História da arte - History of art
História da arte |
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A história da arte se concentra em objetos feitos por humanos para qualquer número de finalidades espirituais, narrativas, filosóficas, simbólicas, conceituais, documentais, decorativas e até funcionais e outras, mas com ênfase principal em sua forma visual estética . As artes visuais podem ser classificadas de diversas maneiras , como separar as artes plásticas das artes aplicadas ; inclusive com foco na criatividade humana; ou enfocando diferentes mídias, como arquitetura , escultura , pintura , filme , fotografia e artes gráficas . Nos últimos anos, os avanços tecnológicos levaram à videoarte , arte computacional , arte performática , animação , televisão e videogames .
A história da arte é freqüentemente contada como uma cronologia de obras-primas criadas durante cada civilização . Pode, portanto, ser enquadrado como uma história de alta cultura , resumida pelas Maravilhas do Mundo . Por outro lado, as expressões da arte vernacular também podem ser integradas em narrativas históricas da arte, chamadas de artes folclóricas ou artesanato . Quanto mais intimamente um historiador da arte se envolve com essas últimas formas de cultura inferior , mais provável é que ele identifique seu trabalho como examinando a cultura visual ou material , ou contribuindo para campos relacionados à história da arte, como antropologia ou arqueologia. . Nos últimos casos, os objetos de arte podem ser chamados de artefatos arqueológicos .
Pré-história
A arte pré-histórica inclui uma ampla gama de arte feita por culturas analfabetas, incluindo alguns dos mais antigos artefatos humanos. As obras de arte pré-históricas mais conhecidas são as grandes pinturas em cavernas paleolíticas que retratam animais na Europa continental, particularmente as de Lascaux, na região de Dordogne , na França. Várias cavernas decoradas com centenas de fios são conhecidas, abrangendo o período do Paleolítico Superior ( c. 38.000-12.000 aC). Existem exemplos na Ucrânia , Itália e Grã-Bretanha , mas a maioria deles está na França e na Espanha. Muitas teorias foram sugeridas sobre o propósito da arte, sendo a mais aceita que fazia parte de rituais religiosos, possivelmente para evocar o sucesso da caça.
Além da pintura rupestre, em várias partes do mundo, principalmente na Europa, foram feitas pequenas estatuetas pré-históricas conhecidas como estatuetas de Vênus com seios e barrigas exageradas, sendo a famosa Vênus de Willendorf , encontrada na Áustria . A maioria tem cabeças pequenas, quadris largos e pernas que se estreitam em uma ponta. Braços e pés geralmente estão ausentes, e a cabeça geralmente é pequena e sem rosto.
Pintura de rinocerontes ; c. 32.000-14.000 AC; carvão na rocha; comprimento: c. 2 m; Caverna Chauvet ( Ardèche , França)
Vênus de Willendorf ; c. 25.000 AC; calcário com coloração ocre ; altura: 11 cm; Museu de História Natural ( Viena , Áustria )
Detalhe no Salão de Touros; c. 18.000-15.000 AC; pigmentos na rocha; Cavernas de Lascaux ( Montignac, Dordonha , França)
Picada de inseto lambendo bisonte ; c. 15.000-13.000 AC; chifre ; perna: 10,5 cm; Museu Nacional da Pré-história ( Les Eyzies-de-Tayac-Sireuil , França)
Antiguidade
Mesopotâmia
O sul do Iraque no 4º milênio aC testemunhou o surgimento das primeiras cidades e a forma mais antiga de escrita. A antiga Mesopotâmia cobre o atual Iraque e partes da Síria e da Turquia . Como a região está situada dentro do delta do rio Tigre-Eufrates , várias civilizações viveram aqui, principalmente Suméria , Acádia , Assíria e Babilônia . A escrita mais antiga foi desenvolvida aqui, como uma das várias tecnologias administrativas que também incluíam a vedação cilíndrica . A arquitetura mesopotâmica foi caracterizada pelo uso de tijolos , lintéis e mosaico de cones . Exemplos notáveis são os zigurates , grandes templos na forma de pirâmides de degraus . A tumba era uma câmara coberta por uma cúpula falsa , como em alguns exemplos encontrados em Ur . Havia também palácios murados com um terraço em forma de zigurate, onde os jardins eram uma característica importante. Os Jardins Suspensos da Babilônia foram uma das Sete Maravilhas do Mundo Antigo .
A escultura em relevo foi desenvolvida em madeira e pedra . A escultura representava cenas religiosas, militares e de caça, incluindo figuras humanas e animais. No período sumério , pequenas estátuas de pessoas foram produzidas. Essas estátuas tinham forma angular e foram produzidas com pedras coloridas. As figuras normalmente tinham a cabeça calva com as mãos cruzadas no peito. No período acadiano , as estátuas representavam figuras com cabelos longos e barbas, como a estela de Naram-Sin . No período amorita (ou neosumérico ), as estátuas representavam reis de Gudea de Lagash , com seus mantos e turbantes nas cabeças e as mãos no peito. Durante o domínio babilônico , a estela de Hammurabi foi importante, pois representava o grande rei Hamurabi acima de uma cópia escrita das leis que ele introduziu. A escultura assíria é notável por seu antropomorfismo do gado e do gênio alado , que é retratado voando em muitos relevos retratando cenas de guerra e caça, como no Obelisco Negro de Salmaneser III .
A estátua de Ebih-Il ; c. 2400 AC; gesso , xisto , conchas , lápis-lazúli ; altura: 52,5 cm; Louvre
Rei de Akkad ; c. 2250 BC; Liga de cobre; altura: 30 cm; Museu do Iraque ( Bagdá , Iraque )
Reconstrução do Portão de Ishtar ; c. 605-539 BC; tijolos vitrificados; Museu Pergamon ( Berlim , Alemanha)
Lamassu ; c. 883–859 AC; gesso alabastro; altura 311,2 cm; Metropolitan Museum of Art (Nova York)
Egito
Uma das primeiras grandes civilizações surgiu no Egito , que tinha obras de arte elaboradas e complexas produzidas por artistas e artesãos profissionais. A arte do Egito era religiosa e simbólica. Dado que a cultura possuía uma hierarquia e uma estrutura de poder altamente centralizadas, uma grande quantidade de arte foi criada para homenagear o faraó , incluindo grandes monumentos. A arte e a cultura egípcia enfatizaram o conceito religioso de imortalidade. A arte egípcia posterior inclui a arte copta e bizantina .
A arquitetura é caracterizada por estruturas monumentais, construídas com grandes blocos de pedra, vergas e colunas sólidas . Os monumentos funerários incluíam mastaba , tumbas de forma retangular; pirâmides , que incluíam pirâmides em degraus ( Saqqarah ) ou pirâmides de lados lisos ( Gizé ); e o hipogeu , tumbas subterrâneas ( Vale dos Reis ). Outros grandes edifícios eram o templo , que tendia a ser complexos monumentais precedidos por uma avenida de esfinges e obeliscos . Templos usados postes e trapezoidais paredes com hypaethros e hypostyle salas e santuários . Os templos de Karnak , Luxor , Philae e Edfu são bons exemplos. Outro tipo de templo é o templo de pedra , na forma de um hipogeu , encontrado em Abu Simbel e Deir el-Bahari .
A pintura da era egípcia usava uma justaposição de planos sobrepostos. As imagens foram representadas hierarquicamente, ou seja, o Faraó é maior do que os assuntos comuns ou inimigos retratados ao seu lado. Os egípcios pintaram o contorno da cabeça e membros de perfil, enquanto o torso, as mãos e os olhos foram pintados de frente. As artes aplicadas foram desenvolvidas no Egito, em particular marcenaria e metalurgia . Existem excelentes exemplos, como móveis de cedro incrustados com ébano e marfim, que podem ser vistos nas tumbas do Museu Egípcio . Outros exemplos incluem as peças encontradas no túmulo de Tutancâmon , que são de grande valor artístico.
A Grande Pirâmide de Gizé ( Gizé , Egito), cerca de 2589-2566 aC, por Hemiunu
William, o hipopótamo da faiança ; c. 1961-1878 AC; Faiança egípcia ; altura: 11,2 cm; Metropolitan Museum of Art (Nova York)
Amenhotep III ; c. 1390-1352 BC; quartzito ; altura: 2,49 m; Museu de Luxor ( Luxor , Egito)
Nebamun caça nos pântanos; c. 1380 AC; pintura em gesso ; 98 × 83 cm; Museu Britânico (Londres)
Família real: Akhenaton , Nefertiti e as três filhas; c. 1352–1336 AC; calcário ; altura: 50 cm; Museu Egípcio de Berlim (Alemanha)
A máscara de Tutankhamon ; c. 1327 AC ; ouro, vidro e pedras semipreciosas; altura: 54 cm; Museu Egípcio ( Cairo )
O busto de Nefertiti ; 1352–1336 AC; calcário pintado ; altura: 50 cm; Neues Museum ( Berlim , Alemanha)
O bem preservado Templo de Ísis de Philae (Egito), um dos templos mais bem preservados do antigo Egito, 380 aC-117 dC
a civilização do vale do Indo
Descoberta em 1922, muito depois das culturas contemporâneas da Mesopotâmia e do Egito, a Civilização do Vale do Indo, também conhecida como Civilização Harappa ( c. 2.400-1900 aC), é agora reconhecida como extraordinariamente avançada, comparável em alguns aspectos a essas culturas. Seus locais abrangem uma área que se estende desde o atual nordeste do Afeganistão , passando por grande parte do Paquistão e até o oeste e noroeste da Índia . As principais cidades da cultura incluem Harappa e Mohenjo-daro , localizadas respectivamente em Punjab e na província de Sindh , no norte do Paquistão, e a cidade portuária de Lothal , no estado de Gujarat ( Índia ). Os artefatos mais numerosos são selos de selo quadrados e retangulares e impressões de selos, apresentando animais, geralmente touros, textos harappianos muito curtos . Muitas estatuetas estilizadas de terracota também foram encontradas em sítios Harappan, e algumas esculturas de pedra e bronze, mais naturalistas do que as de cerâmica.
The Dancing Girl ; c. 2.400–1900 AC; bronze; altura: 10,8 cm; Museu Nacional ( Nova Delhi , Índia)
Selo do Selo Proto-Shiva ; c. 2400-1900 AC; esteatita ; altura: 3,6 cm; Museu Nacional (Nova Delhi)
O rei-sacerdote ; c. 2.400–1900 AC; esteatite; altura: 17,5 cm; Museu Nacional do Paquistão ( Karachi )
Sele com touro de dois chifres e inscrição; c. 2010 BC; esteatite; geral: 3,2 × 3,2 cm; Museu de Arte de Cleveland ( Cleveland , Ohio , EUA)
China
Durante a Idade do Bronze chinesa ( dinastias Shang e Zhou ), as intercessões da corte e a comunicação com o mundo espiritual eram conduzidas por um xamã (possivelmente o próprio rei). Na dinastia Shang (c. 1600–1050 aC), a divindade suprema era Shangdi , mas as famílias aristocráticas preferiam entrar em contato com os espíritos de seus ancestrais. Eles prepararam elaborados banquetes de comida e bebida para eles, aquecidos e servidos em vasos rituais de bronze . Vasos de bronze foram usados em rituais religiosos para consolidar a autoridade Dhang, e quando a capital Shang caiu, por volta de 1050 aC, seus conquistadores, os Zhou (c. 1050-156 aC), continuaram a usar esses recipientes em rituais religiosos, mas principalmente para comida em vez de beber. A corte Shang foi acusada de embriaguez excessiva, e os Zhou, promovendo o Tian imperial ("Céu") como a principal força espiritual, ao invés de ancestrais, limitavam o vinho em ritos religiosos, em favor da comida. O uso de bronzes rituais continuou no início da dinastia Han (206 aC-220 dC).
Um dos motivos mais usados era o taotie , um rosto estilizado dividido centralmente em 2 metades quase espelhadas, com narinas, olhos, sobrancelhas, maxilares, bochechas e chifres, circundados por padrões incisos. Se taotie representou criaturas reais, mitológicas ou totalmente imaginárias, não pode ser determinado.
Os enigmáticos bronzes de Sanxingdui , perto de Guanghan (na província de Sichuan ), são evidências de um misterioso sistema religioso de sacrifício diferente de tudo em outras partes da China antiga e bastante diferente da arte do contemporâneo Shang em Anyang . Escavações em Sanxingdui desde 1986 revelaram 4 fossos contendo artefatos de bronze , jade e ouro . Foi encontrada uma grande estátua de bronze de uma figura humana que fica em um pedestal decorado com cabeças de elefante abstratas. Além da figura em pé, os 2 primeiros poços continham mais de 50 cabeças de bronze, algumas com capacete e 3 com cobertura frontal em folha de ouro .
Ding ; c. 1384-1050 BC ; bronze; altura: 22,9 cm; Museu de Xangai ( Xangai , China)
Figura em tamanho real; c. 1200–1000 AC ; bronze; altura: 2,62 m; Museu Sanxingdui ( Guanghan , província de Sichuan , China)
Fang Lei; c. 925–875 AC ; bronze; altura: 22,8 cm; Museu Nacional da China ( Pequim )
Guerreiros do Exército de Terracota ; c. 214 AC ; terracota; altura (soldado médio): c. 1,8 m ; Distrito de Lintong ( Xi'an , Shaanxi , China)
grego
Apesar de proporções harmoniosas e um foco na estética, a arte grega e romana antiga tornou-se a base e inspiração de toda a arte ocidental. Mesmo na antiguidade, as artes da Grécia foram reconhecidas por outras culturas como preeminentes. O poeta latino Horácio , escrevendo na época do imperador romano Augusto (século I aC ao século I dC), notoriamente observou que, embora conquistada no campo de batalha, "a Grécia cativa venceu seu conquistador selvagem e trouxe as artes para a Roma rústica." O poder da arte grega reside em sua representação da figura humana e seu foco nos seres humanos e os deuses antropomórficos como temas principais.
Embora não tenha havido uma transição definitiva, a arte costuma ser dividida estilisticamente em quatro períodos: Geométrico, Arcaico, Clássico e Helenístico. Durante o período clássico (séculos V e IV aC), o realismo e o idealismo eram delicadamente equilibrados. Em comparação, o trabalho das eras geométricas anteriores (séculos IX a VIII aC) e arcaicas (séculos VII a VI aC) às vezes parece primitivo, mas esses artistas tinham objetivos diferentes: a representação naturalística não era necessariamente o seu objetivo. Gregos e artistas construíram sobre as fundações artísticas do Egito, desenvolvendo ainda mais as artes da escultura, pintura, arquitetura e cerâmica. Entre as técnicas que aperfeiçoaram incluem métodos de esculpir e fundir esculturas, pintura a fresco e construção de edifícios magníficos
Os amantes da arte romana colecionavam originais gregos antigos, réplicas romanas da arte grega ou pinturas e esculturas recém-criadas em uma variedade de estilos gregos, preservando assim para a posteridade obras de arte que de outra forma seriam perdidas. Pinturas de paredes e painéis, esculturas e mosaicos decoravam espaços públicos e residências particulares abastadas. Imagens gregas também apareceram em joias romanas, vasos de ouro, prata, bronze e terracota, e até mesmo em armas e pesos comerciais. Desde o Renascimento , as artes da Grécia antiga, transmitidas através do Império Romano , têm servido de base para a arte ocidental.
Desde o advento da Idade Clássica em Atenas , no século 5 aC, a forma clássica de construção foi profundamente entrelaçada na compreensão ocidental da arquitetura e, na verdade, da própria civilização. De cerca de 850 aC a cerca de 300 dC, a cultura grega antiga floresceu no continente grego , no Peloponeso e nas ilhas do Egeu . Cinco das Maravilhas do Mundo eram gregas: o Templo de Artemis em Éfeso , a Estátua de Zeus em Olímpia , o Mausoléu de Halicarnasso , o Colosso de Rodes e o Farol de Alexandria . No entanto, a arquitetura da Grécia Antiga é mais conhecida por seus templos , muitos dos quais são encontrados em toda a região, e o Partenon é um excelente exemplo disso. Mais tarde, eles servirão de inspiração para arquitetos neoclássicos durante o final do século 18 e o século 19. Os templos mais conhecidos são o Partenon e o Erecteion , ambos na Acrópole de Atenas . Outro tipo de edifícios importantes da Grécia Antiga eram os teatros. Tanto os templos quanto os teatros usavam uma mistura complexa de ilusões de ótica e proporções equilibradas.
Olhando para os vestígios arqueológicos de edifícios antigos, é fácil percebê-los como calcário e concreto em um tom cinza acinzentado e fazer a suposição de que os edifícios antigos eram monocromáticos. No entanto, a arquitetura foi policromada em grande parte do mundo antigo. Um dos edifícios antigos mais icônicos, o Partenon ( c. 447-432 aC) em Atenas , tinha detalhes pintados com vermelhos, azuis e verdes vibrantes. Além dos templos antigos, as catedrais medievais nunca foram completamente brancas. A maioria tinha destaques coloridos em capitéis e colunas . Essa prática de colorir edifícios e obras de arte foi abandonada durante o início da Renascença. Isso porque Leonardo da Vinci e outros artistas renascentistas, incluindo Michelangelo , promoveram uma paleta de cores inspirada nas antigas ruínas greco-romanas, que por causa do abandono e da constante decadência durante a Idade Média, tornaram-se brancas apesar de inicialmente coloridas. Os pigmentos usados no mundo antigo eram delicados e especialmente suscetíveis ao desgaste. Sem os devidos cuidados, as cores expostas à chuva, neve, sujeira e outros fatores, desapareceram com o tempo, e assim os edifícios e as obras de arte antigas ficaram brancas, como são hoje e durante o Renascimento.
