Crítica de arte - Art criticism

Macacos como juízes de arte , 1889, Gabriel von Max

A crítica de arte é a discussão ou avaliação das artes visuais . Os críticos de arte costumam criticar a arte no contexto da estética ou da teoria da beleza. Um objetivo da crítica de arte é a busca de uma base racional para a apreciação da arte, mas é questionável se tal crítica pode transcender as circunstâncias sócio-políticas prevalecentes.

A variedade de movimentos artísticos resultou em uma divisão da crítica de arte em diferentes disciplinas, que podem usar critérios diferentes para seus julgamentos. A divisão mais comum no campo da crítica é entre crítica histórica e avaliação, uma forma de história da arte , e crítica contemporânea do trabalho de artistas vivos.

Apesar da percepção de que a crítica de arte é uma atividade de risco muito menor do que fazer arte, as opiniões sobre a arte atual estão sempre sujeitas a correções drásticas com o passar do tempo. Os críticos do passado costumam ser ridicularizados por dispensar artistas agora venerados (como os primeiros trabalhos dos impressionistas ). Alguns movimentos de arte foram nomeados depreciativamente pelos críticos, com o nome posteriormente adotado como uma espécie de emblema de honra pelos artistas do estilo (por exemplo, Impressionismo , Cubismo ), com o significado negativo original esquecido.

Os artistas costumam ter um relacionamento difícil com seus críticos. Os artistas geralmente precisam de opiniões positivas dos críticos para que seu trabalho seja visto e comprado; infelizmente para os artistas, somente as gerações posteriores podem entendê-lo.

A arte é uma parte importante do ser humano e pode ser encontrada em todos os aspectos de nossas vidas, independentemente da cultura ou época. Existem muitas variáveis ​​diferentes que determinam o julgamento da arte, como estética, cognição ou percepção. A arte pode ser objetiva ou subjetiva com base na preferência pessoal em relação à estética e à forma. Pode ser baseada nos elementos e princípios do design e pela aceitação social e cultural. A arte é um instinto humano básico com uma ampla gama de formas e expressões. A arte pode ficar sozinha com um julgamento instantâneo ou pode ser vista com um conhecimento mais profundo e educado. Teorias estéticas, pragmáticas, expressivas, formalistas, relativistas, processionais, de imitação, ritual, cognição, miméticas e pós-modernas são algumas das muitas teorias para criticar e apreciar a arte. A crítica e a apreciação de arte podem ser subjetivas com base na preferência pessoal em relação à estética e à forma, ou podem ser baseadas nos elementos e princípios do design e na aceitação social e cultural.

Definição

A crítica de arte tem muitos e muitas vezes numerosos pontos de vista subjetivos que são quase tão variados quanto o número de pessoas que a praticam. É difícil chegar a uma definição mais estável do que a atividade relacionada à discussão e interpretação da arte e seu valor. Dependendo de quem está escrevendo sobre o assunto, a própria "crítica de arte" pode ser evitada como um objetivo direto ou pode incluir a história da arte em sua estrutura. Independentemente dos problemas de definição, a crítica de arte pode se referir à história do ofício em seus ensaios e a própria história da arte pode usar métodos críticos implicitamente. De acordo com o historiador da arte R. Siva Kumar , "as fronteiras entre a história da arte e a crítica de arte ... não estão mais tão firmemente traçadas como costumavam ser. Talvez tenha começado com historiadores da arte se interessando pela arte moderna."

Metodologia

A crítica de arte inclui um aspecto descritivo, em que a obra de arte é suficientemente traduzida em palavras para permitir a argumentação. A avaliação de uma obra de arte que segue a descrição (ou é intercalada com ela) depende tanto da produção do artista quanto da experiência do crítico. Em uma atividade com um componente subjetivo tão marcante, há uma variedade de maneiras pelas quais ela pode ser realizada. Como extremos em um espectro possível, enquanto alguns favorecem simplesmente observar as impressões imediatas causadas por um objeto artístico, outros preferem uma abordagem mais sistemática que invoca o conhecimento técnico, a teoria estética favorecida e o contexto sociocultural conhecido em que o artista está imerso para discernir sua intenção .

