Arte helenística - Hellenistic art

Arte helenística
Da esquerda para a direita:
a Vênus de Milo , descoberta na ilha grega de Milos , 130–100 aC, Louvre ,
a Vitória Alada de Samotrácia , da ilha de Samotrácia , 200-190 aC, Altar do Louvre
Pergamon , Museu Pergamon , Berlim.
Hades raptando Perséfone , afresco na tumba real em Vergina , Macedônia, Grécia , c. 340 AC

A arte helenística é a arte do período helenístico geralmente considerada para começar com a morte de Alexandre o Grande em 323 aC e terminar com a conquista do mundo grego pelos romanos , um processo bem encaminhado por volta de 146 aC, quando o continente grego foi tomado , e essencialmente terminando em 30 AEC, com a conquista do Egito ptolomaico após a Batalha de Ácio . Várias das obras mais conhecidas da escultura grega pertencem a este período, incluindo Laocoön e seus filhos , Vênus de Milo e a Vitória Alada de Samotrácia . Ele segue o período da arte grega clássica , enquanto a arte greco-romana que se sucedeu foi em grande parte uma continuação das tendências helenísticas.

O termo helenístico se refere à expansão da influência grega e à disseminação de suas idéias após a morte de Alexandre - a "helenização" do mundo, com o grego koiné como língua comum. O termo é uma invenção moderna; o Mundo Helenístico não apenas incluía uma enorme área cobrindo todo o Mar Egeu , ao invés da Grécia Clássica focada no Poleis de Atenas e Esparta , mas também uma enorme faixa de tempo. Em termos artísticos, isso significa que há uma grande variedade que é frequentemente classificada como "Arte Helenística" por conveniência.

Uma das características definidoras do período helenístico foi a divisão do império de Alexandre em impérios dinásticos menores fundados pelos diadochi (generais de Alexandre que se tornaram regentes de diferentes regiões): os Ptolomeus no Egito , os Selêucidas na Mesopotâmia , Pérsia e Síria , o Attalids in Pergamon , etc. Cada uma dessas dinastias praticava um patrocínio real que diferia daqueles das cidades-estados. Na comitiva de Alexandre havia três artistas: Lísipo, o escultor, Apeles , o pintor e Pyrgoteles, o lapidário e gravador. O período após sua morte foi de grande prosperidade e considerável extravagância para grande parte do mundo grego, pelo menos para os ricos. A realeza tornou-se patrocinadora importante da arte. A escultura, a pintura e a arquitetura prosperaram, mas a pintura em vaso deixou de ter grande importância. O trabalho em metal e uma grande variedade de artes de luxo produziram muitas belas-artes. Alguns tipos de arte popular eram cada vez mais sofisticados.

Tem havido uma tendência na história da escrita de retratar a arte helenística como um estilo decadente, seguindo a Idade de Ouro da Grécia Clássica . Os termos do século XVIII, barroco e rococó, foram por vezes aplicados à arte deste período complexo e individual. Um renovado interesse pela historiografia , bem como por algumas descobertas recentes, como os túmulos de Vergina , podem permitir uma melhor apreciação do período.

Arquitetura

A fachada da Antiga Tumba da Macedônia das Palmettes , século III aC, Mieza, Macedônia , Grécia ; decorado com molduras dóricas e jônicas coloridas , o frontão também é pintado com uma cena de um homem e uma mulher reclinados juntos.

No campo arquitetônico, as dinastias posteriores a Heitor resultaram em vastos planos urbanos e grandes complexos que, em sua maioria, desapareceram das cidades-estado no século V aC. O templo dórico estava virtualmente abandonado. Este planejamento urbano foi bastante inovador para o mundo grego; em vez de manipular o espaço corrigindo suas falhas, os planos de construção se conformavam ao ambiente natural. Nota-se o surgimento de muitos locais de diversão e lazer, notadamente a multiplicação de teatros e parques. As monarquias helenísticas tinham uma vantagem nesse aspecto, pois muitas vezes possuíam vastos espaços onde podiam construir grandes cidades: como Antioquia , Pérgamo e Selêucia, no Tigre .

Era a época do gigantismo: assim era para o segundo templo de Apolo em Dídima , situado a vinte quilômetros de Mileto, na Jônia . Foi projetado por Daphnis de Mileto e Paionios de Éfeso no final do século IV aC, mas a construção, nunca concluída, foi realizada até o século II dC. O santuário é um dos maiores já construídos na região do Mediterrâneo: dentro de um vasto pátio (21,7 metros por 53,6 metros), a cella é cercada por uma colunata dupla de 108 colunas jônicas de quase 20 metros de altura, com bases e capitéis ricamente esculpidos .