Krater; c. 750 AC ; terracota; altura: 108,3 cm, diâmetro: 72,4 cm; Metropolitan Museum of Art (Nova York)
New York Kouros ; c. 600 AC ; mármore e pigmento; altura: 1,95 m; Museu Metropolitano de Arte
Euphronios e Euxitheos Morte de Sarpedon ; c. 515 AC ; cerâmica pintada; diâmetro: 55,2 cm; Museu Nacional Etrusco ( Roma )
O Partenon na Acrópole ateniense , feito de mármore e calcário, 460-406 aC
Derveni Krater ; c. 370 AC ; bronze dourado, cobre e prata; altura: 92 cm; Museu Arqueológico de Thessaloniki
Venus de Milo ; c. 150 AC ; mármore; altura: 202 cm; Louvre
Laocoön e seus filhos ; início do século I aC; mármore; altura: 208 cm; Museus do Vaticano ( Cidade do Vaticano )
Roma
Nenhuma civilização teve um impacto tão duradouro e poderoso na arte ocidental quanto o Império Romano. A arte romana às vezes é vista como derivada de precedentes gregos, mas também tem suas próprias características distintivas. A escultura romana é frequentemente menos idealizada do que os precedentes gregos, sendo muito realista. A arquitetura romana costumava usar concreto , e recursos como o arco redondo e a cúpula foram inventados. Objetos de luxo em metal , gravura com pedras preciosas , esculturas em marfim e vidro são às vezes considerados em termos modernos como formas menores de arte romana, embora isso não fosse necessariamente o caso para os contemporâneos. Assim como os gregos antigos, os romanos pintaram em cores vivas todas as suas estátuas e edifícios também.
Após a Idade Média , com o Renascimento que começou em Florença, na Itália , houve um renascimento da Roma Antiga. Nesse caminho, a arte romana teve e tem um papel preponderante na definição da estética do mundo ocidental.
Afresco de mistérios; meados do século I aC; afresco ; altura: 1,62 m; Vila dos Mistérios ( Pompéia , Itália )
Augusto de Prima Porta ; c. 20 AC ; mármore ; altura: 2,06 m; Museus do Vaticano ( Cidade do Vaticano )
A Maison Carrée de Nîmes (França), um dos templos romanos mais bem preservados , por volta de 2 DC
Mosaico marinho (painel central de três painéis de um piso); 200–230; mosaico (tesselas de pedra e vidro); 2.915 mm x 2.870 mm; Museu de Belas Artes ( Boston , EUA)
Oriente médio
Arábia Pré-Islâmica
A arte da Arábia pré-islâmica está relacionada com a das culturas vizinhas. O Iêmen pré-islâmico produzia cabeças de alabastro estilizadas de grande charme estético e histórico. A maioria das esculturas pré-islâmicas são feitas de alabastro .
A arqueologia revelou algumas das primeiras civilizações estabelecidas na Arábia Saudita : a civilização Dilmun no leste da Península Arábica, Thamud ao norte do Hejaz e o reino Kindah e a civilização Al-Magar no centro da Península Arábica. Os primeiros eventos conhecidos na história da Arábia são migrações da península para áreas vizinhas. Na antiguidade, o papel das sociedades do sul da Arábia , como Saba ( Sheba ) na produção e comércio de aromáticos, não apenas trouxe riqueza para esses reinos, mas também vinculou a península Arábica às redes de comércio, resultando em influências artísticas de longo alcance.
Parece provável que antes de cerca de 4000 aC o clima árabe era um pouco mais úmido do que hoje, beneficiando-se de um sistema de monções que desde então se mudou para o sul. Durante o final do quarto milênio aC, assentamentos permanentes começaram a aparecer e os habitantes se ajustaram às condições emergentes mais secas. No sudoeste da Arábia (atual Iêmen ), um clima úmido sustentou vários reinos durante o segundo e o primeiro milênios aC. O mais famoso deles é Sheba , o reino da bíblica Rainha de Sheba . Essas sociedades usaram uma combinação de comércio de especiarias e recursos naturais da região, incluindo aromáticos como olíbano e mirra, para construir reinos ricos. Mārib , a capital de Sabá , estava bem posicionada para explorar o comércio do Mediterrâneo e do Oriente Próximo, e nos reinos do leste, onde hoje é Omã , eram possíveis ligações comerciais com a Mesopotâmia , a Pérsia e até mesmo a Índia. A área nunca fez parte dos impérios assírio ou persa , e até mesmo o controle babilônico do noroeste da Arábia parece ter durado relativamente pouco. Mais tarde, as tentativas romanas de controlar o lucrativo comércio da região naufragaram. Essa impenetrabilidade para os exércitos estrangeiros sem dúvida aumentou o poder de barganha dos antigos governantes no comércio de especiarias e incenso.
Embora sujeito a influências externas, o sul da Arábia manteve características particulares a si mesmo. A figura humana é tipicamente baseada em formas quadradas fortes, a modelagem fina dos detalhes contrastando com a simplicidade estilizada da forma.
Estela de um homem usando um calção ; 4º milênio aC; arenito; altura: 92 cm; de Al-'Ula ( Arábia Saudita ); em uma exposição temporária no Museu Nacional da Coreia ( Seul ), intitulada Roads of Arabia: Archaeological Treasures of Saudi Arabia
Figura em pé; 3º – 2º milênio AC; arenito ou quartzito ; altura: 27,5 cm; Metropolitan Museum of Art (Nova York)
Cabeça da Arábia do Sul; 300-1 BC; alabastro; altura: 20,5 cm, comprimento: 11 cm, profundidade: 8,5 cm; Louvre
islâmico
A arte islâmica é conhecida desde a Idade Média pelo uso de elaborados padrões geométricos , azulejos coloridos, motivos naturais estilizados e caligrafia detalhada. Raramente as letras tiveram um impacto tão profundo nas artes aplicadas e na arquitetura. O Islã apareceu na Arábia Ocidental no século 7 DC por meio de revelações entregues ao profeta Maomé em Meca . Um século após a morte de Maomé, os impérios islâmicos controlavam o Oriente Médio , a Espanha e partes da Ásia e da África. Por isso, da mesma forma que a arte romana , a arte e a arquitetura islâmicas tinham versões regionais. À medida que o mundo islâmico se estendia aos centros da cultura da antiguidade tardia, ele foi enriquecido por movimentos filosóficos e intelectuais. A tradução de obras gregas para o árabe e os avanços na matemática e nas ciências foram incentivados pelos primeiros califados. Isso contrasta com a percepção moderna de que a arte islâmica é dogmática e imutável. A representação humana e animal não era rara. Apenas alguns períodos o restringiram (semelhante à iconoclastia bizantina ).
Caixa de perfume; 950-975; marfim ; altura: 11,7 cm; Metropolitan Museum of Art (Nova York)
Mihrab ; 961-976; estuque e mosaico de vidro; diâmetro (arco interno): c. 2,3 m ; Mesquita-Catedral de Córdoba ( Córdoba , Espanha )
Tapete Ardabil ; 1539-1540; pilha de lã sobre seda; comprimento: 10,51 m; Victoria and Albert Museum ( Londres )
Américas
asteca
Surgindo dos primórdios mais humildes como um grupo nômade de errantes "incivilizados", os astecas criaram o maior império da história da Mesoamérica, durando de 1427/1428 a 1521. Tributos de estados conquistados forneceram os recursos econômicos e artísticos para transformar sua capital Tenochtitlan (Antiga Cidade do México ) em uma das maravilhas do mundo. Artistas de toda a mesoamérica criaram obras de arte impressionantes para seus novos mestres, modelando delicados objetos de ouro para adornos pessoais e esculturas formidáveis de deuses ferozes.
Os astecas entraram no Vale do México (a área da moderna Cidade do México ) em 1325 e dentro de um século assumiram o controle desta região exuberante repleta de poderosas cidades-estado. Seu poder era baseado na fé inflexível na visão de seu deus patrono Huitzilopochtli , um deus da guerra, e em suas próprias proezas militares sem paralelo.
A grandiosidade do estado asteca refletia-se no comportamento da nobreza e dos guerreiros que se destacaram na batalha. Suas roupas finamente tecidas e ricamente enfeitadas eram acentuadas por penas iridescentes de pássaros tropicais e joias ornamentadas feitas de ouro, prata, pedras semipreciosas e conchas raras.
A arte asteca pode ser direta e dramática ou sutil e delicada, dependendo da função da obra. As melhores peças, de esculturas monumentais a máscaras e joias de ouro, exibem uma habilidade excepcional e requinte estético. Essa mesma sofisticação caracteriza a poesia asteca, conhecida por sua beleza lírica e profundidade espiritual. Os banquetes astecas não eram completos sem uma troca competitiva de arte verbal entre os nobres convidados elegantemente vestidos.
A máscara de Xiuhtecuhtli; 1400–1521; madeira de cedrela, turquesa, resina de pinheiro, madrepérola, concha, cinábrio ; altura: 16,8 cm, largura: 15,2 cm; Museu Britânico (Londres)
A Máscara de Tezcatlipoca ; 1400–1521; turquesa, pirita , pinho , linhita , osso humano, pele de veado, concha e agave ; altura: 19 cm, largura: 13,9 cm, comprimento: 12,2 cm; Museu Britânico
Serpente de duas cabeças ; 1450–1521; Como adesivo utiliza-se madeira de cedro espanhol ( Cedrela odorata ), turquesa , concha, vestígios de douramento e 2 resinas (resina de pinho e resina Bursera); altura: 20,3 cm, largura: 43,3 cm, profundidade: 5,9 cm; Museu Britânico
Página 12 do Codex Borbonicus , (na grande praça): Tezcatlipoca (noite e destino) e Quetzalcoatl (serpente emplumada); antes de 1500; papel de fibra de fibra; altura: 38 cm; comprimento do manuscrito completo: 142 cm; Bibliothèque de l'Assemblée nationale (Paris)
Pedra do calendário asteca ; 1502–1521; basalto ; diâmetro: 358 cm; espessura: 98 cm; descoberto em 17 de dezembro de 1790 durante reparos na Catedral da Cidade do México ; Museu Nacional de Antropologia ( Cidade do México )
Vaso de efígie Tlāloc ; 1440–1469; faiança pintada; altura: 35 cm; Museo del Templo Mayor (Cidade do México)
Figura feminina ajoelhada; 15º ao início do século 16; pedra pintada; total: 54,61 × 26,67 cm; Metropolitan Museum of Art (Nova York)
Maia
A arte maia antiga refere-se às artes materiais da civilização maia , uma cultura mesoamericana oriental e sudeste que tomou forma durante o período pré - clássico posterior (500 aC a 200 dC). Seu maior florescimento artístico ocorreu durante os sete séculos do Período Clássico (c. 200 a 900 DC). A arte maia antiga então passou por uma fase pós-clássica prolongada antes que as convulsões do século XVI destruíssem a cultura da corte e acabassem com a tradição artística maia. Muitos estilos regionais existiam, nem sempre coincidindo com as mudanças nos limites da política maia. Olmecas , Teotihuacan e Toltecas influenciaram a arte maia. As formas de arte tradicionais sobreviveram principalmente na tecelagem e no desenho de casas de camponeses.
As obras de jade estão entre as obras de arte mais maravilhosas que os maias nos deixaram. A maioria dos itens encontrados remonta ao período Clássico , mas cada vez mais artefatos que datam do Pré - clássico estão sendo descobertos. O mais antigo deles inclui contas simples, sem adornos, encontradas em túmulos em Cuello ( Belize ) que datam de 1200 a 900 aC. Na época, o corte de pedras já era bastante desenvolvido entre os olmecas , que já trabalhavam o jade antes dos maias. Na Mesoamérica , o jade é encontrado apenas como jadeíte ; nephrite , a outra variedade conhecida como jade, não existe lá. No entanto, nesta área da Mesoamérica, "jade" é um termo coletivo para várias outras pedras verdes ou azuis. Objetos de jade eram colocados em cemitérios, usados em rituais e, claro, como joias. Além de serem usados para contas, que muitas vezes eram amarradas juntas para fazer pingentes e colares altamente ornamentados, eles também eram usados para carretéis de orelha, braçadeiras, panturrilhas e faixas para os pés, cintos, peitorais (joias de peito) e para adornar roupas e cocares .
A arte maia antiga é conhecida por sua beleza estética e conteúdo narrativo. De todos os meios em que trabalharam os artistas maias, suas pinturas em cerâmica estão entre as mais impressionantes por sua sofisticação técnica e estética. Essas cenas pictóricas complexas acompanhadas por textos hieroglíficos recontam eventos históricos do período clássico e revelam a ideologia religiosa sobre a qual os maias construíram uma grande civilização.
Incensário sentado em forma de rei; Século 4; cerâmica; altura: 80 cm, largura: 31,1 cm; Metropolitan Museum of Art (Nova York)
Placa de jade de um rei maia; 400-800 (período clássico); altura: 14 cm, largura: 14 cm; encontrado em Teotihuacan ; Museu Britânico (Londres)
Estátua representando um prisioneiro amarrado; 600-900 AD; calcário; de Toniná (México); Musée du quai Branly - Jacques Chirac (Paris)
Retrato de K'inich Janaab Pakal I; 615–683; reboco; altura: 43 cm; Museu Nacional de Antropologia (Cidade do México)
Vaso ao estilo Codex com uma cena mitológica; Século 7 a 8; cerâmica; altura: 19 cm, diâmetro: 11,2 cm; Museu Metropolitano de Arte
Alívio mostrando Aj Chak Maax apresentando cativos diante do governante Itzamnaaj B'alam III de Yaxchilan ; 22 de agosto de 783; calcário com vestígios de pigmento; altura: 1,15 m; Museu de Arte Kimbell ( Fort Worth , Texas, EUA)
Colômbia
Ouro - o metal perpetuamente brilhante de status, riqueza e poder - inspirou os espanhóis a explorar o globo e foi um acessório essencial de prestígio, autoridade e ideologia religiosa entre os povos da América Central e da Colômbia.
Na Colômbia, o ouro era importante por sua relação com a força divina do sol. Era parte de uma ideologia complexa de oposições binárias universais: masculino-feminino, claro-escuro, a terra e os mundos espirituais. Os adornos corporais de ouro eram moldados em formas complexas, sua iconografia comunicando potência social, política e espiritual por meio de retratos de poderosos governantes xamãs, totens de linhagem e espíritos protetores supranaturais.
Pingente de figura com cabeça de animal Yotoco ; Século 1 a 7; ouro; altura: 6,35 cm; Metropolitan Museum of Art (Nova York)
Recipiente de cal Quimbaya ; Século 5 a 9; ouro; altura: 23 c; Museu Metropolitano de Arte
Pingente Tairona ; Séculos 10 a 16; ouro; altura: 14 cm; Museu Metropolitano de Arte
Regiões andinas
As antigas civilizações do Peru e da Bolívia nutriram tradições artísticas únicas, incluindo uma das tradições artísticas de fibra mais esteticamente impressionantes do mundo, vista em artefatos de roupas a mortalhas e enfeites arquitetônicos. As origens da civilização andina remontam a 3000 aC. Aproveitando os ambientes desafiadores - que incluíam o deserto costeiro mais seco do mundo, terras altas e desoladas varridas pelo vento e montanhas formidáveis - o povo pré-colombiano andino se destacou na agricultura, pesca marinha e criação de animais. Em 1800 aC, edifícios rituais e cívicos elevados em plataformas maciças de adobe dominavam os assentamentos maiores, particularmente nos vales dos rios costeiros. Duas das primeiras culturas importantes desta terra são a cultura Chavín e a cultura Paracas .
Os Moche controlavam os vales dos rios da costa norte, enquanto os Nazca do sul do Peru dominavam os desertos costeiros e montanhas contíguas, herdando os avanços tecnológicos - na agricultura e arquitetura - bem como as tradições artísticas do antigo povo Paracas . Ambas as culturas floresceram por volta de 100-800 DC. A cerâmica Moche é uma das mais variadas do mundo. O uso da tecnologia de moldes é evidente. Isso teria permitido a produção em massa de certas formas. Após o declínio do Moche, dois grandes impérios coexistentes surgiram na região dos Andes. No norte, o Império Wari (ou Huari). Os Wari são conhecidos por sua arquitetura de pedra e realizações escultóricas, mas sua maior proficiência era a cerâmica. Os Wari produziram grandes cerâmicas magníficas, muitas das quais retratando imagens do Deus do Cajado .
Os Chimú foram precedidos por um estilo simples de cerâmica conhecido como Sicán (700–900 DC), que se tornou cada vez mais decorativo até se tornar reconhecível como Chimú no início do segundo milênio. O Chimú produziu excelentes retratos e trabalhos decorativos em metal, notadamente ouro, mas especialmente prata. Os Chimú também se destacam por seu trabalho com penas, tendo produzido muitos estandartes e cocares feitos de uma variedade de penas tropicais, que foram confeccionados com desenhos de birra e peixes, ambos muito apreciados pelos Chimú.
O Raimondi Stela ; pela cultura Chavín ; Séculos V a III aC; granito; altura: 1,95 m; Museo Nacional de Arqueología, Antropología e Historia del Perú ( Lima , Peru)
Fotografia aérea de uma das linhas de Nazca , tirada em julho de 2015. Nesta foto aparece a linha chamada "O macaco"
Manto cerimonial com representações de seres sobrenaturais; pela cultura Paracas ; 100 AC-100 DC; tecido de algodão simples bordado; altura: 12,8 cm, largura: 12,9 cm; Museu de Arte de Lima ( Lima , Peru)
Vaso de retrato Moche de uma régua; pela cultura Moche ; 100 AC-500 DC; cerâmica e pigmento; Art Institute of Chicago (EUA)
Figura antropomórfica; do império Wari ; Século 7 a 10; argila queimada; do Vale de Mantaro; Museu Rietberg ( Zurique , Suíça )
Máscara funerária; pela cultura sican ; 900–1100; ouro, prata e cinabre ; altura: 29,2, largura: 49,5 cm; Metropolitan Museum of Art (Nova York)
Faca cerimonial ( tumi ); pela cultura sican; Séculos 10 a 13; ouro, turquesa, pedra verde e concha; altura: 33 cm (1 pé 1 pol.); Museu Metropolitano de Arte
Estatuetas de um homem e uma lhama ; do império Inca ; 1400–1532; ouro; Museu de Arte de Cleveland ( Ohio , EUA)
Asiáticos
A civilização oriental inclui amplamente a Ásia, e também inclui uma complexa tradição de fazer arte. Uma abordagem da história da arte oriental divide o campo por nação, com foco na arte indiana , arte chinesa e arte japonesa . Devido ao tamanho do continente, a distinção entre a Ásia Oriental e a Ásia Meridional no contexto das artes pode ser vista claramente. Na maior parte da Ásia, a cerâmica era uma forma de arte predominante. A cerâmica é frequentemente decorada com padrões geométricos ou representações abstratas de animais, pessoas ou plantas. Outras formas de arte muito difundidas foram, e são, escultura e pintura.
indiano
Os primeiros budistas da Índia desenvolveram símbolos relacionados a Buda . Os principais sobrevivências de arte budista começa no período após as mauryanos , dentro Norte da Índia arte Kushan , a arte greco-budista de Gandhara e, finalmente, o período "clássico" de arte Gupta . Além disso, havia a escola Andhra, que surgiu antes da escola Gandhara e que se baseava no sul da Índia. Uma boa quantidade de escultura sobreviveu de alguns locais importantes como Sanchi , Bharhut e Amaravati , alguns dos quais permanecem in situ , com outros em museus na Índia ou ao redor do mundo. As estupas eram cercadas por cercas cerimoniais com quatro toranas profusamente esculpidas ou portões ornamentais voltados para as direções cardeais. São em pedra, embora adoptem claramente formas desenvolvidas em madeira. Eles e as paredes da própria stupa podem ser fortemente decorados com relevos, principalmente ilustrando a vida do Buda. Gradualmente, figuras em tamanho natural foram esculpidas, inicialmente em relevo profundo, mas depois isoladas. A arte de Mathura foi o centro mais importante nesse desenvolvimento, que se aplicou à arte hindu e jainista, bem como à budista. As fachadas e os interiores dos salões de oração chaitya esculpidos na rocha e das viharas monásticas sobreviveram melhor do que as estruturas independentes semelhantes em outros lugares, que por muito tempo foram em sua maioria em madeira. As cavernas em Ajanta , Karle , Bhaja e em outros lugares contêm esculturas antigas, muitas vezes superadas em número por obras posteriores, como figuras icônicas de Buda e bodhisattvas , que não são encontradas antes de 100 DC, pelo menos.