História

Artigo principal: História da crítica de arte

As críticas à arte provavelmente se originaram nas origens da própria arte, como evidenciado por textos encontrados nas obras de Platão , Vitrúvio ou Agostinho de Hipona, entre outros, que contêm formas iniciais de crítica de arte. Além disso, patronos ricos empregaram, pelo menos desde o início do Renascimento , avaliadores de arte intermediários para auxiliá-los na obtenção de encomendas e / ou peças acabadas.

Origens

Jonathan Richardson cunhou o termo "crítica de arte" em 1719.

A crítica de arte como gênero da escrita, ganhou sua forma moderna no século XVIII. O primeiro uso do termo crítica de arte foi pelo pintor inglês Jonathan Richardson em sua publicação de 1719, An Essay on the Whole Art of Criticism . Neste trabalho, ele tentou criar um sistema objetivo para a classificação das obras de arte. Sete categorias, incluindo desenho, composição, invenção e coloração, receberam uma pontuação de 0 a 18, que foram combinadas para dar uma pontuação final. O termo que ele introduziu rapidamente pegou, especialmente quando a classe média inglesa começou a ser mais criteriosa em suas aquisições de arte, como um símbolo de seu status social ostensivo.

Na França e na Inglaterra em meados do século XVIII, o interesse público pela arte começou a se espalhar, e a arte era regularmente exibida nos Salões de Paris e nas Exposições de Verão de Londres. Os primeiros escritores a adquirir uma reputação individual como críticos de arte na França do século 18 foram Jean-Baptiste Dubos com sua Réflexions critiques sur la poésie et sur la peinture (1718), que ganhou a aclamação de Voltaire pela sagacidade de sua abordagem da teoria estética ; e Étienne La Font de Saint-Yenne com Reflexions sur quelques cause de l'état présent de la peinture en France, que escreveu sobre o Salão de 1746, comentando sobre o quadro socioeconômico da produção do então popular estilo de arte barroca , que levou a uma percepção de sentimentos antimonarquistas no texto.

O escritor francês do século 18, Denis Diderot , avançou muito no meio da crítica de arte. O "Salão de 1765" de Diderot foi uma das primeiras tentativas reais de capturar a arte em palavras. De acordo com o historiador da arte Thomas E. Crow , "quando Diderot se dedicou à crítica de arte, foi nos calcanhares da primeira geração de escritores profissionais que se dedicaram a oferecer descrições e julgamentos da pintura e escultura contemporânea. A demanda por esses comentários era um produto da instituição igualmente nova de exibições públicas regulares e gratuitas da arte mais recente ".

Enquanto isso, na Inglaterra, uma exposição da Society of Arts em 1762 e mais tarde, em 1766, gerou uma enxurrada de panfletos críticos, embora anônimos. Jornais e periódicos do período, como o London Chronicle , começaram a publicar colunas de crítica de arte; uma forma que decolou com a fundação da Royal Academy em 1768. Na década de 1770, o Morning Chronicle se tornou o primeiro jornal a revisar sistematicamente a arte apresentada em exposições.

século 19

John Ruskin , o proeminente crítico de arte da Inglaterra do século XIX.

A partir do século XIX, a crítica de arte tornou-se uma vocação e até uma profissão mais comum, desenvolvendo, por vezes, métodos formalizados baseados em determinadas teorias estéticas . Na França, uma cisão surgiu na década de 1820 entre os proponentes das formas tradicionais de arte neoclássica e a nova moda romântica . Os neoclássicos, sob o comando de Étienne-Jean Delécluze, defenderam o ideal clássico e preferiram a forma cuidadosamente acabada nas pinturas. Românticos, como Stendhal , criticaram os estilos antigos como excessivamente estereotipados e desprovidos de qualquer sentimento. Em vez disso, eles defenderam as novas nuances expressivas, idealistas e emocionais da arte romântica. Um debate semelhante, embora mais silencioso, também ocorreu na Inglaterra.