Atenas

A ordem coríntia foi usada pela primeira vez em um edifício em grande escala no Templo de Zeus Olímpico .

Olynthus

A antiga cidade de Olynthus foi um dos pilares arquitetônicos e artísticos no estabelecimento de uma conexão entre os mundos clássico e helenístico.

Mais de 100 casas foram encontradas na cidade de Olynthus. Curiosamente, as casas e outras arquiteturas foram incrivelmente bem preservadas. Isso nos permite entender melhor as atividades que aconteciam nas residências e como o espaço dentro das residências era organizado e utilizado.

As casas em Olynthus costumavam ter um formato mais quadrado. A casa desejada não era necessariamente grande ou extravagante, mas confortável e prática. Esta foi uma marca de civilização extremamente proeminente na cultura grega durante o período helenístico e depois. Viver uma vida civilizada envolveu manter um espaço de vida robusto, portanto, muitos materiais parecidos com tijolos foram usados ​​na construção das casas. Pedra, madeira, tijolos de barro e outros materiais eram comumente usados ​​para construir essas moradias.

Outro elemento que se tornou cada vez mais popular durante o período helenístico foi a adição de um pátio à casa. Os pátios serviam de fonte de luz para a casa, pois as casas gregas eram fechadas do lado de fora para manter um nível de privacidade. Foram encontradas janelas em alguns locais residenciais, mas geralmente são pequenas e altas. Por causa da questão da privacidade, muitos indivíduos foram forçados a se comprometer com a luz em casa. Espaços bem iluminados eram usados ​​para entretenimento ou mais atividades públicas, enquanto os setores privados da casa eram escuros e fechados, o que complicava o trabalho doméstico.

Os pátios costumavam ser o foco da casa, pois proporcionavam um espaço de entretenimento e uma fonte de luz do interior da casa. Eles eram pavimentados com paralelepípedos ou seixos na maioria das vezes, mas houve descobertas de pátios com mosaicos. Os mosaicos são uma forma maravilhosa de a família expressar os seus interesses e crenças, bem como uma forma de adicionar decoração à casa e torná-la visualmente mais apelativa. Este toque artístico para casas em Olynthus introduz outro elemento da vida civilizada para esta sociedade helenística.

Pergamon

Pergamon em particular é um exemplo característico da arquitetura helenística. Partindo de uma simples fortaleza localizada na Acrópole , os vários reis Attalid montaram um colossal complexo arquitetônico. Os edifícios são espalhados ao redor da Acrópole para levar em conta a natureza do terreno. A ágora , localizada ao sul no terraço mais baixo, é delimitada por galerias com colunatas (colunas) ou stoai . É o início de uma rua que atravessa toda a Acrópole: separa os edifícios administrativos, políticos e militares a nascente e topo da rocha dos santuários a poente, a meia altura, entre os quais o mais proeminente é aquele que abriga o monumental Altar de Pérgamo , conhecido como "dos doze deuses" ou "dos deuses e dos gigantes", uma das obras-primas da escultura grega. Um colossal teatro, com capacidade para cerca de 10.000 espectadores, tem bancos embutidos nas encostas do morro.

Escultura

Plínio, o Velho , após ter descrito a escultura das notas do período clássico: Cessavit deinde ars ("então a arte desapareceu"). De acordo com a avaliação de Plínio, a escultura diminuiu significativamente após a 121ª Olimpíada (296–293 aC). Seguiu-se um período de estagnação, com um breve reavivamento após o 156º (156-153 aC), mas nada se comparasse ao padrão dos tempos anteriores.

Retrato de bronze de um modelo desconhecido, com olhos embutidos, período helenístico, século I aC, encontrado no Lago Palestra da Ilha de Delos .

Durante este período, a escultura tornou-se mais naturalista e também expressiva; há interesse em descrever extremos de emoção. No topo do realismo anatômico, o artista helenístico busca representar o caráter de seu sujeito, incluindo temas como sofrimento, sono ou velhice. Temas de gênero de pessoas comuns, mulheres, crianças, animais e cenas domésticas tornaram-se temas aceitáveis ​​para a escultura, que foi encomendada por famílias ricas para o adorno de suas casas e jardins; o Menino com Espinho é um exemplo.

O Fauno de Barberini , cópia helenística do século 2 aC ou romana do século 2 dC de um bronze anterior

Retratos realistas de homens e mulheres de todas as idades foram produzidos, e os escultores não se sentiam mais obrigados a retratar as pessoas como ideais de beleza ou perfeição física. O mundo de Dionísio , um idílio pastoral povoado por sátiros , mênades , ninfas e sileni , costumava ser retratado em pinturas e estatuetas de vasos anteriores, mas raramente em esculturas em tamanho real. O velho bêbado de Munique retrata sem reservas uma velha, magra, abatida, segurando contra si sua jarra de vinho.