A Capital do Leão da Ashoka ; c. 250 AC; arenito ; altura: 2,15 m; Sarnath Museum (Índia)
Ídolo de Chaumukha ; c. 600; arenito; 58,42 × 43,18 × 44,45 cm; Museu de Arte do Condado de Los Angeles (EUA)
Bodhisattva Padmapani ; 450–490; pigmentos na rocha; altura: c. 1,2 m; Cavernas de Ajanta (Índia)
O Templo Kandariya Mahadeva ( Khajuraho , Madhya Pradesh , Índia), c. 1030
Nataraja ; c. Século 11; Liga de cobre; altura: 68,3 cm, diâmetro: 56,5 cm; Metropolitan Museum of Art (Nova York)
O Taj Mahal ( Agra , Índia), o exemplo mais conhecido da arquitetura Mughal , c. 1649
chinês
Na Ásia Oriental, a pintura derivou da prática da caligrafia e os retratos e paisagens foram pintados em tecido de seda. A maioria das pinturas representa paisagens ou retratos. As esculturas mais espetaculares são os bronzes rituais e as esculturas de bronze de Sanxingdui . Um exemplo muito conhecido da arte chinesa é o Exército de Terracota , representando os exércitos de Qin Shi Huang , o primeiro imperador da China. É uma forma de arte funerária enterrada com o imperador em 210-209 aC, cujo objetivo era proteger o imperador em sua vida após a morte.
A arte chinesa é uma das mais antigas artes tradicionais contínuas do mundo e é marcada por um grau incomum de continuidade e consciência dessa tradição, sem um equivalente ao colapso ocidental e à recuperação gradual dos estilos clássicos. Os meios de comunicação geralmente classificados no Ocidente desde o Renascimento como artes decorativas são extremamente importantes na arte chinesa, e muitos dos melhores trabalhos foram produzidos em grandes oficinas ou fábricas por artistas essencialmente desconhecidos, especialmente na cerâmica chinesa . A variedade e a qualidade dos produtos que decoravam os palácios e famílias chinesas, e seus habitantes, são deslumbrantes. Os materiais vieram de toda a China e muito mais além: ouro e prata, madrepérola , marfim e chifre de rinoceronte, madeira e laca , jade e pedra-sabão , seda e papel.
Estela votiva com Buda Shakyamuni ; datado de 542 ( Dinastia Wei Oriental ); calcário; Museu Rietberg ( Zurique , Suíça)
Estatuetas de dançarinos; Século 8 ( Império Tang ); cerâmica; Museu Histórico de Berna (Suíça)
Wang Xizhi observando gansos ; por Qian Xuan ; 1235 antes de 1307; rolo de mão (tinta, cor e ouro sobre papel); Metropolitan Museum of Art (Nova York)
Caixa coberta com pavilhão e figuras; 1300 (a dinastia Yuan ); laca entalhada; Museu Nacional de Tóquio (Tóquio)
Os vasos de David ; 1351 (dinastia Yuan); porcelana, decoração em azul cobalto sob o esmalte; altura: 63,8 cm; Museu Britânico (Londres)
Frasco peregrino decorado com pêssegos e pomegrenatos, feito na técnica de cloisonné ; 1ª metade do século XVII ( Dinastia Ming ); Museu Rietberg
Salão de Oração para Boas Colheitas, edifício principal do Templo do Céu ( Pequim ), 1703-1790
Começo pacífico para o ano novo ; por Ding Guanpeng ; 1748; tinta e cor no papel; altura: 179,3 cm; Museu do Palácio Nacional ( Taipei , Taiwan )
japonês
A arte japonesa cobre uma ampla variedade de estilos de arte e mídia, incluindo cerâmica antiga , escultura , pintura a tinta e caligrafia em seda e papel, pinturas ukiyo-e e gravuras em xilogravura , cerâmica, origami e, mais recentemente, mangá - desenhos animados e quadrinhos japoneses modernos - junto com uma miríade de outros tipos.
Os primeiros colonos do Japão, o povo Jōmon (c. 11.000–300 aC). Eles criaram recipientes de cerâmica ricamente decorados , estatuetas de argila chamadas dogū . O Japão foi sujeito a invasões repentinas de novas idéias seguidas por longos períodos de contato mínimo com o mundo exterior. Com o tempo, os japoneses desenvolveram a capacidade de absorver, imitar e finalmente assimilar os elementos da cultura estrangeira que complementavam suas preferências estéticas. A mais antiga arte complexa no Japão foi produzida nos séculos 7 e 8 em conexão com o budismo . No século 9, quando os japoneses começaram a se afastar da China e desenvolver formas indígenas de expressão, as artes seculares tornaram-se cada vez mais importantes; até o final do século 15, as artes religiosas e seculares floresceram. Após a Guerra Ōnin (1467-1477), o Japão entrou em um período de ruptura política, social e econômica que durou mais de um século. No estado que surgiu sob a liderança do xogunato Tokugawa , a religião organizada desempenhou um papel muito menos importante na vida das pessoas, e as artes que sobreviveram eram principalmente seculares.
Fudo Myoo (Acala), rei do conhecimento místico; final do século 12 (período Fujiwara); madeira de cipreste com restos de moldura colorida; Museu Rietberg ( Zurique , Suíça)
Jogo de adivinhação de incenso; 1615–1868; laca ; geral: 23 × 25,4 × 16,6 cm; Museu de Arte de Cleveland ( Cleveland , Ohio , EUA)
Baú japonês com uma cartela mostrando figuras em burros em uma paisagem; 1750–1800; laca vermelha entalhada em núcleo de madeira com acessórios de metal e fechadura de jade; 30,64 × 30,16 × 12,7 cm; Museu de Arte do Condado de Los Angeles (EUA)
Três belezas dos dias atuais ; por Kitagawa Utamaro ; c. 1793; altura: 3,87 cm (15,23 pol.), largura: 2,62 cm (10,31 pol.); Toledo Museum of Art ( Toledo , Ohio , EUA)
Inrō ; século 19; madeira, laca e ouro; Museu Histórico de Berna (Suíça)
Leque dobrável pintado; por Yamamoto Baiitsu ; 1832; tinta e cor no papel; Imagem: 17 × 47,5 cm; Metropolitan Museum of Art (Nova York)
Sudeste asiático
As artes do Sudeste Asiático, uma região que se estende da Birmânia (também conhecida como Mianmar) e da ilha indonésia de Sumatra, no oeste, até Papua Nova Guiné e Filipinas no leste, é extraordinariamente rica e variada, devido muito às influências culturais de Índia que veio com a introdução do hinduísmo e do budismo nos primeiros séculos DC. Aqui vivem populações de origens étnicas amplamente diversas, falando centenas de línguas diferentes e existindo em diferentes estágios de evolução cultural. Com apenas algumas exceções, esses povos foram submetidos, no curso de suas longas histórias, a influências culturais externas de intensidade variável do mundo islâmico , da China e do Ocidente, bem como da Índia. Grande parte da arte do sudeste asiático é de natureza religiosa. A penetração das influências hindus e budistas da Índia foi especialmente profunda nos países continentais da Birmânia , Tailândia , Camboja e Laos . As influências cristãs prevalecem nas Filipinas e em Timor-Leste . As influências chinesas foram mais limitadas, exceto o Vietnã , que esteve sob hegemonia chinesa do século 2 aC ao século 10 dC.
Os primeiros governantes do sudeste asiático construíram templos de estado para estabelecer sua legitimidade e dar expressão material a seu poder e autoridade. Muitas vezes eram decoradas com esculturas em relevo de grande vitalidade e originalidade, que, no entanto, sempre se conformavam às convenções iconográficas estabelecidas para a representação de temas hindus e budistas.
Os artistas do sudeste asiático há muito se destacam na pintura a fresco e na pintura em laca, principalmente nos países budistas do continente e no Bali hindu . Frescos e geralmente pintados nas paredes internas das galerias ao redor dos recintos dos templos, enquanto a laca pintada é aplicada principalmente em objetos de madeira: painéis, armários, baús, portas e venezianas. O assunto de ambas as formas de pintura é geralmente confinado a representações de divindades hindus; histórias dos épicos hindus, o Ramayana e o Mahabharata ; episódios da vida do Buda histórico e contos de suas vidas anteriores ( jatakas ); e outros temas hindus e budistas.
Divindade sentada; final do dia 9; arenito ; de Champa ( Província de Quang Nam , Complexo do Templo de Dong-du'o'ng); Museu Rietberg ( Zurique , Suíça )
Frontão de Tollitama ; do Camboja; 976; arenito rosa; 196 × 269 cm; Musée Guimet (Paris)
Estátua de uma deusa; 1775–1825; madeira, vidro, tinta e douramento; altura: 41,2 cm, largura: 18,5 cm, profundidade: 12,0 cm, peso: 1,5 kg; Rijksmuseum ( Amsterdã , Holanda )
Uma página do Manuscrito de Phra Malai ; aquarela opaca e tinta sobre papel; capas: papel dourado e lacado; c. 1860–1880; 13,97 × 68,26 × 6,35 cm; Museu de Arte do Condado de Los Angeles (EUA)
Kain sarong prada (pano de saia cerimonial); da Indramaya (Java, Indonésia); final do século 19; algodão, folha de ouro , tecido simples, batik (resistir tingido); Museu de Arte de Honolulu ( Havaí , EUA)
Divindade da imagem de Agusan ; Século 9 a 10; estátua de ouro; das Filipinas ; Field Museum of Natural History (Chicago)
Madonna com a estátua da criança; 1600; marfim com prata ; das Filipinas ; Catedral de Sevilha (Espanha)
Wayang Kulit, também conhecido como Wajang Koelit, é uma forma de arte de teatro de fantoches encontrada em Java, Indonésia e outras partes do Sudeste Asiático
África
A arte africana inclui esculturas , tipificadas pelas peças fundidas de latão do povo de Benin e do Reino de Ifẹ , e terracotas de Djenne-Jeno , Ife e da cultura Nok , bem como arte popular . Simultaneamente à Idade Média européia, no século XI dC, uma nação que fazia grandes arquiteturas, esculturas de ouro e joias complexas foi fundada no Grande Zimbábue . Ao mesmo tempo, uma escultura impressionante estava sendo fundida em latão pelo povo ioruba do que hoje é a Nigéria. Essa cultura cresceu e foi finalmente transformada para se tornar o Reino de Benin , onde elegantes presas de altar, cabeças de latão, placas de latão e arquitetura palaciana foram criadas. O Reino do Benin foi encerrado pelos britânicos em 1897, e pouco da arte da cultura agora permanece na Nigéria. Hoje, o local de artes mais significativo na África é a Bienal de Joanesburgo .
A África Subsaariana é caracterizada por uma alta densidade de culturas. Notáveis são os Dogon do Mali ; Povo Edo , Yoruba , Igbo e a civilização Nok da Nigéria ; Povos Kuba e Luba da África Central ; Povo Ashanti de Gana ; Povo Zulu da África Austral ; e pessoas Fang da Guiné Equatorial (85%), Camarões e Gabão; o povo da civilização Sao do Chade; Povo Kwele do leste do Gabão, República do Congo e Camarões.
A miríade de formas de arte africana são componentes de algumas das tradições artísticas mais vibrantes e responsivas do mundo e são parte integrante da vida do povo africano. Criadas para fins específicos, as obras de arte podem revelar sua importância contínua por meio de transformações físicas que aprimoram tanto sua aparência quanto sua potência. Muitas formas de arte tradicionais africanas são criadas como canais para o mundo espiritual e mudam de aparência à medida que os materiais são adicionados para realçar sua beleza e potência. Quanto mais uma obra é usada e abençoada, mais abstrata ela se torna com o acréscimo da matéria sacrificial e o desgaste dos detalhes originais.
Figura sentada; pela cultura Nok ; Século 5 aC — século V dC; terracota; altura: 38 cm; Musée du quai Branly (Paris)
Chefe de um rei ou dignitário; pelo povo ioruba ; Século 12 a 15 DC; terracota; descoberto em Ife (Nigéria); Museu Etnológico de Berlim (Alemanha)
Figura sentada; século 13; terracota; altura: 29,9 cm; de Djenné-Djenno ( Mali ); Metropolitan Museum of Art ( Nova York )
Máscara de marfim de Benin que representa Idia ; do Reino do Benin ; início do século 16; marfim com incrustações de ferro; altura: 23,8 cm, peso: 12,7 cm, profundidade: 8,3 cm; Museu Metropolitano de Arte
Cadeira de prestígio; por pessoas Babanki ; c. 1800; Madeira; geral: 80,7 × 53,3 × 44,5 cm; Museu de Arte de Cleveland ( Ohio , EUA)
Encosto de cabeça; pelo povo Luba ; século 19; Madeira; altura: 18,5 cm (7,2 pol.), largura: 19 cm (7,4 pol.), espessura: 8 cm (3,1 pol.); Musée du quai Branly
Mascarar; por pessoas Fang ; c. 1895; madeira colorida com caulim ; altura: 78 cm; Museu Etnológico de Berlim (Alemanha)
Mascarar; pelo povo Kwele ; início do século 20; madeira pintada; altura: 63 cm; Muséum d'Histoire naturelle de La Rochelle ( La Rochelle , França)
Mascarar; pelo povo Yaka ; início do século 20; madeira, ráfia e pigmentos de cor; Museu Rietberg ( Zurique , Suíça)
Máscara de búfalo; possivelmente por pessoas Bwa ; início de meados de 1900; fibras e madeira pintada; Museu de Arte de Cleveland
Uma tradicional casa tata-somba no Benin
Oceânia
A Arte da Oceania inclui as áreas geográficas da Micronésia , Polinésia , Austrália, Nova Zelândia e Melanésia . Uma abordagem trata a área tematicamente, com foco na ancestralidade , guerra, corpo, gênero, comércio, religião e turismo . Infelizmente, pouca arte antiga sobreviveu da Oceania. Os estudiosos acreditam que isso ocorre porque os artistas usaram materiais perecíveis, como madeira e penas, que não sobreviveram no clima tropical, e não há registros históricos que referenciem a maior parte desse material. A compreensão das culturas artísticas da Oceania começa assim com a documentação dela por ocidentais, como o capitão James Cook , no século XVIII. Na virada do século 20, o artista francês Paul Gauguin passou uma quantidade significativa de tempo no Taiti, vivendo com a população local e fazendo arte moderna - um fato que se confunde com a cultura visual taitiana até os dias atuais. A arte indígena da Austrália muitas vezes se parece com arte moderna abstrata, mas tem raízes profundas na cultura local.
A arte da Oceania é a última grande tradição artística a ser apreciada pelo mundo em geral. Apesar de ser uma das mais longas tradições contínuas de arte do mundo, datando de pelo menos cinquenta milênios, permaneceu relativamente desconhecida até a segunda metade do século XX.
Os materiais frequentemente efêmeros da arte aborígine da Austrália tornam difícil determinar a antiguidade da maioria das formas de arte praticadas hoje. As formas mais duráveis são as inúmeras gravuras e pinturas rupestres encontradas em todo o continente. Na escarpa de Arnhem Land, evidências sugerem que pinturas estavam sendo feitas há cinquenta mil anos, anteriores às pinturas rupestres do Paleolítico de Altamira e Lascaux na Europa.
Cabeça; Século 9 a 11; basalto vesicular ; altura: 19,7 cm, largura: 15,5 cm; do Havaí ; Metropolitan Museum of Art (Nova York)
Moais em Rano Raraku ( Ilha de Páscoa ). Os Moais sãofiguras humanas monolíticas esculpidas pelo povo Rapa Nui na Ilha de Páscoa entre os anos 1250 e 1500
Taurapa ( poste de popa da canoa māori ); final do século 18 ao início do século 19; madeira e sheel; altura: 148 cm; Musée du quai Branly (Paris)
Māori parte de um baú de tesouro; c. 1850; da Nova Zelândia ; Musée du quai Branly (Paris)
Figura de Uli ; c. século 19; madeira pintada, caracol cauri, gorro do turbo caracol e fibras liberianas; da Província da Nova Irlanda (Papua Nova Guiné); Museu Rietberg ( Zurique , Suíça)
Escudo de batalha; Século 19 ao início do século 20; madeira, grama e ráfia ; de Kambrambo (região do Baixo Sepik, Papua-Nova Guiné); Museu Rietberg
Masi (tecido de casca de árvore); século 20; de Fiji ; Museu de Arte de Honolulu (Havaí, EUA)
Clube masculino, 1907, de Palau , agora no Museu Etnológico de Berlim (Alemanha)
Detalhe de uma casa de suprimentos cerimonial, de Papua-Nova Guiné , agora no Museu Etnológico de Berlim
Colar; antes de 1909; vértebras de tubarão, concha (Cassis rufa), contas de vidro, fibra; diâmetro: c. 35 cm; de Wuvulu (Papua Nova Guiné); Museu dos Cinco Continentes ( Munique , Alemanha)
Pintura de um ancestral totêmico canguru; 1915; pintura na casca; 92,5 × 35,5 × 5,5 cm; Alligator Rivers ( Arnhem Land , Austrália ); Musée du quai Branly (Paris)
europeu
Medieval
Com o declínio do Império Romano , iniciou-se a era medieval , com duração de um milênio. A arte cristã primitiva começa o período, seguida pela arte bizantina , arte anglo-saxônica , arte viking , arte ottoniana , arte românica e arte gótica , com a arte islâmica dominando o Mediterrâneo oriental.