Um dos críticos de destaque na Inglaterra na época era William Hazlitt , pintor e ensaísta. Ele escreveu sobre seu profundo prazer pela arte e sua crença de que as artes poderiam ser usadas para melhorar a generosidade de espírito da humanidade e o conhecimento do mundo ao seu redor. Ele fez parte de uma maré crescente de críticos ingleses que começou a ficar inquieto com a direção cada vez mais abstrata que a arte da paisagem de JMW Turner estava tomando.

Um dos grandes críticos do século 19 foi John Ruskin . Em 1843, ele publicou Modern Painters , que repetiu conceitos de "Landscape and Portrait-Painting" em The Yankee (1829), do primeiro crítico de arte americano John Neal, em sua distinção entre "coisas vistas pelo artista" e "coisas como são". Por meio de uma análise meticulosa e atenção aos detalhes, Ruskin alcançou o que o historiador da arte EH Gombrich chamou de "o trabalho mais ambicioso de crítica de arte científica já tentado". Ruskin tornou-se conhecido por sua prosa rica e fluente, e mais tarde na vida ele se ramificou para se tornar um crítico ativo e abrangente, publicando obras sobre arquitetura e arte renascentista , incluindo as Pedras de Veneza .

O Salão de Charles Baudelaire de revisão de arte de 1845 chocou o público com suas idéias.

Outra figura dominante na crítica de arte do século 19 foi o poeta francês Charles Baudelaire , cujo primeiro trabalho publicado foi sua crítica de arte Salon de 1845 , que atraiu atenção imediata por sua ousadia. Muitas de suas opiniões críticas eram novas em sua época, incluindo sua defesa de Eugène Delacroix . Quando a famosa Olympia de Édouard Manet (1865), um retrato de uma cortesã nua, provocou um escândalo por seu realismo flagrante, Baudelaire trabalhou em particular para apoiar seu amigo. Afirmou que "a crítica deve ser parcial, apaixonada, política - isto é, formada de um ponto de vista exclusivo, mas também de um ponto de vista que abra o maior número de horizontes". Procurou deslocar o debate das velhas posições binárias das décadas anteriores, declarando que “o verdadeiro pintor, será aquele que arrancar da vida contemporânea o seu aspecto épico e fazer-nos ver e compreender, com a cor ou no desenho, quão grande e poéticos estamos em nossas gravatas e nossas botas engraxadas ”.

Em 1877, John Ruskin ridicularizou Nocturne in Black and Gold: The Falling Rocket depois que o artista, James McNeill Whistler , o exibiu na Grosvenor Gallery : "Eu vi e ouvi muito da impudência cockney antes; mas nunca esperei ouvir um coxcomb pede duzentos guinéus para jogar um pote de tinta na cara do público. " Essa crítica levou Whistler a processar o crítico por difamação. O processo judicial que se seguiu provou ser uma vitória de Pirro para Whistler.

Virada do século vinte

Auto-retrato de Roger Fry , descrito pelo historiador da arte Kenneth Clark como "incomparavelmente a maior influência no gosto desde Ruskin ... Na medida em que o gosto pode ser mudado por um homem, ele foi mudado por Roger Fry".

No final do século XIX, um movimento em direção à abstração, em oposição ao conteúdo específico, começou a ganhar espaço na Inglaterra, notadamente defendido pelo dramaturgo Oscar Wilde . No início do século XX, essas atitudes formalmente se fundiram em uma filosofia coerente, por meio do trabalho dos membros do Grupo Bloomsbury , Roger Fry e Clive Bell . Como historiador da arte na década de 1890, Fry ficou intrigado com a nova arte modernista e seu afastamento da representação tradicional. Sua exposição de 1910 do que ele chamou de arte pós-impressionista atraiu muitas críticas por sua iconoclastia. Ele se defendeu vigorosamente em uma palestra, na qual argumentou que a arte se moveu para tentar descobrir a linguagem da imaginação pura, ao invés da captura científica séria e, para ele, desonesta da paisagem. O argumento de Fry provou ser muito influente na época, especialmente entre a elite progressista. Virginia Woolf observou que: "por volta de dezembro de 1910 [a data em que Fry deu sua palestra], o caráter humano mudou".