Retrato

O período é, portanto, notável por seus retratos : Um deles é o Fauno Barberini de Munique , que representa um sátiro adormecido com postura relaxada e rosto ansioso, talvez a presa de pesadelos. O Torso do Belvedere , o Sátiro em Repouso , os Centauros Furietti e o Hermafrodito Adormecido refletem ideias semelhantes.

Outro famoso retrato helenístico é o de Demóstenes de Polyeuktos, com rosto bem-feito e mãos postas.

Privatização

Outro fenômeno da era helenística aparece em sua escultura: a privatização, vista na retomada de padrões públicos mais antigos na escultura decorativa. O retrato é tingido de naturalismo, sob a influência da arte romana . Novas cidades helenísticas estavam surgindo por todo o Egito , Síria e Anatólia , o que exigia estátuas representando os deuses e heróis da Grécia para seus templos e locais públicos. Isso fez da escultura, como a cerâmica, uma indústria, com a consequente padronização e alguns rebaixamentos de qualidade. Por essas razões, muito mais estátuas helenísticas sobreviveram do que no período clássico.

Segundo classicismo

A escultura helenística repete as inovações do chamado "segundo classicismo": a escultura de nus em redondo , permitindo que a estátua seja admirada de todos os ângulos; estudo de drapeados e efeitos de transparência de roupas e flexibilidade de poses. Assim, Vênus de Milo , mesmo ecoando um modelo clássico, se distingue pela torção de seus quadris.

"Barroco"

O grupo de estátuas de várias figuras foi uma inovação helenística, provavelmente do século 3, tirando as batalhas épicas de relevos de frontões de templos anteriores de suas paredes e colocando-as como grupos de estátuas em tamanho real. Seu estilo é freqüentemente chamado de " barroco ", com poses corporais extravagantemente contorcidas e expressões intensas nos rostos. O Grupo Laocoön , detalhado a seguir, é considerado um dos exemplos prototípicos do estilo barroco helenístico.

Pergamon

O gaulês Ludovisi se matando e sua esposa, cópia romana após o original helenístico, Palazzo Massimo alle Terme .

Pergamon não se distinguiu apenas pela sua arquitetura: foi também a sede de uma brilhante escola de escultura conhecida como Barroco Pergameno . Os escultores, imitando os séculos anteriores, retratam momentos dolorosos tornados expressivos com composições tridimensionais, muitas vezes em forma de V, e hiper-realismo anatômico. O Fauno Barberini é um exemplo.

Gauleses

Attalus I (269–197 AC), para comemorar sua vitória em Caicus contra os gauleses ; - chamados de gálatas pelos gregos - teve duas séries de grupos votivos esculpidos: o primeiro, consagrado na Acrópole de Pérgamo, inclui o famoso gaulês se matando e sua esposa , da qual o original se perdeu; o segundo grupo, oferecido a Atenas, é composto por pequenos bronzes de gregos, amazonas, deuses e gigantes, persas e gauleses. Artemis Rospigliosi no Louvre é provavelmente uma cópia de um deles; quanto às cópias da Gália Agonizante , eram muito numerosas no período romano. A expressão dos sentimentos, a contundência dos detalhes - cabelos crespos e bigodes aqui - e a violência dos movimentos são característicos do estilo Pergamene.

Grande Altar

Essas características são levadas ao máximo nos frisos do Grande Altar de Pérgamo , decorado sob a ordem de Eumenes II (197-159 aC) com uma gigantomaquia de 110 metros de comprimento, ilustrando na pedra um poema composto especialmente para a corte . Os olímpicos triunfam, cada um ao seu lado, sobre os gigantes - a maioria dos quais se transforma em feras selvagens: serpentes, aves de rapina, leões ou touros. Sua mãe Gaia vem em seu auxílio, mas não pode fazer nada e deve vê-los se contorcer de dor sob os golpes dos deuses.

Colosso de Rodes

Uma das poucas cidades-estado que conseguiu manter total independência do controle de qualquer reino helenístico foi Rodes . Depois de resistir por um ano sob o cerco de Demetrius Poliorcetes (305-304 aC), os rodianos construíram o Colosso de Rodes para comemorar sua vitória. Com uma altura de 32 metros, foi uma das Sete Maravilhas do Mundo Antigo . O progresso na fundição do bronze possibilitou aos gregos a criação de grandes obras. Muitas das grandes estátuas de bronze foram perdidas - a maioria foi derretida para recuperar o material.