Na arte bizantina e gótica da Idade Média , o domínio da igreja resultou em uma grande quantidade de arte religiosa. Havia amplo uso de ouro em pinturas, que apresentavam figuras de formas simplificadas.
Germânico: arte do período da migração
A arte do período de migração denota a arte dos povos germânicos durante o período de migração (c. 300 - 900). Inclui a arte das tribos germânicas do continente, bem como o início da arte da arte insular dos anglo-saxões (e outras formas influenciadas pela arte celta nas ilhas britânicas). Derivou das artes anteriores das antigas culturas germânicas (exemplificadas pela arte da Idade do Bronze Nórdica ), que também deu origem à arte Viking na Escandinávia por volta do mesmo período.
Viking
Anglo-saxão
A arte anglo-saxônica cobre a arte produzida dentro do período anglo-saxão da história inglesa, começando com o estilo do período de migração que os anglo-saxões trouxeram com eles do continente no século V. O período da arte anglo-saxônica terminou em 1066 com a conquista normanda de um grande estado-nação anglo-saxão, cuja arte sofisticada teve influência em grande parte do norte da Europa. Os dois períodos de notável realização foram os séculos VII e VIII, com o trabalho em metal e joias de Sutton Hoo e uma série de magníficos manuscritos iluminados, e o período final após cerca de 950, quando houve um renascimento da cultura inglesa após o final do Invasões Viking . Na época da Conquista, a mudança para o estilo românico está quase completa. Os centros artísticos importantes, tanto quanto podem ser estabelecidos, concentravam-se nas extremidades da Inglaterra, na Nortúmbria , especialmente no período inicial, e em Wessex e Kent perto da costa sul.
Fivela de Sutton Hoo ; 580–620; ouro e niello; comprimento: 13,1 cm; Museu Britânico (Londres)
O capacete de Sutton Hoo ; início do século 7 DC; liga de cobre, ferro, ouro e granada ; altura: 31,8 cm; Museu Britânico
Fechos de ombro de Sutton Hoo ; início do século 7; ouro, vidro e granada ; comprimento: 12,7 cm; Museu Britânico
The Incipit to Matthew from the Book of Lindisfarne ; final do século 7; tinta e pigmentos em velino; 34 × 25 cm; Biblioteca Britânica (Londres)
bizantino
A arte bizantina se refere ao corpo de produtos artísticos gregos cristãos do Império Romano Oriental (Bizantino), bem como às nações e estados que herdaram culturalmente do império. Embora o próprio império tenha emergido do declínio de Roma e durado até a queda de Constantinopla em 1453, a data de início do período bizantino é bastante mais clara na história da arte do que na história política, embora ainda imprecisa. Muitos estados ortodoxos orientais na Europa Oriental, bem como, até certo ponto, os estados muçulmanos do Mediterrâneo oriental , preservaram muitos aspectos da cultura e da arte do império por séculos depois.
Os ícones (do grego εἰκών eikōn "imagem", "semelhança") são os elementos visuais mais importantes na prática religiosa bizantina, fundamentais para o culto ortodoxo desde o final da Iconoclastia no século IX. Consistentes em seu formato, a fim de preservar um senso de retrato e a familiaridade de imagens favoritas, eles se transformaram com o tempo. Uma característica incomum da arte bizantina são os fundos dourados. O vidro transparente costumava ser coberto por folhas douradas para criar um efeito rico e cintilante.
Levados por patriarcas em procissões orientais, lidos por monges em cavernas isoladas e mantidos por imperadores em cerimônias importantes, os livros sagrados, muitas vezes belamente ilustrados, eram fundamentais para a crença e o ritual bizantino. Poucos manuscritos parecem ter sido produzidos no início do período bizantino entre os séculos VI e VIII EC, mas houve um florescimento de livros pintados no século IX, após o fim da Iconoclastia.
As joias, usadas por homens, mulheres e crianças, eram uma indicação clara de posição e riqueza na sociedade bizantina. Os estilos variavam desde trabalhos em ouro ousados e pesados com grandes pedras cabochão até filigranas e granulações de ouro extraordinariamente delicadas. Os ornamentos variavam de padrões decorativos a motivos florais e animais e à complexa iconografia cristã. Freqüentemente, joias eram anexadas a vestidos cerimoniais que nem sempre precisavam de limpeza. Uma técnica popular dos séculos 3 a 7 era o opus interrasile ou diatrita , em que finas lâminas finas de ouro eram perfuradas, criando um efeito de renda que é bonito e econômico, pois reduz o peso do ouro usado. No século V, estimulado pelo comércio com o Oriente, pedras preciosas e semipreciosas coloridas, polidas em vez de cortadas, foram incorporadas. Os desenhos decorativos foram escolhidos em trabalhos a preço de ouro, destacados em niello escuro (um sulfureto de prata que contrastava com ouro e prata) ou, a partir do século IX, retratados em esmalte .
Laje com relevo representando a Natividade de Jesus ; 4o século 5; mármore; Museu Bizantino e Cristão ( Atenas )
Abside da igreja de Santa Maria Maggiore em Roma , decorada no século 5 com este mosaico glamoroso
Capital do cesto de Hagia Sophia ( Istambul , Turquia)
Mosaicos no teto e algumas paredes da Basílica de San Vitale em Ravenna (Itália), c. 547 DC
A Pequena Metrópole de Atenas , construída em datas desconhecidas, entre o século 9 e o século 13
Ícone da Trindade do Novo Testamento; c. 1450; têmpera e ouro em painel de madeira (choupo); Museu de Arte de Cleveland ( Cleveland , Ohio , EUA)
Página de um manuscrito iluminado armênio ; 1637–1638; cores de têmpera, tinta dourada e folha de ouro em pergaminho; altura: 25,2 cm; Getty Center (Los Angeles)
Românica
O românico foi o primeiro estilo pan-europeu a surgir após o Império Romano , abrangendo meados do século X ao século XIII. O período viu um ressurgimento de estruturas de pedra monumentais com programas estruturais complexos.
As igrejas românicas caracterizam-se por uma articulação rígida e clareza geométrica, integradas num todo volumétrico unificado. A arquitetura é austera, mas animada por esculturas decorativas de capitéis e portais, bem como interiores com afrescos. A padronização geométrica e foliar dá lugar a uma escultura figurativa cada vez mais tridimensional.
De meados do século XI ao início do século XIII, as pinturas românicas eram bidimensionais, definidas por contornos e geometria ousados e lineares, particularmente no manuseio das cortinas; simetria e frontalidade foram enfatizadas. Praticamente todas as igrejas ocidentais foram pintadas, mas provavelmente apenas alguns pintores de parede eram monges; em vez disso, artistas itinerantes realizaram a maior parte desse trabalho. O bloqueio básico foi feito em gesso úmido com cores terra. Uma paleta limitada, dominada por ocres branco, vermelho, amarelo e azul, foi empregada para efeito visual máximo, com coloração densa formando um pano de fundo de faixas, uma prática que se originou na arte clássica tardia como uma tentativa de distinguir a terra e o céu.
Durante os últimos séculos XI e XII, a grande era do monaquismo ocidental, a Europa experimentou mudanças econômicas, sociais e políticas sem precedentes, levando a uma riqueza crescente entre os proprietários de terras, incluindo mosteiros. Havia uma demanda crescente de livros e a riqueza econômica permitiu que muitos manuscritos fossem ricamente iluminados .
Um dos artefatos mais notáveis da época é a Tapeçaria Bayeux de 70 m de comprimento . Ele descreve os eventos que levaram à conquista normanda da Inglaterra com os protagonistas William, Duque da Normandia e Harold, Conde de Wessex, mais tarde Rei da Inglaterra , e culminando na Batalha de Hastings . Pensa-se que data do século XI. Ele conta a história do ponto de vista dos normandos conquistadores, mas agora há um consenso de que foi feito na Inglaterra, muito provavelmente por mulheres, embora o designer seja desconhecido. Está alojado na França .
Abadia Maria Laach (perto de Andernach , Alemanha), uma das igrejas românicas mais icônicas
Interior da Catedral de Durham ( Durham , Reino Unido ), 1093-1133
Miniatura de São João Evangelista ; antes de 1147; iluminação em pergaminho; 35,5 cm; Avesnes-sur-Helpe (França)
O apedrejamento de Santo Estêvão; 1160s; fresco; altura: 1,3 m; Abadia de São João ( Val Müstair , Cantão dos Grisões , Suíça)
gótico
A arte gótica se desenvolveu no norte da França a partir do românico no século 12 DC, e liderada pelo desenvolvimento simultâneo da arquitetura gótica . Ele se espalhou por toda a Europa Ocidental e grande parte da Europa do Sul e Central , nunca apagando os estilos mais clássicos da Itália. No final do século XIV, o sofisticado estilo da corte do Gótico Internacional se desenvolveu, que continuou a evoluir até o final do século XV.
As imponentes catedrais góticas, com seus programas escultóricos e vitrais, resumem o estilo gótico. Difere do românico pelas abóbadas em nervura e pela utilização de ogivas . Em vez das grossas paredes românicas, os edifícios góticos são finos e altos. As escadas em espiral nas torres são específicas da arquitetura gótica.
A pintura gótica, grande parte executada em têmpera e, mais tarde, a óleo sobre painel, bem como afresco, e com uma paleta cada vez mais ampla de cores secundárias, é geralmente vista como mais "naturalista" do que o românico. A humanidade da narrativa religiosa foi destacada e o estado emocional dos personagens individualizado. A crescente urbanidade da economia medieval e a ascensão do clérigo e do patrono leigo viram uma mudança na natureza do mercado de arte, que pode ser vista nos desenvolvimentos na iluminação de manuscritos góticos . As oficinas empregaram especialistas para diferentes elementos da página, como figuras ou motivos de videiras marginais.
Parte do Portal Real; 1145–1155; calcário; Catedral de Chartres ( Chartres , França)
Díptico francês com a coroação da Virgem e o Juízo Final; 1260–1270; marfim de elefante com suportes de metal; geral: 12,7 × 13 × 1,9 cm; Metropolitan Museum of Art (Nova York)
Página de Très Riches Heures du Duc de Berry retrata o funeral de Raymond Diocrès; 1411-1416 e 1485-1486; têmpera em velino ; altura: 29 cm, largura: 21 cm; Museu Condé ( Chantilly, França )
A Dama e o Unicórnio , título dado a uma série de seis tapeçarias tecidas na Flandres , sendo esta chamada À Mon Seul Désir ; final do século 15; lã e seda; 377 × 473 cm; Musée de Cluny (Paris)
Estátua austríaca da Virgem Entronizada; 1490–1500; calcário com gesso , pintado e dourado; 80,3 × 59,1 × 23,5 cm; Museu Metropolitano de Arte
Entrada em Jerusalém ; c. 1500; quadro; Museu de Belas Artes de Lyon ( Lyon , França)
Flamboyant gótico cross-windows do Hôtel de Sens (Paris), concluído em 1507
Renascimento
A partir do século 13, a Itália passou por um período de grande florescimento artístico. É difícil, senão fútil, identificar um único ímpeto para as mudanças que ocorreram, mas uma série de fatores contribuíram: uma nova consciência da antiguidade e sua distinção, prosperidade econômica e um senso coincidente de competição entre patrocinadores e artistas, e uma nova consciência do mundo natural e secular.
Os europeus medievais não perceberam uma diferença fundamental entre sua própria época e a antiguidade. As pessoas eram em grande parte indiferentes aos vestígios espalhados do passado ao seu redor, pois monumentos antigos eram familiares a ponto de serem invisíveis. Alguns deles eram vistos como 'maravilhas' por causa de seu tamanho ou entalhes finos, mas isso só os fazia suspeitar. O Panteão , em Roma, por exemplo, foi dito ter sido construído por demônios, e só sobreviveu porque foi convertido em uma igreja.
A atenção renovada ao passado como distinto do presente e, mais importante, um desejo de revivê-lo, ocorreu em uma série de ondas. No século 13, o Sacro Imperador Romano Frederico II (reinado de 1220-1250), que governou o sul da Itália, procurou reviver as glórias da Roma imperial, incluindo suas artes. O escultor Nicola Pisano aprendeu seu ofício naquele ambiente antes de se mudar para o norte, para a Toscana, e inspirar escultores locais. No século 14, o poeta italiano Petrarca (1304–1374) postulou uma ruptura definitiva entre a idade de ouro da antiguidade e seu próprio tempo de declínio cultural. No século 15, Leon Battista Alberti (1404–1472), em seu tratado Sobre a Pintura , escreveu sobre os talentosos artistas da antiguidade, em comparação com os quais pintores e escultores vivos "não eram de forma alguma inferiores". Esse senso de distância inspirou os italianos a ver o passado romano com novos olhos, a aprender com as realizações dos antigos. A competição também foi um motivador crucial, à medida que cidades, governantes e indivíduos se esforçavam para superar uns aos outros no patrocínio de obras de arte públicas e privadas.
Púlpito; por Nicola Pisano ; 1265–1268; mármore; altura: 4,6 m; Batistério de Pisa (Itália)
A Catedral de Florença ( Florença , Itália ), de Arnolfo di Cambio , Filippo Brunelleschi e Emilio De Fabris , 1294-1436
O Retrato de Arnolfini ; por Jan van Eyck ; 1434; óleo no painel; 82,2 × 60 cm; Galeria Nacional (Londres)
O Tempietto ( San Pietro in Montorio , Roma), de Donato Bramante , 1444-1514
Pietà ; por Michelangelo ; 1498–99; mármore; 517 cm × 199 cm; Basílica de São Pedro Cidade do Vaticano
Mona Lisa ; por Leonardo da Vinci ; c. 1503-1506, talvez continuando até c. 1517; óleo no painel de choupo; 77 cm × 53 cm; Louvre
O Jardim das Delícias Terrestres ; por Hieronymus Bosch ; c. 1504; óleo no painel; 2,2 × 1,95 m - o painel central; Museu do Prado ( Madrid , Espanha)
A Escola de Atenas ; por Raphael ; 1509–1510; fresco; 5,8 × 8,2 m; Palácio Apostólico ( Cidade do Vaticano )
Bacia ou tigela com uma senhora chamada Laura Bella; c. 1510; maiolica (faiança esmaltada com estanho); geral: 6 × 27,3 cm; Metropolitan Museum of Art (Nova York)
O rinoceronte ; por Albrecht Dürer ; 1515; xilogravura; 23,5 cm × 29,8 cm; Galeria Nacional de Arte ( Washington, DC )
Os Embaixadores ; por Hans Holbein, o Jovem ; 1533; óleo no painel; 2,07 × 2,09; Galeria Nacional (Londres)
Cassone (peito), com gadroonings ; meados do século 16; nogueira, entalhada e parcialmente dourada, madeira de coníferas; altura: 73,6 cm, largura: 1,7 m, profundidade: 63,5 cm; Museu Metropolitano de Arte
Verão ; por Giuseppe Arcimboldo ; 1563; óleo no painel; 67 × 50,8 cm; Museu Kunsthistorisches ( Viena , Áustria)
A Torre de Babel ; por Pieter Bruegel, o Velho ; 1563; óleo no painel: 1,14 × 1,55 cm; Museu Kunsthistorisches
O Château de Chenonceau (França), de Philibert de l'Orme , 1576
Barroco
O barroco surgiu no final do Renascimento (século XVI), como uma reação aos cânones clássicos nos dois séculos seguintes, os séculos XVII e XVIII. O século 17 foi um período de mudanças voláteis. Avanços astronômicos e invenções científicas, como o telescópio e o microscópio, foram acompanhados por desenvolvimentos em geografia, exploração, história natural e filosofia. A agitação religiosa aumentou a mistura, à medida que a Contra-Reforma Católica contestava a crescente popularidade da fé protestante. Durante as eras Renascentista e Barroca, o maior objetivo da pintura era fornecer exemplos morais, retratando eventos instrutivos da literatura, história e mitologia. Essas obras são conhecidas como pinturas históricas. Os pintores de história do século XVII estavam preocupados em representar a emoção no momento mais significativo de uma história. Este processo envolveu o uso de gestos e expressões faciais para transmitir a 'paixão da alma'. Isso costumava ser combinado com uma preocupação com a clareza da narrativa e a concentração dramática, especialmente no caso de Nicolas Poussin . Desse modo, os pintores intensificaram o impacto dramático das cenas narrativas, como em O rapto das mulheres sabinas , de Poussin , em que o horror e o medo manifestados pelas mulheres em contraste com a agressão e determinação dos homens, resultando em imagens de poder e terrível beleza. .
Nas artes decorativas e aplicadas , o Barroco apareceu pela primeira vez na área da Itália atual e se espalhou por toda a Europa. Era um estilo altamente ornamentado e freqüentemente extravagante de arquitetura, música, dança, pintura, escultura e outras artes. Os principais motivos decorativos incluem: chifres da abundância , festões , anjos bebês , cabeças de leão segurando um anel de metal em suas bocas, rostos femininos cercados por guirlandas, cártulas , folhas de acanto , colunas clássicas , frontões e outros elementos da arquitetura clássica esculpidos em algumas partes de móveis.