Independentemente, e ao mesmo tempo, Clive Bell argumentou em seu livro Art, de 1914, que toda obra de arte tem sua "forma significativa" particular, enquanto o tema convencional era essencialmente irrelevante. Este trabalho lançou as bases para a abordagem formalista da arte. Em 1920, Fry argumentou que "para mim é tudo igual se represento um Cristo ou uma panela, pois é a forma, e não o objeto em si, que me interessa". Além de ser um defensor do formalismo , ele argumentou que o valor da arte reside em sua capacidade de produzir uma experiência estética distinta no espectador. uma experiência que ele chamou de "emoção estética". Ele a definiu como aquela experiência que é despertada por uma forma significativa. Ele também sugeriu que a razão pela qual experimentamos a emoção estética em resposta à forma significativa de uma obra de arte é que percebemos essa forma como uma expressão de uma experiência que o artista tem. A experiência do artista, por sua vez, sugeriu ele, era a experiência de ver objetos comuns no mundo como forma pura: a experiência que se tem quando se vê algo não como um meio para outra coisa, mas como um fim em si mesmo.

Herbert Read foi um campeão de artistas britânicos modernos como Paul Nash , Ben Nicholson , Henry Moore e Barbara Hepworth e tornou-se associado ao grupo de artes contemporâneas Unit One de Nash. Ele se concentrou no modernismo de Pablo Picasso e Georges Braque , e publicou um influente ensaio de 1929 sobre o significado da arte em O Ouvinte . Ele também editou a inovadora Burlington Magazine (1933–38) e ajudou a organizar a London International Surreallist Exhibition em 1936.

Desde 1945

Como no caso de Baudelaire no século 19, o fenômeno do poeta-crítico reaparece no século 20, quando o poeta francês Apollinaire se torna o campeão do cubismo. Mais tarde, o escritor francês e herói da Resistência André Malraux escreveu muito sobre arte, indo muito além dos limites de sua Europa natal. Sua convicção de que a vanguarda na América Latina estava no muralismo mexicano ( Orozco , Rivera e Siqueiros ) mudou depois de sua viagem a Buenos Aires em 1958. Depois de visitar os estúdios de vários artistas argentinos na companhia do jovem diretor do Museu de Arte Moderna de Buenos Aires Rafael Squirru , Malraux declarou a nova vanguarda dos novos movimentos artísticos argentinos . Squirru, um poeta-crítico que se tornou Diretor Cultural da OEA em Washington, DC , durante os anos 1960, foi o último a entrevistar Edward Hopper antes de sua morte, contribuindo para um renascimento do interesse pelo artista americano.

Na década de 1940, não havia apenas poucas galerias ( The Art of This Century ), mas também poucos críticos dispostos a seguir o trabalho do New York Vanguard . Havia também alguns artistas com formação literária, entre eles Robert Motherwell e Barnett Newman, que também atuaram como críticos.

Embora Nova York e o mundo não estivessem familiarizados com a vanguarda nova-iorquina , no final dos anos 1940 a maioria dos artistas que se tornaram nomes conhecidos hoje tinha seus críticos patrões bem estabelecidos. Clement Greenberg defendeu Jackson Pollock e os pintores do campo de cores como Clyfford Still , Mark Rothko , Barnett Newman, Adolph Gottlieb e Hans Hofmann . Harold Rosenberg parecia preferir os pintores de ação como Willem de Kooning e Franz Kline . Thomas B. Hess , o editor-chefe da ARTnews , defendeu Willem de Kooning .

Os novos críticos elevaram seus protegidos classificando outros artistas como "seguidores" ou ignorando aqueles que não cumpriam seu objetivo promocional. Por exemplo, em 1958, Mark Tobey "se tornou o primeiro pintor americano desde Whistler (1895) a ganhar o prêmio máximo na Bienal de Veneza. As duas principais revistas de arte de Nova York não se interessaram. Arts mencionou o evento histórico apenas em uma coluna de notícias e Art News (editor administrativo: Thomas B. Hess) ignorou-o completamente. O New York Times e a Life publicaram artigos ".

