou muito. Durante a Idade Média, alguma arte cristã foi usada como forma de expressar preconceitos e opiniões negativas comumente defendidas.

Na Europa medieval, entre os séculos 5 e 15, muitos cristãos viam os judeus como inimigos e estranhos devido a uma variedade de fatores. Eles também tendiam a odiá-los por serem cultural e religiosamente diferentes, bem como por causa dos ensinamentos religiosos que mantinham visões negativas do povo judeu, como retratos do Anticristo como judeu. A posição econômica do povo judeu como agiotas, juntamente com as proteções reais que foram dadas a eles , criaram uma relação tensa entre judeus e cristãos. Essa tendência se manifestou de várias maneiras, uma das quais foi através da criação de arte e propaganda anti- semita e anti-judaica que serviram ao propósito de desacreditar os judeus e suas crenças religiosas, bem como difundir essas crenças ainda mais na sociedade. Imagens medievais da Ecclesia e da Sinagoga representavam a doutrina cristã do supersessionismo , segundo a qual a Nova Aliança Cristã substituiu a Aliança Mosaica Judaica Sara Lipton argumentou que alguns retratos, como representações da cegueira judaica na presença de Jesus, deveriam servir como uma forma de autorreflexão em vez de ser explicitamente anti-semita.

Em seu livro de 2013 Saracens, Demons, and Jewish , Debra Higgs Strickland argumenta que retratos negativos de judeus na arte medieval podem ser divididos em três categorias: arte que se concentra em descrições físicas, arte que apresenta sinais de condenação e imagens que retratam judeus como monstros. As representações físicas do povo judeu na arte cristã medieval geralmente eram homens com chapéus judeus pontudos e barbas compridas, o que era feito como um símbolo depreciativo e para separar os judeus dos cristãos de maneira clara. Esse retrato se tornaria mais virulento com o tempo; no entanto, as mulheres judias careciam de descrições físicas distintas semelhantes na arte cristã da alta Idade Média. Acredita-se que a arte que retratou judeus em cenas com sinais de condenação tenha se originado da crença cristã de que os judeus foram os responsáveis ​​pelo assassinato de Cristo, o que levou a algumas representações artísticas de judeus crucificando Cristo. Os judeus às vezes eram vistos como estranhos nas sociedades dominadas pelos cristãos, que Strickland afirma desenvolver na crença de que os judeus eram bárbaros, o que acabou se expandindo para a ideia de que os judeus eram monstros que rejeitavam a "Fé Verdadeira". Algumas artes desse período combinaram esses conceitos e transformaram a barba judaica estereotipada e a imagem de chapéu pontudo com a de monstros, criando uma arte que tornava o judeu sinônimo de monstro.

As razões para essas representações negativas de judeus podem ser rastreadas até muitas fontes, mas principalmente se originam dos judeus sendo acusados ​​de deicídio, suas diferenças religiosas e culturais de seus vizinhos culturais e como o anticristo era frequentemente descrito como judeu nos escritos medievais e Texto:% s. Os judeus foram recentemente culpados pela morte de Cristo e, portanto, foram retratados negativamente pelos cristãos tanto na arte quanto nas escrituras. As tensões entre judeus e cristãos eram incrivelmente altas e isso fez com que vários estereótipos sobre judeus se formassem e se tornassem comuns em suas representações artísticas. Alguns dos atributos vistos distinguindo os judeus de suas contrapartes cristãs em peças de arte são chapéus pontudos, narizes adunco e tortos e barbas longas. Ao incluir esses atributos no retrato dos judeus na arte, os cristãos tiveram sucesso em "diferenciar" os judeus mais do que já eram e os fez parecer ainda mais condenados ao ostracismo e segregados da população em geral do que já eram. Esses atributos não foram apenas adicionados às representações do povo judeu, mas geralmente retratados como vilões e monstruosos por causa de seu suposto assassinato de Cristo, bem como por sua rejeição a Cristo como o messias. Isso, junto com o fato de que viviam em grupos amplamente isolados, os separava muito de seus vizinhos cristãos e causou uma ruptura duradoura entre os grupos que se refletiam na arte medieval.

Veja também

Notas

Referências

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Leitura adicional

links externos