Os Quatro Continentes ; por Peter Paul Rubens ; c. 1615; óleo sobre tela; 209 x 284 cm; Museu Kunsthistorisches ( Viena , Áustria)
O Château de Maisons (França), de François Mansart , 1630-1651
The Night Watch ; por Rembrandt ; 1642; óleo sobre tela; 363 × 437 cm; Rijksmuseum ( Amsterdã , Holanda )
O Êxtase de Santa Teresa ; por Gian Lorenzo Bernini ; 1647-1652; mármore; altura: 3,5 m; Santa Maria della Vittoria (Roma)
Las Meninas ; por Diego Velázquez ; 1656-1657; óleo sobre tela; 318 cm × 276 cm; Museu do Prado ( Madrid , Espanha)
O Tribunal de Mármore e fachadas do Palácio de Versalhes ( Versalhes , França), embelezado por Louis Le Vau (1661-1668) e, em seguida, Hardouin-Mansart em (1679-1681)
O Busto de Luís XIV ; por Gian Lorenzo Bernini; 1665; mármore; 105 × 99 × 46 cm; palácio de Versailles
A Arte da Pintura ; por Johannes Vermeer ; 1666-1668; óleo sobre tela; 1,3 x 1,1 m; Museu Kunsthistorisches
Mesa do cais francês; 1685–1690; madeira entalhada, gessada e dourada, com tampo de mármore; 83,6 × 128,6 × 71,6 cm; Art Institute of Chicago (EUA)
O Retrato de Luís XIV ; por Hyacinthe Rigaud ; 1701; óleo sobre tela; 277 × 194 cm; Louvre
The King's Fame Riding Pegasus ; por Antoine Coysevox ; 1701-1702; Mármore de Carrara ; altura: 3,15 m, largura: 2,91 m, profundidade: 1,28 m; Louvre
Rococó
Delicadeza, alegria, jovialidade e sensualidade eram os ideais da pintura rococó francesa . A frivolidade era uma virtude, e a pintura de retratos era cada vez mais solicitada em uma sociedade em que uma imagem encantadora era parte essencial da sedução. Principalmente um estilo de ornamento de superfície, o Rococó relegou a escultura e a pintura a papéis secundários e usou a douradura para compartimentar paredes, espelhos e painéis ornamentais. Este estilo se espalhou rapidamente por toda a Europa e até a Turquia Otomana e a China, graças aos livros de ornamentos com cártulas (painéis curvilíneos, muitas vezes assimétricos), arabescos (formas sinuosas e entrelaçadas de plantas) e conchas, bem como designs para paredes painéis e lareiras. O Rococó francês se desenvolveu durante a Régence (1715-1723), quando Luís XV (reinado entre 1715 e 1774) era uma criança e o país era governado por Philippe d'Orléans . Ele surgiu do estilo barroco mais pesado da corte de Luís XIV , incorporando elementos mais leves, curvas mais delicadas, assimetria e ludicidade. Nas artes decorativas e na arquitetura, pode ser reconhecido por sua enorme quantidade de curvas e volutas em forma de C , leveza na cor e peso, ou trabalho em baixo relevo de fitas, pergaminhos, conchas, coroas de flores, pássaros e animais. Na França , entra pelo estilo conhecido como Louis Quinze , aqui também conhecido como Pompadour. Ao contrário do barroco, o Rococó abandonou a simetria. Este estilo é visto pela primeira vez nas artes decorativas e no design, mas pelo seu auge por volta de 1730 já se espalhou para a pintura e a escultura. Pan e Vênus substituíram Apolo e Hércules em um renascimento de deuses, deusas e heróis, e em contraste com a escuridão às vezes taciturna associada ao estilo barroco, uma paleta de luz foi empregada. Três pintores franceses aos quais o termo Rococó é mais frequentemente associado são François Boucher , Jean-Antoine Watteau e Jean-Honoré Fragonard .
O termo "rococó" vem do francês rocaille , que significa "seixo", referindo-se às imagens orgânicas que decoram paredes e painéis, alguns interiores com aspecto de caverna, como um salão oval no Hôtel de Soubise de Paris.
O interior do Hôtel de Soubise em Paris está entre os exemplos mais elegantes e refinados do estilo decorativo Rococó. A casa é uma das mais belas mansões urbanas do século XVIII em Paris. Foi construído para o Príncipe e a Princesa de Soubise em 1375 e remodelado em 1704 sob as instruções de François de Rohan , Príncipe de Soubise. O edifício, que está dividido em dois apartamentos - o do Príncipe no rés-do-chão e o da Princesa no piso superior, ou piano nobile - apresenta em ambos os pisos salões ovais com vista para o jardim. os salões foram criados entre 1735 e 1739 por Germain Boffrand , aluno do arquiteto francês François Mansart . Boffrand suavizou as linhas do Salon Oval de la Princesse com curvas sinuosas, multiplicando o reflexo do espelho. As paredes fundem-se nas abóbadas e nichos irregulares para esculturas são separados por conchas de rocaille . Arquitetura, escultura e pintura se combinam para criar uma atmosfera rica e harmoniosa. Oito telas do teto pintadas por Charles-Joseph Natoire entre 1737 e 1739 ilustram a história de Cupido e Psiquê . Antes de retornar da Itália em 1730, Natoire passou vários anos em Roma na Académie de France, onde estudou as obras de Paolo Veronese , Antonio da Correggio e, especialmente, Pietro da Cortona , um pintor de afrescos decorativos do século 17 . A sua influência é evidente nas composições suaves e elegantes, nos efeitos de iluminação e na forma como as figuras se adaptam às restrições da decoração. A paleta de rosas, azuis e verdes cria um charmoso efeito arcadiano, encapsulando o rococó maduro.
Os portugueses foram os primeiros europeus a negociar diretamente com as nações do Leste Asiático , logo depois de encontrar uma rota direta em torno da África em 1498. A Grã-Bretanha e a Holanda seguiram o exemplo pouco mais de um século depois com a fundação de suas empresas das Índias Orientais - desafios protestantes para Portugal poder e porcelanas chinesas, têxteis indianos e lacas japonesas inundaram os mercados de Amsterdã e Londres. Esses itens eram procurados como objetos de prestígio, simbólicos não apenas pela riqueza pessoal, mas também pela influência das nações capazes de importá-los. A imaginação européia foi alimentada por percepções da Ásia como um lugar de riqueza e luxo e, conseqüentemente, patronos de imperadores a mercadores competiam entre si para adornar seus aposentos com produtos asiáticos e decorá-los em estilos asiáticos. Onde os objetos asiáticos eram difíceis de obter, os artesãos e pintores europeus avançaram para preencher a lacuna, criando uma mistura de formas rococó e figuras, motivos e técnicas asiáticas autênticas. A moda da Chinoiserie era onipresente: interiores de inspiração asiática varreram a Europa da Suécia à Sicília e floresceram nas Américas da Nova Inglaterra à Nova Espanha ( México ), do Brasil à Argentina .
Boiserie do Hôtel de Varengeville; c. 1736-1752; vários materiais, incluindo carvalho esculpido, pintado e dourado; altura: 5,58 m, largura: 7,07 m, comprimento: 12,36 m; no Metropolitan Museum of Art (Nova York)
Conversa em um Parque ; por Thomas Gainsborough ; 1746; óleo sobre tela; 73 × 68 cm; Louvre
Cômoda; c. 1750; carvalho, marchetaria de tulipwood, suportes de metal dourado e mármore; geral: 88 x 156,5 x 69,9 cm; Museu de Arte de Cleveland ( Cleveland , Ohio , EUA)
Madame de Pompadour ; por François Boucher ; 1756; óleo sobre tela; 2,01 x 1,57 m; Alte Pinakothek ( Munique , Alemanha)
The Swing ; por Jean-Honoré Fragonard ; 1767–1768; óleo sobre tela; altura: 81 cm, largura: 64 cm; Coleção Wallace (Londres)
Coiffure à l'Indépendance ou Le Triomphe de la Liberté; 1778; gravação; Château de Blérancourt ( Blérancourt , França). Nesta estampa, uma elegante mulher aristocrática está dando os últimos retoques em seu toalete
Neoclassicismo
O renascimento dos estilos clássicos na segunda metade do século 18 foi, de certa forma, uma reação contra a frivolidade e decadência do Rococó. Foi estimulado pela redescoberta dos sítios antigos de Pompéia e Herculano , que inspirou um fascínio pela antiguidade grega e romana e influenciou todas as artes, da pintura e escultura à arquitetura, moda, literatura e música.
A fase mais original do neoclassicismo pode ser associada à Revolução Francesa de 1789-1799, quando artistas e arquitetos traçaram comparações explícitas entre seu desejo de Liberté, Egalité et Fratenité e o que eles entendiam ser os princípios políticos da Roma Clássica e da Grécia. O estilo Império é representativo da nova sociedade francesa emergente da revolução que deu o tom em todas as áreas da vida, incluindo a arte. Este estilo introduziu o conceito de produção industrial na arte decorativa. Outros estilos neoclássicos incluem: Adam (inglês) e o Federal (americano). Os motivos amplamente usados na arte aplicada neoclássica são: frontões , folhas de acanto , palmetas , festões , cártulas , troféus e instrumentos musicais antigos, grifos , quimeras , esfinges , chifres de abundância, cabeças de leão segurando um anel de metal em suas bocas e, às vezes, mulheres com asas. A maioria deles é tirada de objetos, interiores e arquitetura gregos , etruscos ou romanos ; mas alguns deles, como a cartela, são do Renascimento .
O Panteão de Paris, construído em 1758-1790, por Jacques-Germain Soufflot (1713-1780) e Jean-Baptiste Rondelet (1743-1829)
Château de Bagatelle de Paris, um pequeno castelo neoclássico , construído em 1777, por François-Joseph Bélanger
O Salon Doré de Marie Antoinette , no Palácio de Versalhes (França), um exemplo de sala Luís XVI
O antigo Capitol subia cerca de cem degraus. . . ; por Giovanni Battista Piranesi ; c. 1750; gravura; tamanho da folha inteira: 33,5 × 49,4 cm; Metropolitan Museum of Art (Nova York)
Templo de Sybil , o primeiro museu de Izabela Czartoryska em Pulawy , construído em c. 1775, por Piotr Aigner ( Polônia )
O Julgamento de Paris ; por Angelica Kauffman ; c. 1781; óleo sobre tela, 100,9 × 80 cm; Museo del Ponce ( Porto Rico )
Juramento dos Horatii ; por Jacques-Louis David ; 1784; óleo sobre tela; altura: 330 cm, largura: 425 cm; Louvre
A morte de Sócrates ; por Jacques-Louis David; 1787; óleo sobre tela; 129,5 cm × 196,2 cm; Museu Metropolitano de Arte
Menina com uma pomba ; por Anna Rajecka ; 1789–1790; pastel sobre papel; 64 × 53 cm; Museu Nacional ( Varsóvia , Polônia )
Porta dupla, com ornamentos gregos e romanos; por Pierre Rousseau ; Década de 1790; óleo no painel; emoldurado: 287 × 154 × 6 cm, não emoldurado: 274 × 63 cm; Museu de Arte de Cleveland ( Cleveland , Ohio , EUA)
Xícara de café com pires; c. 1790; artigos de jaspe com decoração em relevo; diâmetro: 13,6 cm; pela Fábrica Wedgwood (Inglaterra); Museu de Arte de Cleveland
Perseu com a cabeça da Medusa ; por Antonio Canova ; 1804–1806; mármore; altura: 242,6 cm, largura: 191,8 cm, profundidade: 102,9 cm; Museu Metropolitano de Arte
Venus Victrix ; por Antonio Canova ; 1805–1808; mármore; Galleria Borghese (Roma)
Arte ocidental depois de 1770
Muitos historiadores da arte situam as origens da arte moderna no final do século XVIII, outros em meados do século XIX. O historiador da arte H. Harvard Arnason afirmou que "uma metamorfose gradual ocorreu no curso de cem anos". Eventos como a era do esclarecimento , revoluções e democracias na América e na França e a Revolução Industrial tiveram efeitos de longo alcance na cultura ocidental. Pessoas, mercadorias, ideias e informações podiam viajar entre países e continentes com velocidade sem precedentes e essas mudanças se refletiram nas artes. A invenção da fotografia na década de 1830 alterou ainda mais certos aspectos da arte, particularmente a pintura. No início do século 19, uma longa e gradual mudança de paradigma foi concluída, do gótico, quando os artistas eram vistos como artesãos a serviço da igreja e das monarquias, para a ideia de arte pela arte, onde as ideias e visões de o artista individual era tido em alta consideração, com patrocínio de uma população cada vez mais letrada, abastada e urbana de classe média e alta que vinha surgindo há 200 anos (particularmente em Paris e Londres). Uma dicotomia começou no final do século 18 entre o neoclassicismo e o romantismo que subdividiu e continuou a percorrer virtualmente todos os novos movimentos da arte moderna: "Espalhando-se como ondas, esses" ismos "desafiam as fronteiras nacionais, étnicas e cronológicas; nunca dominam em nenhum lugar por muito tempo , eles competem ou se fundem uns com os outros em padrões que mudam infinitamente. "
A arte moderna tem se movido consistentemente em direção a influências e intercâmbios internacionais, desde a curiosidade exótica do Orientalismo , a influência mais profunda do Japonismo , às artes da Oceania, África e Américas. Por outro lado, a arte moderna tem se estendido cada vez mais para além da Europa Ocidental. Na Rússia e nos Estados Unidos, as artes estavam se desenvolvendo a um nível que rivalizava com os principais países europeus no final do século XIX. Muitos dos principais movimentos surgiram na América Latina, Austrália e Ásia também, e a geografia e a nacionalidade tornaram-se cada vez mais insignificantes a cada década que passava. No século 20, artistas importantes e influentes estavam surgindo em todo o mundo: por exemplo, Foujita (Japão), Arshile Gorky (Armênia), Diego Rivera e Frida Kahlo (México), Wifredo Lam (Cuba), Edvard Munch (norueguês), Roberto Matta ( Chileno), Mark Rothko (Lituano-Americano), Fernando Botero Angulo (Colômbia), Constantin Brâncuși e Victor Brauner (Romênia).
Cenotáfio de Newton, exterior à noite ; por Étienne-Louis Boullée ; 1784; tinta e lavagem, 40,2 × 63,3 cm .; Bibliothèque Nationale
O cão ; Francisco de Goya ; ca. 1819–1823; mural transferido para tela, 131,5 × 79,3 cm .; Museu do Prado
Morte em um cavalo pálido ; JMW Turner ; c. 1830; óleo sobre tela, 60 × 76 cm; Tate Britain
Toothless Man Laughing, Charles Philipon da Célébrités du Juste milieu ; Honoré Daumier ; 1832–33; argila pintada, 6,12 de altura; Musée d'Orsay
Natureza morta com estátua de Júpiter Tonans ; por Louis Jacques Daguerre ; c. 1839; daguerreótipo
século 19
Romantismo (c. 1770-1860)
O romantismo surgiu no final do século 18 e floresceu na primeira metade do século 19 com manifestações significativas e internacionais na música, literatura, poesia e arquitetura, bem como nas artes visuais. Uma das primeiras expressões do romantismo foi no jardim paisagístico inglês , cuidadosamente projetado para parecer natural e em contraste dramático com os jardins formais da época. O conceito de jardim inglês "natural" foi adotado em toda a Europa e América nas décadas seguintes. Na arquitetura, os românticos frequentemente recorriam a fontes alternativas além dos exemplos gregos e romanos admirados pelo neoclássico. A arquitetura romântica freqüentemente reviveu formas góticas e outros estilos, como modelos orientais exóticos. O Palácio de Westminster (Casas do Parlamento), em Londres, é um exemplo de arquitetura romântica que também é conhecido como Renascimento Gótico . Na pintura, o romantismo é exemplificado pelas pinturas de Francisco Goya na Espanha, Eugène Delacroix e Théodore Géricault na França, William Blake , Henry Fuseli , Samuel Palmer e William Turner na Inglaterra, Caspar David Friedrich e Philipp Otto Runge na Alemanha, Francesco Hayez em Itália, Johan Christian Claussen Dahl na Noruega e Thomas Cole na América. Exemplos de escultores do período romântico incluem Antoine-Louis Barye , Jean-Baptiste Carpeaux , Auguste Préault e François Rude . À medida que o romantismo seguia seu curso, alguns aspectos do movimento evoluíram para o simbolismo.
"O neoclassicismo é um novo renascimento da antiguidade clássica ... enquanto o romantismo se refere não a um estilo específico, mas a uma atitude mental que pode se revelar de várias maneiras." O romantismo muitas vezes tenta se dirigir ao observador por meio do coração e da psique, evocando paixões e emoções, muitas vezes refletindo sobre o relacionamento da humanidade e o lugar na natureza na revolução industrial; em contraste com a simetria, racional, "culto da razão" do Neoclassicismo.
O pesadelo ; por John Henry Fuseli ; 1781; óleo sobre tela; 101,6 × 127 cm; Instituto de Artes de Detroit
Newton ; por William Blake ; 1795; impressão a cores, caneta e tinta, aquarela; 46 × 60 cm; Tate Britain
O terceiro de maio de 1808 ; por Francisco Goya; 1814; óleo sobre tela; 2,6 × 3,4 m; Museu do Prado
A Jangada da Medusa ; Théodore Géricault ; 1818–1819; óleo sobre tela; 491 × 716 cm; Louvre
O Mar de Gelo ; por Caspar David Friedrich ; 1823–1824; óleo sobre tela; 97 × 127 cm; Kunsthalle Hamburgo
A morte de Sardanapalus ; por Eugène Delacroix ; 1827; óleo sobre tela; 3,9 × 4,9 m; Louvre
O Monumento Goethe ; por Carl Gustav Carus ; 1832; óleo sobre tela; 71 × 52,2 cm; Kunsthalle Hamburgo
Navio escravo (escravos jogando mortos e moribundos ao mar, tufão chegando) ; por JMW Turner ; 1840; óleo sobre tela (90,8 × 122,6 cm); Museu de Belas Artes de Boston
Casas do parlamento; por Sir Charles Barry e A. Welby Pugin ; iniciado em 1836; Londres
Ugolino e seus filhos ; por Jean-Baptiste Carpeaux ; 1857–60; Mármore; 197,5 × 149,9 × 110,5 cm; Museu Metropolitano de Arte
Realismo (c. 1840-1880)
O realismo surgiu em meados do século XIX, c. 1840, e teve contrapartes na escultura, literatura e drama, muitas vezes referido como Naturalismo na literatura. Na pintura do século XIX, o termo Realismo se refere mais ao tema representado do que ao estilo ou técnica. As pinturas realistas geralmente representam lugares comuns e pessoas engajadas em atividades cotidianas, em oposição a grandes paisagens idealizadas, deuses mitológicos, temas bíblicos e figuras históricas e eventos que freqüentemente dominaram a pintura na cultura ocidental. Courbet disse "Não posso pintar um anjo porque nunca vi um".