Barnett Newman , um membro tardio do Uptown Group, escreveu prefácios e resenhas para catálogos e, no final da década de 1940, tornou-se expositor na Galeria Betty Parsons. Sua primeira mostra individual foi em 1948. Logo após sua primeira exposição, Barnett Newman comentou em uma das Sessões de Artistas do Studio 35: “Estamos em processo de fazer o mundo, em certa medida, à nossa própria imagem”. Utilizando suas habilidades de escrita, Newman lutou em cada etapa do caminho para reforçar sua imagem recém-estabelecida como artista e promover seu trabalho. Um exemplo é sua carta a Sidney Janis em 9 de abril de 1955:

É verdade que Rothko fala o lutador. Ele luta, no entanto, para se submeter ao mundo filisteu. Minha luta contra a sociedade burguesa envolveu a rejeição total dela.

A pessoa que provavelmente teve mais a ver com a promoção desse estilo foi um trotskista de Nova York , Clement Greenberg . Como crítico de arte de longa data da Partisan Review e da The Nation , ele se tornou um dos primeiros e letrado defensor do expressionismo abstrato. O artista Robert Motherwell , abastado, juntou-se a Greenberg na promoção de um estilo que se adequava ao clima político e à rebeldia intelectual da época.

Clement Greenberg proclamou o expressionismo abstrato e Jackson Pollock em particular como o epítome do valor estético. Greenberg apoiou o trabalho de Pollock em bases formalistas simplesmente como a melhor pintura de sua época e a culminação de uma tradição de arte que remonta ao cubismo e Cézanne a Monet , em que a pintura se tornou cada vez mais "pura" e mais concentrada no que era "essencial" para ela , a realização de marcas em uma superfície plana.

O trabalho de Jackson Pollock sempre polarizou os críticos. Harold Rosenberg falou da transformação da pintura em drama existencial na obra de Pollock, em que "o que estava para ir para a tela não era uma imagem, mas um acontecimento". "O grande momento veio quando foi decidido pintar 'apenas para pintar'. O gesto na tela foi um gesto de libertação do valor - político, estético, moral."

Um dos maiores críticos do expressionismo abstrato na época foi o crítico de arte do New York Times , John Canaday . Meyer Schapiro e Leo Steinberg também foram importantes historiadores da arte do pós-guerra que expressaram apoio ao expressionismo abstrato. Entre o início e meados dos anos 60, os críticos de arte mais jovens, Michael Fried , Rosalind Krauss e Robert Hughes, acrescentaram insights consideráveis ​​sobre a dialética crítica que continua a crescer em torno do expressionismo abstrato.

Crítica de arte feminista

A crítica de arte feminista surgiu na década de 1970 do movimento feminista mais amplo como o exame crítico das representações visuais das mulheres na arte e da arte produzida por mulheres . Continua a ser um importante campo da crítica de arte.

Hoje

Os críticos de arte hoje trabalham não apenas na mídia impressa e em revistas especializadas de arte, mas também em jornais. Os críticos de arte aparecem também na internet, TV e rádio, bem como em museus e galerias. Muitos também trabalham em universidades ou como educadores de arte em museus. Os críticos de arte são curadores de exposições e são freqüentemente empregados para escrever catálogos de exposições. Os críticos de arte têm sua própria organização, uma organização não governamental da UNESCO , chamada Associação Internacional de Críticos de Arte, que tem cerca de 76 seções nacionais e uma seção política não alinhada para refugiados e exilados.

Blogs de arte

Artigo principal: Art blog

Desde o início do século 21, sites e blogs de arte críticos online surgiram em todo o mundo para adicionar suas vozes ao mundo da arte. Muitos desses escritores usam recursos de mídia social como Facebook, Twitter, Tumblr e Google+ para apresentar aos leitores suas opiniões sobre a crítica de arte.

Veja também

Referências

links externos