O realismo também foi em parte uma reação ao trabalho muitas vezes dramático, exótico e emocionalmente carregado do romantismo. O termo realismo é aplicado em relação às imagens idealizadas do neoclassicismo e às imagens romantizadas do romantismo. Artistas como Jean-Baptiste-Camille Corot e Honoré Daumier tinham associações frouxas com o realismo, assim como membros da Escola Barbizon , particularmente Jean-François Millet , mas talvez tenha sido Gustave Courbet a figura central do movimento, identificando-se como um realista, defendendo o realismo e influenciando artistas mais jovens como Édouard Manet . Um aspecto significativo do realismo foi a prática de pintar paisagens ao ar livre e sua influência subsequente no impressionismo .
Além da França, o realismo é exemplificado por artistas como Wilhelm Leibl na Alemanha, Ford Madox Brown na Inglaterra e Winslow Homer nos Estados Unidos. O historiador da arte HH Arnason escreveu: "A sequência cronológica do neoclassicismo, romantismo e realismo é, obviamente, apenas uma estratificação conveniente de movimentos ou tendências tão inextricavelmente ligados uns aos outros e aos movimentos anteriores que é impossível dizer onde um terminou e outro começou ", e isso se torna ainda mais pertinente e complexo à medida que se segue todos os movimentos e" ismos "até o final do século XIX e início do século XX.
Saint-André-en-Morvan ; por Jean-Baptiste-Camille Corot ; 1842; óleo sobre tela; 31 × 59 cm; Louvre
Piscina na floresta ; por Théodore Rousseau ; início da década de 1850; óleo sobre tela; 39,4 × 57,4 cm; museu bela-Artes
O Último da Inglaterra ; por Ford Madox Brown ; 1852–1855; óleo no painel; altura: 82,5 cm, largura: 75 cm; Museu e Galeria de Arte de Birmingham
Transporte de terceira classe ; por Honorè Daumier; 1856–1858; óleo no painel; 26 × 33,9 cm; museu bela-Artes
O bebedor de absinto ; por Édouard Manet ; 1859; óleo sobre tela; 18,05 × 10,56 mm; Ny Carlsberg Glyptotek
The Goosegirl ; por Jean-François Millet ; 1866–67; óleo sobre tela; 45,7 × 55,9 cm; Museu de Arte Fuji de Tóquio
Artistas fazendo esboços nas montanhas brancas ; por Winslow Homer ; 1868; óleo no painel; 24,1 cm × 40,3 cm; Museu de Arte de Portland
Três Mulheres na Igreja ; por Wilhelm Leibl ; 1882; óleo sobre madeira de mogno ; altura: 113 cm, largura: 77 cm; Kunsthalle Hamburgo
Festa das Trombetas ; por Aleksander Gierymski ; 1884; óleo sobre tela; 47 × 64,5 cm; Museu Nacional, Varsóvia
Uma negra ; por Anna Bilińska-Bohdanowicz ; 1884; óleo sobre tela; 63 × 48,5 cm; Museu Nacional, Varsóvia
Impressionismo (c. 1860-1890)
O impressionismo surgiu na França, sob a influência do realismo , da Escola Barbizon e de pintores en plein air como Eugène Boudin , Camille Corot , Charles-François Daubigny e Johan Barthold Jongkind . A partir do final da década de 1850, vários dos impressionistas fizeram amizades e amizades quando estudantes em Paris, principalmente na Académie Suisse e no estúdio de Charles Gleyre . Seu trabalho progressista foi freqüentemente rejeitado pelos júris conservadores dos salões da prestigiosa Académie des Beaux Arts , um fórum onde muitos artistas se voltaram para estabelecer suas reputações, e muitos dos jovens artistas foram incluídos em um Salon des Refusés altamente divulgado, mas muito ridicularizado em 1863. Em 1874, eles formaram a Société Anonyme Coopérative des Artistes Peintres, Sculpteurs, Graveurs, independente da academia, e montaram a primeira de várias exposições impressionistas em Paris, até 1886, quando sua oitava e última exposição foi realizada. Figuras importantes do movimento incluíram Frédéric Bazille , Gustave Caillebotte , Mary Cassatt , Paul Cézanne , Edgar Degas , Armand Guillaumin , Édouard Manet , Claude Monet , Berthe Morisot , Camille Pissarro , Pierre-Auguste Renoir e Alfred Sisley . Embora o impressionismo tenha sido principalmente um movimento de pintores, Degas e Renoir também produziram esculturas e outros como Auguste Rodin e Medardo Rosso são algumas vezes ligados ao impressionismo. Em 1885, o impressionismo havia alcançado algum destaque, mas uma geração mais jovem já estava empurrando os limites além do impressionismo. Artista da Rússia , Austrália , América e América Latina logo adotou estilos impressionistas. Alguns dos impressionistas originais continuaram produzindo trabalhos significativos nas décadas de 1910 e 1920.
Embora não sem precedentes, muitas das técnicas usadas contrastavam com os métodos tradicionais. As pinturas costumavam ser concluídas em horas ou dias com tinta úmida aplicada sobre tinta úmida (em oposição à tinta úmida sobre seca, concluída em semanas e meses). Em vez de aplicar esmaltes e cores misturadas, as cores puras costumavam ser aplicadas lado a lado, em pinceladas espessas, opacas e impasto ; misturando-se no olho do observador quando observado à distância. O preto era usado com parcimônia, ou não era usado, e as linhas definidoras substituídas por pinceladas matizadas de cor formando os temas, contornos e formas. O historiador da arte HW Janson disse que "em vez de aumentar a ilusão do espaço real, ele fortalece a unidade da superfície pintada real." As pinturas impressionistas tipicamente retratam paisagens, retratos, naturezas mortas, cenas domésticas, lazer diário e vida noturna, tudo tratado de forma realista. As composições eram freqüentemente baseadas em perspectivas incomuns, parecendo espontâneas e sinceras. As pinturas geralmente eram desprovidas de significados didáticos, simbólicos ou metafóricos e raramente abordavam os assuntos bíblicos, mitológicos e históricos tão considerados pelas academias ou o interesse mais sombrio e psicológico explorado pelo simbolista. As nuances de luz, sombra, atmosfera e reflexos de cores de superfícies foram examinadas, às vezes enfatizando as mudanças desses elementos no tempo. A própria pintura era o tema da pintura. Era arte pela arte, uma ideia que vinha flutuando por algumas décadas, mas talvez tenha alcançado um novo nível e consistência no impressionismo.
Dançarinos em rosa ; Edgar Degas ; 1867; óleo sobre tela; 59 × 74 cm; Hill – Stead Museum ( Farmington
Vista da Vila ; por Frédéric Bazille ; 1868; óleo sobre tela, 130 × 89 cm; Musée Fabre
Soleil couchant à Ivry ; por Armand Guillaumin ; 1873; óleo sobre tela; 65 × 81,0 cm; Musée d'Orsay
Claude Monet pintando em seu estúdio ; por Édouard Manet ; 1874; óleo sobre tela; 80 × 98 cm; Neue Pinakothek
A ponte ferroviária em Argenteuil ; por Claude Monet ; 1874; óleo sobre tela; 60 × 80 cm; Musée d'Orsay
Mademoiselle Boissière Knitting ; por Gustave Caillebotte ; 1877; óleo sobre tela; 65 × 80 cm; Museu de Belas Artes, Houston
Tigela com Maçãs ; por Paul Cézanne ; 1878–79; óleo sobre tela; 45,5 × 55 cm; Coleção Annenberg
Dia de verão: Lago no Bois de Boulogne ; por Berthe Morisot ; 1879; óleo sobre tela; 45,7 × 75,2 cm; galeria Nacional
Bancos do Sena em By ; por Alfred Sisley; ca. 1880–81; óleo sobre tela; 54,3 × 73,3 cm; Clark Art Institute ( Williamstown , Massachusetts )
Autumn, Lydia Cassatt ; Mary Cassatt ; 1880; óleo sobre tela; 92,5 × 65,5 cm; Petit Palais
O Loge ; por Pierre-Auguste Renoir ; 1881; óleo sobre tela; 127 × 92 cm; Courtauld Institute of Art
Um Bar no Folies-Bergère ; por Édouard Manet ; 1881–82; óleo sobre tela, 96 × 130 cm; Courtauld Institute of Art
Bordighera ; por Claude Monet ; 1884; óleo sobre tela, 81 × 65 cm; Art Institute of Chicago
Rue Saint-Honoré, dans l'après-midi. Effet de pluie ; por Camille Pissarro ; 1898; óleo sobre tela, 73,6 × 91,4 cm; Instituto de Arte de Minneapolis
Lírios de Água, Manhã ; por Claude Monet ; ca. 1914–24; óleo sobre tela, 2.000 × 12.750 mm; Musée de l'Orangerie
Simbolismo (c. 1860-1915)
O simbolismo surgiu na França e na Bélgica no terceiro quarto do século XIX e se espalhou pela Europa na década de 1870, e mais tarde para a América em menor grau. Ela evoluiu a partir romantismo sem um ponto de demarcação clara ou definir, embora poesia, literatura e, especificamente, a publicação de Charles Baudelaire 's As Flores do Mal ( As flores do mal ) em 1857 foram significativos no desenvolvimento de simbolismo. Teve expressão internacional em poesia, literatura, drama e música. Na arquitetura, as artes aplicadas e o simbolismo das artes decorativas se assemelhavam estreitamente e se sobrepunham à Art Nouveau . O simbolismo é muitas vezes inextricavelmente ligado a outros movimentos de arte contemporânea, emergindo e encontrando expressão em outros estilos como o Pós-Impressionismo , Les Nabis , o Movimento Decadente , o Fin-de Siècle , Art Nouveau , A Secessão de Munique , A Secessão de Viena , Expressionismo e até mesmo os pré-rafaelitas , que se formaram antes e também influenciaram o simbolismo. Artistas tão diversos como James McNeill Whistler , Eugène Carrière , Ferdinand Hodler , Fernand Khnopff , Giovanni Segantini , Lucien Lévy-Dhurmer , Jean Delville e James Ensor todos tinham vários graus de associação com o simbolismo. O historiador da arte Robert L. Delevoy escreveu "O simbolismo era menos uma escola do que a atmosfera de um período." Ele rapidamente começou a desaparecer com o aparecimento do fauvismo , cubismo , futurismo e em grande parte se dissipou com a eclosão da Primeira Guerra Mundial, no entanto, encontrou algum desenvolvimento sustentado e relevância na escola metafísica , que por sua vez teve uma profunda influência no surrealismo .
Os assuntos, temas e significados da arte simbolista são freqüentemente velados e obscuros, mas na melhor das hipóteses ainda conseguem ressoar profundamente em níveis psicológicos ou emocionais. Os assuntos são frequentemente apresentados como metáforas ou alegorias , com o objetivo de evocar emoções e ideias altamente subjetivas, pessoais e introspectivas no espectador, sem definir claramente ou abordar o assunto diretamente. O poeta Stéphane Mallarmé escreveu "retratar não a coisa, mas o efeito que ela produz" e "Nomear um objeto é suprimir três quartos do prazer do poema que se faz entender aos poucos". O pintor inglês George Frederic Watts afirmou "Eu pinto idéias, não coisas."
O pombo-correio ; por Pierre Puvis de Chavannes ; 1871; óleo sobre tela; 136,7 × 86,5 cm; Musée d'Orsay
Pornócrates ; por Félicien Rops ; 1878; aquarela, guache e pastel; 75 × 48 cm; Musée Félicien Rops ( Namur , Bélgica)
Entführung [abdução]; por Max Klinger ; 1891; gravura e água- tinta ; 11,9 × 26,9 cm; Albertina
Quimera ; por Odilon Redon ; 1883; carvão e giz preto no papel; 50,4 × 34 cm; Museu Kröller-Müller
Andromeda (título anterior Danaid ); por Auguste Rodin ; 1886; mármore; 29 × 32 × 20 cm; Museu Nacional de Belas Artes
Ilha dos Mortos (5ª versão); por Arnold Böcklin ; 1886; óleo no painel (80,7 × 150 cm.); Museum der bildenden Künste
Ó túmulo, onde está tua Vitória ; Jan Toorop ; 1892; lápis e giz; 60,4 × 75,3 cm; Rijksmuseum
O pecado ; por Franz von Stuck ; 1893; óleo sobre tela; 94,5 × 59,5 cm; Neue Pinakothek
Amor e dor ; por Edvard Munch ; 1894; óleo sobre tela; 100 × 110 cm; Museu Munch
The Race Track ( Death on a Pale Horse ); por Albert Pinkham Ryder ; de 1896 a 1908; óleo sobre tela; 70,5 × 90 cm; Museu de Arte de Cleveland
De onde nós viemos? O que nós somos? Onde estamos indo? ; por Paul Gauguin ; 1897; óleo sobre tela; 141 × 376 cm; museu bela-Artes
Medusa ; por Fernand Khnopff ; 1900; bronze, base de mármore; Museu Fin de Siècle (parte dos Museus Reais de Belas Artes da Bélgica
A Dama do Cavalo ; por Alfred Kubin ; 1901; caneta, tinta, lavagem e spray; 39,7 × 31 cm
The Demon Downcast ; por Mikhail Vrubel ; 1902; Galeria estatal Tretyakov
As três idades da mulher ; por Gustav Klimt ; 1905; óleo sobre tela; 180 × 180 cm; Galleria Nazionale d'Arte Moderna e Contemporanea
Movimento Arts and Crafts (c. 1860–1915)
O movimento Arts and Crafts trabalhou principalmente com arquitetura e artes decorativas, onde promoveu o artesanato tradicional, o uso de materiais disponíveis localmente e a integridade na maneira como as coisas eram feitas. Tudo começou na Grã - Bretanha do final do século 19 , quando escritores como John Ruskin e William Morris rejeitaram a produção em massa e os itens feitos à máquina de baixa qualidade que eram encontrados em muitas casas e lojas. Morris , em particular, acreditava na importância do artesão individual e defendia um retorno ao artesão artesanal, que, segundo ele, não apenas produziria melhores móveis, cerâmica, tecidos e outros itens, mas também ajudaria as pessoas a liderar melhor , vidas mais gratificantes. A produção em massa, afirmou ele, foi responsável pela queda dos valores. Muitos designers de artes e ofícios aproveitaram a influência do artesanato medieval, e seus objetos e interiores exploraram as qualidades distintas dos materiais naturais, desde o carvalho lindamente acabado até as tapeçarias tecidas à mão. Outros, no entanto, procuraram inspiração mais longe, incorporando cores vivas inspiradas na arte islâmica ou motivos egípcios antigos em seus trabalhos. Nós, redemoinhos, cruzes celtas e entrelac (designs interlançados) inspirados na antiga arte celta apresentada no trabalho de muitos designers de artes e ofícios, notadamente Archibald Knox , especialmente em trabalhos em metal.
Amplamente exibido na Europa, a simplicidade do estilo Arts and Crafts inspirou artistas como Carl Larsson e sua esposa, Karin Bergöö Larsson , designers como Henry van de Velde e estilos como Art Nouveau , o grupo holandês De Stijl , Vienna Secession e, eventualmente, Bauhaus estilo. Nikolaus Pevsner considerou o estilo um prelúdio do Modernismo , que usava formas simples sem ornamentação. A Secessão de Viena encorajou em parte os artistas e escritores da Europa Central sob o governo dos Habsburgos a retornar às suas raízes nacionais e folclóricas. Na Polónia isso deu origem ao florescimento de "Młoda Polska" ( Jovem Polônia ), cujos expoentes observou incluído Jacek Malczewski , Jan Stanisławski , Józef Mehoffer , Józef Pankiewicz , Leon Wyczółkowski , Olga Boznańska , Stanisław Wyspiański , Wojciech Gerson e Wojciech Kossak .
Menina no banco do jardim ; por Olga Boznańska ; 1896; óleo sobre papelão; 65,5 cm × 42,5 cm; Museu Nacional da Polônia ( Varsóvia )
O Poço no Fim do Mundo; por William Morris e Edward Burne-Jones ; 1896; ilustrações: xilogravuras; uma das oito cópias encadernadas em velino; 28,9 × 21 × 5,1 cm; Museu Metropolitano de Arte
Villa pod Jedlami ; desenhado por Stanisław Witkiewicz ; 1890; madeira e vidro; Zakopane Estilo Zakopane
Auto-retrato ; por Stanisław Wyspiański ; 1902; pastel sobre papel; 37,5 cm × 36,8 cm; Museu Nacional da Polônia
Extensão do arquivo Nietzsche ; por Henry van de Velde ; 1903; Weimar (Alemanha)
Mesa dropfront; por Gustav Stickley ; c. 1903; carvalho com hardware de cobre; 130,8 × 65,4 × 27,6 cm; Museu do Brooklyn
Azaléia ; por Carl Larsson ; 1906; Thiel Gallery
Sol em maio ; por Józef Mehoffer ; 1911; óleo sobre tela; 95 cm × 78 cm; Museu Nacional da Polônia
Pós-impressionismo (c. 1885-1905)
Pós-impressionismo é um termo um tanto impreciso aplicado a uma geração diversificada de artistas. Em seu sentido mais estrito, pertence a quatro artistas altamente influentes: Paul Cézanne , Paul Gauguin , Georges Seurat e Vincent van Gogh . Cada um passou por uma fase impressionista, mas finalmente emergiu com quatro estilos muito originais, mas diferentes. Coletivamente, seu trabalho antecipou, e muitas vezes influenciou diretamente, muito da arte de vanguarda que apareceu antes da Primeira Guerra Mundial, incluindo fauvismo, cubismo, expressionismo e abstração inicial. Cézanne (particularmente influente no cubismo) e Van Gogh trabalharam em relativo isolamento, longe de Paris, em pontos críticos de suas carreiras, enquanto Seurat e Gauguin trabalharam em grupos, de forma mais colaborativa, em pontos-chave de seu desenvolvimento. Outro artista importante do período é Toulouse-Lautrec , um influente pintor e também artista gráfico. Em um sentido mais amplo, o pós-impressionismo inclui uma geração de artistas predominantemente franceses e belgas que trabalharam em uma variedade de estilos e grupos. A maioria tinha sofrido a influência do impressionismo em algum ponto, mas empurrou seu trabalho além dele em uma série de facções já em meados da década de 1880, às vezes como um desenvolvimento lógico do impressionismo, outras vezes como uma reação contra ele. Os pós-impressionistas tipicamente retratavam temas impressionistas, mas a obra, particularmente o sintetismo, freqüentemente continha simbolismo, espiritualismo e atmosferas temperamentais que raramente apareciam no impressionismo. Cores não naturais, padrões, planícies, perspectivas estranhas e pontos de vista levados a extremos, tudo mudou o centro do modernismo um passo mais perto da abstração com um padrão de experimentação.
O neoimpressionismo ( divisionismo ou pontilhismo , c. 1884-1894) explorou a luz e a cor com base em teorias científicas das cores, criando mosaicos de pinceladas em cores puras, às vezes dispostas em padrões rítmicos com linhas influenciadas pela Art Nouveau . Os artistas principais foram Georges Seurat e Paul Signac , outros incluem Henri-Edmond Cross , Maximilien Luce , Albert Dubois-Pillet e, por um período, Pissarro e Van Gogh . Foi influente no fauvismo, e elementos do estilo apareceram no expressionismo, cubismo e abstração inicial. Synthetism ( Cloisonnism c. 1888-1903) Cloisonnism foi concebido por Émile Bernard e imediatamente retomada e desenvolvida por Paul Gauguin e outros, enquanto em uma colônia de artistas em Pont-Aven (Bretanha, França). O estilo lembrava esmalte cloisonné ou vitral , com cores lisas e ousadas delineadas em preto ou cores escuras. Sintetismo, exemplificado na obra de Gauguin e Paul Sérusier , é um termo ligeiramente mais amplo com menos ênfase em contornos escuros e qualidades cloisonné. Outros artistas incluem Cuno Amiet , Louis Anquetin , Charles Filiger , Jacob Meyer de Haan , Charles Laval e Armand Seguin . Seu trabalho influenciou muito o fauvismo e o expressionismo. Les Nabis (c. 1890–1905: hebraico para profetas ou illuminati) foi um movimento maior na França e na Bélgica que se inspirou ecleticamente em elementos progressivos no sintetismo, neo-impressionismo, simbolismo e Art Nouveau. Talvez mais influentes do que a arte, foram as inúmeras teorias, manifestos e entusiasmo contagiante pela vanguarda, dando o tom para a proliferação de movimentos e "ismos" no primeiro quarto do século XX. La Revue Blanche publicou frequentemente Les Nabis e conteúdo simbolista. O trabalho de Édouard Vuillard e Pierre Bonnard , ca. 1890–1910 é um exemplo de Les Nabis, embora ambos tenham evoluído em seus estilos e produzido trabalhos significativos na década de 1940. Outros artistas incluem Maurice Denis , Maxime Dethomas , Meyer de Haan , Henri-Gabriel Ibels , Georges Lacombe , Aristide Maillol , Paul Ranson , Ker-Xavier Roussel , Armand Séguin , Paul Sérusier , Félix Vallotton , Jan Verkade e outros.
Modelos ( Les Poseuses ); por Georges Seurat ; 1886–1888; óleo sobre tela; 200 × 249,9 cm; Fundação Barnes
Sunset, Herblay, Opus 206 ; por Paul Signac ; 1889; óleo sobre tela, 57 × 90 mm; Galeria de arte e museu de Kelvingrove
Mont Sainte-Victoire ; por Paul Cézanne ; 1904–06; óleo sobre tela, 65 × 81 cm; Museu de Arte da Filadélfia
A noite estrelada ; por Vincent van Gogh ; 1889; óleo sobre tela; altura: 73,7 cm; Museu de Arte Moderna
Paisagem em Le Pouldu ; por Paul Sérusier ; 1890; óleo sobre tela, 74 × 92 cm; Museu de Belas Artes, Houston
Ia Orana Maria ( Nós Te saudamos, Maria ); por Paul Gauguin ; 1891; óleo sobre tela, 114 × 89 cm; Museu Metropolitano de Arte
As árvores verdes 'ou' As faias de Kerduel ; por Maurice Denis ; 1893; óleo sobre tela, 46 × 43 cm; Musée d'Orsay, Paris
Figuras na rua ; por Pierre Bonnard ; ca. 1894; óleo sobre papel, 24 × 25,5 cm; Coleção privada
Madame Vuillard Cousant ou velha senhora examinando seu bordado ; por Édouard Vuillard ; 1893; óleo a bordo, 29,2 × 27,9 cm .; Coleção privada
O Mediterrâneo ; por Aristide Maillol ; 1902–03; bronze, 104 cm. Alto; Museu Boijmans van Beuningen
Início do século 20
A história da arte do século 20 é uma narrativa de possibilidades infinitas e da busca por novos padrões, cada um sendo destruído em sucessão pelo próximo. Os movimentos artísticos do fauvismo , expressionismo , cubismo , arte abstrata , dadaísmo e surrealismo levaram a novas explorações de novos estilos criativos e formas de expressão. A crescente interação global durante este tempo viu uma influência equivalente de outras culturas na arte ocidental, como Pablo Picasso sendo influenciado pela escultura ibérica , escultura africana e primitivismo . O japonismo e as xilogravuras japonesas (que haviam sido influenciadas pelo desenho do Renascimento ocidental) tiveram uma influência imensa no impressionismo e nos desenvolvimentos artísticos subsequentes. O influente exemplo dado pelo interesse de Paul Gauguin pela arte oceânica e a repentina popularidade entre os conhecedores do início do século 20 em Paris de esculturas fetichistas africanas recém-descobertas e outras obras de culturas não europeias foram adotados por Picasso, Henri Matisse e muitos de seus colegas. Mais tarde, no século 20, a arte pop e o expressionismo abstrato ganharam destaque.
Art Nouveau (c. 1890–1915)
Art Nouveau é um estilo internacional de arte, arquitetura e arte aplicada , especialmente as artes decorativas , caracterizado por suas duas principais fontes de inspiração: o uso de ornamentos em forma de planta (curvas sinuosas); e estilos de arte históricos (como gótico , céltico , bizantino , rococó e barroco ), especialmente a arte japonesa .
O culto da natureza, com suas curvas sinuosas e gavinhas de hera que quase parecem criar raízes em um item de mobília ou artes decorativas, era um tema popular para a Art Nouveau. Era por meio desse meio que as mulheres eram mais frequentemente retratadas como objetos estilizados, e não como pessoas. Através do uso da natureza como idioma, os designers esperavam incorporar todos os aspectos da vida em um único objeto ou interior: o exterior foi trazido para dentro e a relação humana com o meio ambiente foi explorada.
Na Espanha, Itália, Rússia e Estados Unidos, artistas e designers contribuíram para as novas e fascinantes interpretações da Art Nouveau. Cada cultura inspirou-se em diferentes fontes, incluindo gótico , celta , bizantino , rococó e barroco . Embora as influências históricas estivessem presentes, elas não poderiam ser justificadas, a menos que fossem abordadas com inovação em vez de tradição. O retrato da mulher na arte na virada do século destaca outro desafio importante para as sociedades contemporâneas. Em muitos casos, as mulheres foram retratadas como figuras de fantasia, interagindo com a natureza, unidas a ela. Em contraste, o realismo corajoso das pinturas de Henri de Toulouse-Lautrec demonstrou que as mulheres podiam ser retratadas como pessoas genuínas envolvidas em aspectos mundanos de suas vidas diárias.
As primeiras influências da Art Nouveau começaram a surgir na Inglaterra entre figuras como John Ruskin , a Irmandade Pré-Rafaelita , Edward Burne-Jones , William Morris e o Movimento Arts and Crafts , que se assemelha a alguns aspectos da sensibilidade simbolista na França e na Bélgica em aquela vez. A Art Nouveau está intimamente ligada e mesclada com o simbolismo. O termo Art Nouveau é mais frequentemente aplicado à arquitetura, artesanato e artes decorativas, enquanto o simbolismo é mais comumente usado para belas artes como pintura e escultura, bem como poesia e literatura; no entanto, não há linhas rígidas e definidoras entre os dois. Art Nouveau foi um movimento internacional que se espalhou pela Europa e América do Norte, atingindo seu auge por volta de 1890–1905. Talvez tenha encontrado suas maiores expressões na arquitetura, influenciada pelo teórico e historiador Eugène Viollet-le-Duc , e vista na obra de Victor Horta , Hector Guimard , Louis Sullivan e Antoni Gaudí . No entanto, exemplos extraordinários do estilo apareceram em design de interiores, móveis, papel de parede, têxteis, mosaicos, cerâmica, trabalho em metal, joias, vitrais, vitrais e outras artes decorativas e aplicadas produzidas por Charles Rennie Mackintosh , Peter Carl Fabergé , Émile Gallé , René Lalique , Louis Comfort Tiffany e muitos outros. A arte japonesa, principalmente as gravuras em xilogravura , com conceitos de design novos para os europeus começaram a aparecer e a encontrar públicos receptivos ali, onde artistas gráficos como Aubrey Beardsley , Jules Chéret , Walter Crane , Eugène Grasset , Alphonse Mucha e Henri de Toulouse- Lautrec projetou pôsteres, anúncios, modas, encadernação de livros, frontispícios e ilustrações inovadores.
A Art Nouveau frequentemente abandonava as formas geométricas e ângulos em favor de linhas arabescas sugestivas de vegetação, videiras sinuosas e outros elementos da natureza. Muitos artesãos procuraram quebrar a divisão entre belas artes, arte aplicada e arte decorativa e fundi-las em todos os aspectos da vida diária. O artista individual freqüentemente alternava entre várias disciplinas e trabalhava em várias mídias. Não era incomum que os arquitetos produzissem os móveis e outros acessórios para as casas e edifícios que projetavam, os pintores projetavam cartazes publicitários e ilustrações de livros, ou os joalheiros produziam vidros de arte e vitrais.
The Climax , ilustração para Salomé de Oscar Wilde; por Aubrey Vincent Beardsley ; 1893; impressão de bloco de linha; 34 × 27 cm; coleção privada
Divan Japonais ; por Henri de Toulouse-Lautrec ; c. 1893–1894; litografia; 81 × 62,3 cm; Museu de Belas Artes ( Boston , EUA)
Loie Fuller Dancing ; por Pierre Roche ; 1894 (bronze, 1901); Musée des Arts Décoratifs (Paris)
Portão do Castel Béranger (um prédio de apartamentos); por Hector Guimard ; 1895–1898; Paris
Hôtel Solvay ; por Victor Horta ; 1895–1898; Bruxelas ( Bélgica )
Masque ; por Louis Welden Hawkins ; 1895–1905; giz preto e lápis em papel marrom claro; 43,2 × 23,8 cm; Museu de Belas Artes ( Houston , EUA)
Vaso; por Émile Gallé ; 1896; copo; altura: 17,5 cm; Metropolitan Museum of Art (Nova York)
Biscuits Lefèvre-Utile , propaganda; por Alfons Mucha ; 1897; litografia; 62 × 43,5 cm; coleção privada
O broche Dragonfly ; por René Lalique ; c. 1897–1898; ouro, esmalte vítreo , crisoprase , calcedônia , pedra da lua e diamante; altura: 23 cm, largura: 26,5 cm; Museu Calouste Gulbenkian ( Lisboa , Portugal)
Gabinete-vitrina; por Gustave Serrurier-Bovy ; 1899; madeira narra vermelha, cinza, cobre, esmalte e vidro; altura: 248,9 cm, largura: 213,4 cm, profundidade: 63,5 cm; Museu Metropolitano de Arte
Le Jeu de l'echarpe (Dançarino com lenço); por Agathon Leonard; antes de 1901; bronze dourado; Hessisches Landesmuseum Darmstadt ( Darmstadt , Alemanha)
Ornamento de cabelo; por René Lalique ; c. 1902; ouro, esmeraldas e diamantes; Musée d'Orsay (Paris)
A Casa Batlló ; por Antoni Gaudí; Barcelona
Gabinete; Eugene Vallin em colaboração com Victor Prouvé ; c. 1903–1906; provavelmente feito de mogno; Musée de l'École de Nancy ( Nancy , França)
Varanda com relevo sob ela, na fachada do Hôtel Brion de Estrasburgo (França), concluída em 1904
O topo de uma salamandra do Museu George Severeanu ( Bucareste , Romênia )
Fauvismo (c. 1898-1908)
O fauvismo surgiu do pós-impressionismo, desenvolvendo-se gradualmente no primeiro grande movimento do século XX. Sua gênese foi em 1895, quando Henri Matisse , a figura mais antiga e central, entrou no estúdio de Gustave Moreau na École des Beaux-Arts . Lá ele conheceu Georges Rouault , Charles Camoin , Henri Manguin e Albert Marquet . Marquet disse: "Já em 1898 Matisse e eu estávamos trabalhando no que mais tarde seria chamado de estilo fauvista. As primeiras exposições nos Indepéndants em que fomos, creio eu, os únicos a pintar em tons puros, datam de 1901 . " Por volta de 1902–03, o círculo de artistas afins cresceu para incluir Georges Braque , André Derain , Raoul Dufy , Othon Friesz , Jean Metzinger , Jean Puy , Louis Valtat , Kees van Dongen e Maurice de Vlaminck . Durante este período, uma série de exposições retrospectivas influentes foram realizadas em Paris: Seurat (1900, 1905), Van Gogh (1901, 1905), Toulouse-Lautrec (1902), Gauguin (1906), Cézanne (1907), todos relativamente desconhecidos para o público naquela época. Matisse e Derain colecionavam esculturas africanas, um romance, mas uma curiosidade crescente da época. Matisse passou o verão de 1904 em Saint-Tropez pintando com o neo-impressionista Paul Signac e Henri-Edmond Cross , seguido em 1905 por Camoin, Manguin e Marquet. O artista exibiu regularmente no Salon des Indepéndants e no Salon d'Automne 1903-1908 e em 1905 seu trabalho criou uma sensação e um escândalo. Matisse afirmou "Estávamos exibindo no Salon d'Automne, Derain, Manguin, Marquet, Puy e alguns outros foram pendurados juntos em uma das galerias maiores. No centro desta sala, o escultor Marque exibiu o busto de uma criança muito no estilo italiano. Vauxcelles [crítico de arte de Gil Blas ] entrou na sala e disse, Bem! bem! Donatello na névoa de feras! [Donatello chez les fauves]. " O movimento não era percebido como entidade pelo público, mas uma vez publicado o nome pegou. Ao contrário do impressionista e de sua longa luta por aceitação, a vanguarda tinha um público ávido por 1906-1907 e o fauvista estava atraindo colecionadores da América para a Rússia. Apesar de o fauvismo ter se dissolvido em grande parte em 1908, com o surgimento do cubismo, a maior parte do artista começou a explorar outros estilos e se mover em diferentes direções. Apenas Matisse e Dufy continuaram a explorar o fauvismo na década de 1950. <
O fauvista pintou paisagens en plein air , interiores, figuras e naturezas mortas, seguindo exemplos de realismo, impressionismo e pós-impressionismo. Eles aplicaram tinta com pinceladas soltas, em cores grossas, não naturais, muitas vezes contrastantes e vibrantes, às vezes direto do tubo. A influência de Gauguin, com sua exploração dos valores expressivos e aspectos espaciais da padronização com cores planas e puras, bem como seu interesse pelo primitivismo foram significativos, assim como o neo-impressionismo. Matisse explicou - por muito tempo a cor serviu de complemento ao design, os pintores do Renascimento construíram o quadro por linha, acrescentando depois a cor local - escrevendo: "De Delacroix a Van Gogh e principalmente a Gauguin, por meio do impressionista, que limpou o terreno, e Cézanne, que deu o impulso final e introduziu os volumes coloridos, podemos acompanhar esta reabilitação da função da cor, esta restauração da sua força emotiva "O fauvismo foi o culminar de uma mudança, do desenho e da linha como alicerces fundamentais do design na pintura para colorir, e eles retrataram seus temas à beira da abstração.
Le bonheur de vivre , de Henri Matisse ; 1905–1906; óleo sobre tela; 175 × 241 cm; Fundação Barnes
Casas em Chatou ; por Maurice de Vlaminck ; ca. 1905; óleo sobre tela, 81 × 101 cm; Art Institute of Chicago
Paisagem fauve ; por Louis Valtat ; 1905–1906; óleo sobre tela; Speed Art Museum
Charing Cross Bridge, Londres ; por André Derain ; 1906; óleo sobre tela, 80,3 × 100,3 cm; Galeria Nacional de Arte
La Ciotat ; por Othon Friesz ; 1907; óleo sobre tela, 65,7 por 81 cm; coleção desconhecida
Expressionismo (c. 1905-1933)
O expressionismo foi um movimento internacional na pintura, escultura, artes gráficas, poesia, literatura, teatro, cinema e arquitetura. Alguns associam a Segunda Escola Vienense e outras músicas do período ao movimento. A maioria dos historiadores situa o início do expressionismo em 1905 com a fundação do Die Brücke . No entanto, vários artistas estavam produzindo trabalhos influentes dentro do espírito do expressionismo c. 1885–1905 incluindo Lovis Corinth , James Ensor , Käthe Kollwitz , Paula Modersohn-Becker , Edvard Munch , Emil Nolde e Christian Rohlfs entre outros. Muitos desses artistas expuseram posteriormente e se associaram a vários grupos expressionistas. A pintura expressionista é caracterizada por pinceladas soltas, espontâneas, frequentemente espessas, impasto . Freqüentemente, transmitia como o artista se sentia sobre o assunto, em oposição ao que parecia, colocando intuição e sentimentos viscerais sobre representações realistas ou teorias da arte. O expressionismo era frequentemente infundido com uma angústia ou alegria e um envolvimento geral com a vida contemporânea e questões sociais que muitas vezes estava ausente do foco do fauvismo no design e na cor aplicada a assuntos neutros. As gravuras em xilogravura são particularmente notáveis no expressionismo. O expressionismo às vezes pode se sobrepor e se integrar a outros estilos e movimentos, como simbolismo , fauvismo , cubismo , futurismo , abstração e dada . Vários grupos e facções de expressionistas apareceram em vários momentos e lugares.
Die Brücke (The Bridge: 1905 -1913) aspirava conectar "todos os elementos revolucionários e emergentes". Foi fundada por quatro estudantes de arquitetura Ernst Ludwig Kirchner , Erich Heckel , Karl Schmidt-Rottluff e Fritz Bleyl . Compartilhando um estúdio em Dresden, eles produziram pinturas, esculturas, gravuras e organizaram exposições, separando-se no verão para trabalhar de forma independente. Sua primeira exposição foi em 1905, mais tarde acompanhada por Emil Nolde e Max Pechstein em 1906 e Otto Mueller em 1910, entre outros. As influências incluíram arte gótica , primitivismo , Art Nouveau e desenvolvimentos em Paris, particularmente Van Gogh e fauvismo . O grupo mudou para Berlim em 1911 e mais tarde dissolvido em 1913. Der Blaue Reiter (The Blue Rider: 1911-1914) , fundado por Wassily Kandinsky e Franz Marc , era um grupo relativamente informal que organizava exposições de arte de Paris e da Europa, como bem seus próprios. Foi parte de uma série de grupos cada vez mais progressivos que se separaram da Art Academy de Munique, incluindo The Munich Secession em 1892 (realista e impressionista), Phalanx em 1901 (pós-impressionista), Neue Kunstler Vereiningung em 1909 e The Blue Rider em 1911. Artista associados aos dois últimos grupos incluíam os irmãos Burliuk , Heinrich Campendonk , Alexej von Jawlensky , Paul Klee , August Macke , Gabriele Münter e Marianne von Werefkin . O eufônico almanaque Der Blaue Reiter , uma coleção de ensaios influentes, e Concerning the Spiritual in Art , de Kandinsky, com suas idéias sobre arte não objetiva, foram publicados em 1912. The Blue Rider terminou com a eclosão da Primeira Guerra Mundial, na qual Macke e Marc ambos morreram.
Outros artistas como Oskar Kokoschka , Egon Schiele e Richard Gerstl surgiram na Áustria. O artista francês Georges Rouault e Chaïm Soutine tinham afinidades com o movimento. Os escultores incluem Ernst Barlach , Wilhelm Lehmbruck , Gerhard Marcks e William Wauer . Arquitetos associados ao expressionismo incluem Max Berg , Hermann Finsterlin , Johann Friedrich Höger , Michel de Klerk , Erich Mendelsohn , Hans Poelzig , Hans Scharoun , Rudolf Steiner e Bruno Taut . Der Sturm (The Storm 1910-1932) foi uma revista com muito conteúdo expressionista fundada por Herwarth Walden , com uma galeria associada em Berlim inaugurada em 1912 e uma companhia de teatro e escola em 1918. Filmes considerados expressionistas, alguns considerados clássicos, incluem O Gabinete do Dr. Caligari ( Robert Wiene , 1920), Nosferatu ( FW Murnau , 1922) e Metropolis ( Fritz Lang , 1927).
Após a Primeira Guerra Mundial, ocorreu uma tendência de retirada da vanguarda de muitos artistas, vista na obra dos fauvistas originais durante a década de 1920, nos períodos neoclássicos de Picasso e Stravinsky e na obra tardia de De Chirico . Essa tendência foi chamada de Nova Objetividade (ca. 1919-1933) na Alemanha e, em contraste com a natureza nostálgica dessa obra em outros lugares, foi caracterizada por desilusão e críticas sociais implacáveis. Novos artistas objetividade principalmente emergiu expressionista e dada meios incluindo Otto Dix , Christian Schad , Rudolf Schlichter , Georg Scholz , e Jeanne Mammen . Max Beckmann e George Grosz também tiveram alguma associação com uma nova objetividade por um período. Embora não seja intrinsecamente expressionista, a Staatliches Bauhaus (Escola de Construção: 1919–1933) foi uma influente escola alemã que mesclava artesanato, decoração e belas artes. Mudando de Weimar, para Dessau, para Berlim, mudou e evoluiu em foco com o tempo. Os diretores incluíram os arquitetos Walter Gropius (1919–1928), Hannes Meyer (1928–1930) e Ludwig Mies van der Rohe (1930–1933). Em vários pontos o corpo docente incluiu Josef Albers , Theo van Doesburg , Lyonel Feininger , Johannes Itten , Paul Klee , Wassily Kandinsky , El Lissitzky , Gerhard Marcks , László Moholy-Nagy , Oskar Schlemmer . Os arquitetos da Bauhaus influenciaram fortemente o Estilo Internacional , que se caracterizou por formas simplificadas, falta de ornamentação, união de design e função e a ideia de que a produção em massa poderia ser compatível com a visão artística pessoal. Quando o Partido Nazista subiu ao poder, a arte moderna foi apelidada de " arte degenerada " e a Bauhaus foi fechada em 1933, subjugando o modernismo na Alemanha por vários anos.
Esqueletos lutando pelo corpo de um enforcado ; por James Ensor ; 1891; óleo sobre tela; 59 × 74 cm; Museu Real de Belas Artes de Antuérpia
No Matadouro ; por Lovis Corinth ; 1893; óleo sobre tela, 78 × 89 cm; Staatsgalerie Stuttgart
O grito ; por Edvard Munch ; 1893; óleo, têmpera e pastel sobre cartão, 91 × 73 cm; Galeria Nacional da Noruega
Os cossacos ; por Wassily Kandinsky ; 1910–11; óleo sobre tela, 94 × 130 cm; Tate Modern
A vaca amarela ; por Franz Marc ; 1911; óleo sobre tela, 140,5 × 189,2 cm; Museu Solomon R. Guggenheim
O Vingador ; por Ernst Barlach ; 1914; bronze, 58,4 cm. largura; Galeria Nacional de Arte
Auto-retrato como soldado ; por Ernst Ludwig Kirchner ; 1915, 69,2 × 60,9 cm .; Allen Memorial Art Museum
Morte e a Donzela ; por Egon Schiele ; 1915; óleo sobre tela, 150 × 180 cm; Österreichische Galerie Belvedere
The Fallen ; por Wilhelm Lehmbruck ; 1915–16; gesso 29,5 × 94,5; Museu Wilhelm Lehmbruck, Duisburg
A noite ; por Max Beckmann ; 1918-19; óleo sobre tela, 133 × 154 cm, Kunstsammlung Nordrhein-Westfalen
Natureza morta com Rayfish ; por Chaïm Soutine ; ca. 1924; óleo sobre tela, 81,3 × 100 cm; Museu Metropolitano de Arte
Grosses Schauspielhaus ( Grande Teatro ); por Hans Poelzig ; 1919; Berlim, Alemanha
Torre Einstein ; por Erich Mendelsohn ; 1920. Potsdam, Alemanha
Gabinete do Dr. Caligari ; pelo Atelier Ledl Bernhard; 1920; pôster promocional do filme dirigido por Robert Wiene
Fish Magic ; por Paul Klee ; 1925; óleo e aquarela sobre tela no painel, 77 × 98 cm .; Museu de Arte da Filadélfia
Cubismo
O cubismo consistia na rejeição da perspectiva, o que leva a uma nova organização do espaço onde os pontos de vista se multiplicam produzindo uma fragmentação do objeto que torna óbvia a predileção pela forma sobre o conteúdo da representação. Pablo Picasso , Georges Braque e outros artistas cubistas inspiraram-se nas esculturas da Península Ibérica , África e Oceania expostas no Louvre e no museu etnográfico do Trocadéro , e que eram oferecidas em feiras e salões de venda.
'Um Picasso estuda um objeto da mesma forma que um cirurgião disseca um cadáver', escreveu o crítico e poeta Guillaume Apollinaire em 1913. Cinco anos antes, Pablo Picasso e Georges Braque - amigos, colegas e rivais - começaram a rejeitar o realismo de perspectiva para uma forma de autópsia artística: um estilo de pintura totalmente revolucionário que olhou dentro e ao redor dos objetos, apresentando-os analiticamente, objetivamente e completamente impessoal.
Les Demoiselles d'Avignon ; por Pablo Picasso ; 1907; óleo sobre tela; 244 × 234 cm; Museu de Arte Moderna
Casas em l'Estaque ; por Georges Braque ; 1908; óleo sobre tela; 73 × 59,5 cm; Museu Lille Métropole de Arte Moderna, Contemporânea e Extraordinária
Copo de cerveja e cartas de jogar ; por Juan Gris ; 1913; óleo e colagem sobre tela; 52,5 × 36,5 cm; Museu de Arte de Colombo
Formas únicas de continuidade no espaço ; por Umberto Boccioni ; 1913; bronze; altura: 1,09 m; Museu de Arte Moderna
Surrealismo (c. 1924-1950)
O surrealismo emergiu como uma facção do Dada , anunciando formalmente seu início em 1924 com o Manifesto de Surrealismo de André Breton . Originalmente um grupo literário de poetas e escritores em Paris, logo se desenvolveu em um movimento internacional que incluía pintores, escultores, fotógrafos e cineastas. Um Segundo Manifeste du Surréalisme foi publicado em 1929. O surrealismo não teve expressão significativa em artes aplicadas ou decorativas, arquitetura ou música, embora alguns exemplos isolados pudessem ser identificados (por exemplo, jogos de xadrez, móveis e Las Pozas ). A pequena e curta Escola Metafísica (c. 1910-1921), com Giorgio de Chirico como sua figura principal, teve grande influência no surrealismo. O surrealista explorou uma miríade de técnicas inovadoras, algumas haviam sido desenvolvidas recentemente no cubismo e dadá, outras eram novas, incluindo colagem , objetos encontrados, montagem, acaso, rayographs (fotogramas), pintura na areia, tinta pingando e arremessando, decalcomania , frottage , fumage e raclage. Duas abordagens fundamentais predominam a arte surrealista. O automatismo dominou nos primeiros anos, o que pode ser visto na obra de artistas como André Masson e Joan Miró . Outro artista, influenciado pelo trabalho de Giorgio de Chirico, usou métodos e meios mais tradicionais para ilustrar pensamentos não filtrados e justaposições incongruentes, incluindo Salvador Dalí e René Magritte . Artistas importantes incluem Jean Arp , Hans Bellmer , Victor Brauner , Luis Buñuel , Joseph Cornell , Óscar Domínguez , Max Ernst , Wifredo Lam , Yves Tanguy , Man Ray , Alberto Giacometti , Méret Oppenheim e Roberto Matta . Outros artistas importantes informalmente envolvidos com o surrealismo incluem Marcel Duchamp , Pablo Picasso e Frida Kahlo . Idéias e teorias surrealistas foram discutidas em uma série sucessiva de periódicos, La Révolution Surréaliste (1924-1929), Le Surrealisme au service de la revolution (1930-1933), Minotaure (1933-1939), VVV (1942-1944). As pinturas automáticas produzidas por André Masson e Joan Miró, assim como os retardatários do surrealismo como Roberto Matta e Arshile Gorky tiveram uma influência considerável no expressionismo abstrato no final dos anos 1940.
Com certa irreverência e desprezo dadá pelos valores tradicionais políticos, religiosos e burgueses da cultura ocidental que eles acreditavam ter levado o mundo à Primeira Guerra Mundial (Breton e outros membros fundadores eram veteranos); o surrealista explorou as possibilidades abertas por Sigmund Freud em relação ao subconsciente: "Puro automatismo psíquico, pelo qual se pretende expressar verbalmente, por escrito ou por qualquer outro método, o funcionamento real da mente. Ditado pelo pensamento, na ausência de qualquer controle exercido pela razão, e além de qualquer preocupação estética ou moral. " O surrealismo procurou expressar o pensamento puro, não filtrado e sem censura por princípios políticos, religiosos, morais ou racionais.
The Seer ; por Giorgio de Chirico ; 1914–15; óleo sobre tela; 89,6 × 70,1 cm; Museu de Arte Moderna
Tempo Transfixado ; por René Magritte ; 1938; óleo sobre tela; 147 × 98,7 cm; Art Institute of Chicago
Signe (Le vent) , de Victor Brauner ; 1942; marmore branco; 31 cm; Cimetière de Montmartre (Paris)
Meados do século 20
Arte pop
O termo 'Pop' apareceu pela primeira vez na impressão em um artigo do crítico inglês Lawrence Alloway em 1958, mas o novo interesse pela cultura popular e a tentativa de fazer arte a partir dela foram uma característica do Independent Group em Londres desde o início 1950 Richard Hamilton , Eduardo Paolozzi e outros discutiram a crescente cultura de massa de filmes, publicidade , ficção científica , consumismo , mídia e comunicações, design de produtos e novas tecnologias originadas na América, mas agora se espalhando pelo Ocidente. Eles eram particularmente fascinados por publicidade e design gráfico e de produto e queriam fazer arte e arquitetura que tivessem um apelo sedutor similar. Colagem de Hamilton O que torna as casas de hoje tão diferentes, tão atraentes? (1956), feito a partir de anúncios em revistas americanas, foi o primeiro trabalho a alcançar o status de ícone. A próxima geração de estudantes em Londres, incluindo Patrick Caulfield e David Hockney , também incorporou a cultura popular em suas colagens e montagens, e no período entre 1959 e 1962 alcançou notoriedade pública.
No início de 1960, no Estados Unidos eles mesmos, o público viu pela primeira vez as obras que desde que se tornaram famosos: Andy Warhol 's Marilyn Monroe , Roy Lichtenstein ' óleos de banda desenhada s, Claes Oldenburg gigantiv de vinil hambúrgueres e cones de sorvete e nus de Tom Wesselmann em ambientes domésticos que incorporam cortinas de chuveiro, telefones e armários de banheiro de verdade. A atenção do público culminou em uma grande exposição internacional montada na Galeria Sidney Janis em Nova York em 1962. Obras de artistas britânicos, franceses, italianos, suecos e americanos foram agrupados em torno dos temas do 'objeto diário', 'mídia de massa' e a 'repetição' ou 'acumulação' de objetos produzidos em massa. Foi um momento de definição. Sidney Janis foi o negociante líder de modernistas e expressionistas abstratos europeus de primeira linha , e sua exposição consagrou a obra como o próximo movimento histórico da arte a ser discutido e colecionado.
Eu vi a figura 5 em ouro ; por Charles Demuth ; 1928; 90,2 × 76,2 cm; Museu Metropolitano de Arte
Menina se afogando ; por Roy Lichtenstein ; 1963; óleo e tinta de polímero sintético sobre tela; 171,6 × 169,5 cm; Museu de Arte Moderna
Amor ; por Robert Indiana ; 1966; alumínio pintado; altura: 1,7 m; Shinjuku ( Tóquio , Japão)
Final do século 20 e início do século 21
Avanços rápidos na ciência e tecnologia levaram ao período moderno e pós - moderno tardio. Nestes períodos, a arte e as culturas do mundo passaram por muitas mudanças, e houve uma grande mistura de culturas, à medida que novas tecnologias de comunicação facilitaram a disseminação nacional e até global da música, arte e estilo. A separação das culturas regionais que marcou o século 19 foi substituída por uma cultura global. O pós-modernismo descreve um amplo movimento que se desenvolveu em meados do século 20 ao longo da filosofia, artes, arquitetura e crítica, que marcou um afastamento do modernismo. Uma visão contemporânea da arte pós-moderna mostra que ela pode ser entendida como uma expansão da mídia baseada em tecnologia, permitindo várias novas formas de arte simultaneamente. A transição dos movimentos artísticos lineares da era moderna do início do século 20 para vários movimentos simultâneos do pós-moderno do último século 20 é mostrada na Timeline of 20th.C Art and New Media . Movimentos artísticos específicos do final do século 20 e início do século 21 incluem land art , videoarte , fotorrealismo , hiperrealismo e arte digital .
Dona i Ocell ; por Joan Miró ; 1983; Parc Joan Miró
Lápis ; por Guerrino Boatto ; 1 de agosto de 1986; acrílico no scholler; 70 × 50 cm; coleção privada
Rose ; por Isa Genzken ; 1993; na frente de Neue Leipziger Messe ( Leipzig , Alemanha)
L'Ange Protecteur ; por Niki de Saint Phalle ; início em 1997; Zürich Hauptbahnhof
Maman ; por Louise Bourgeois ; bronze e vidro; início no final dos anos 1990; Guggenheim
Leão da guarda chinesa ; por Ai Weiwei ; 2014; gelo; Festival Internacional de Cinema de Estocolmo 2014
Paralelamente a este desenvolvimento, a interface entre os meios de comunicação, então bastante separados, no estreito entendimento do conceito de arte, entre pintura e fotografia tornou-se arte historicamente relevante através da obra dos fotógrafos Pierre Cordier ( Chimigramm ) no início dos anos setenta, Paolo Monti ( quimigrama ) e Josef H. Neumann ( quimiograma ) nas novas Artes Visuel. Em 1974, o quimograma de Josef H. Neumann fechou a separação entre o fundo pictórico e a camada fotográfica, em que, em uma simbiose até então sem precedentes, eram inequivocamente únicos em uma perspectiva fotográfica simultânea pictórica e fotográfica real dentro de um camada fotográfica em cores e formas unidas.
Josef H. Neumann : Chemogramm, Gustav I (1976)
Paolo Monti : Chimigramm, Serie fotografica, 1970
Veja também
- Arte da europa
- Mercado de arte
- Movimento artístico
- Períodos de arte
- Arte antiga
- História da animação
- História da Arte Asiática
- História do cinema
- História da literatura
- História da musica
- História da pintura
- História da fotografia
- História do teatro
- Lista de movimentos artísticos
- Lista dos movimentos artísticos franceses
- Lista de estilos musicais
- Linha do tempo para a invenção nas artes
- Linha do tempo da arte
- História da arte ocidental
- Mulheres artistas
Notas
Referências
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Leitura adicional
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links externos
- "Arte: A história das ideias na literatura e as artes na teoria estética e na crítica literária" - O Dicionário da História das Ideias
- Recursos de história da arte
- Projeto Ars Summum