Laocoön

Descoberta em Roma em 1506 e vista imediatamente por Michelangelo , iniciando sua grande influência na arte renascentista e barroca. Laocoön , estrangulado por cobras, tenta desesperadamente afrouxar o aperto sem dar uma olhada em seus filhos moribundos. O grupo é uma das poucas esculturas antigas não arquitetônicas que podem ser identificadas com aquelas mencionadas por escritores antigos. Atribui-se por Plínio ao Rhodianos escultores Agesander , Athenodoros , e Polydorus .

O grupo central das esculturas de Sperlonga , com a Cegueira de Polifemo ; reconstrução do elenco do grupo, com à direita a figura original do “portador do odre” vista em frente à versão do elenco.

Johann Joachim Winckelmann , que primeiro articulou a diferença entre a arte grega, greco-romana e romana, inspirou-se no Laocoön . Gotthold Ephraim Lessing baseou muitas das idéias em seu 'Laocoon' (1766) nas visões de Winckelmann sobre harmonia e expressão nas artes visuais.

Sperlonga

As fragmentárias esculturas de Sperlonga são outra série de esculturas "barrocas" no estilo helenístico, talvez feitas para o imperador Tibério , que certamente esteve presente no desabamento da gruta à beira-mar no sul da Itália que eles decoraram. As inscrições sugerem que foram os mesmos escultores que fizeram o grupo Laocoön, ou possivelmente seus parentes.

Neo-Sótão

A partir do século II, o estilo neo-ático ou neoclássico é visto por diferentes estudiosos como uma reação aos excessos barrocos, voltando a uma versão do estilo clássico, ou como uma continuação do estilo tradicional para estátuas de culto. As oficinas desse estilo tornaram-se principalmente produtoras de cópias para o mercado romano, que preferia cópias de peças clássicas em vez de peças helenísticas.

Pinturas e mosaicos

Pinturas e mosaicos foram meios importantes na arte, mas nenhum exemplo de pinturas em painéis sobreviveu à queda pelos romanos. É possível ter uma ideia de como eles eram a partir de mídias relacionadas e o que parecem ser cópias ou derivações soltas de pinturas em uma gama mais ampla de materiais.

Panorama

O Mosaico do Nilo de Palestrina , um mosaico romano e helenístico que representa o Egito ptolomaico , c. 100 AC

Talvez o elemento mais marcante das pinturas e mosaicos helenísticos seja o aumento do uso da paisagem. As paisagens nessas obras de arte são representativas de figuras naturalistas familiares, ao mesmo tempo que exibem elementos mitológicos e sacro-idílicos. Frisos e mosaicos de paisagem eram comumente usados ​​para exibir cenas da poesia helenística, como a de Herondas e Teocritos. Essas paisagens que expressavam as histórias de escritores helenísticos eram utilizadas em casa para enfatizar a educação e o conhecimento daquela família sobre o mundo literário.

Sacro-idílico significa que os elementos mais proeminentes da obra de arte são aqueles relacionados a temas sagrados e pastorais. Este estilo que emergiu mais prevalentemente na arte helenística combina elementos sagrados e profanos, criando um cenário de sonho. As influências sacro-idílicas são transmitidas no mosaico romano " Mosaico do Nilo de Palestrina ", que demonstra narrativas fantásticas com um esquema de cores e componentes comuns que ilustram o Nilo em sua passagem da Etiópia para o Mediterrâneo. A inclusão de origens helenísticas também pode ser vista em obras em toda Pompéia, Cirene, Alexandria. Além disso, especificamente no sul da Rússia, características florais e ramos podem ser encontrados em paredes e tetos espalhados de uma maneira desordenada, mas convencional, espelhando um estilo grego tardio. Além disso, as pinturas do "Cubículo" encontradas na Villa Boscoreale incluem vegetação e um cenário rochoso no fundo de pinturas detalhadas de arquitetura grandiosa.

Pintura a fresco romana conhecida como "Cubículo" (quarto) do Sinistor da Villa de P. Fannius em Boscoreale , Museu Metropolitano de Arte de 50–40 aC, 14.03.13a – g.

Pinturas de parede

Cena de banquete da tumba de Agios Athanasios, Thessaloniki , século 4 a.C.
Pintura de parede funerária helenística de terracota, século 3 a.C.

As pinturas nas paredes começaram a aparecer com mais destaque no período de Pompeu. Essas pinturas murais não eram exibidas apenas em locais de culto ou em tumbas. Freqüentemente, pinturas de parede eram usadas para decorar a casa. As pinturas nas paredes eram comuns em casas particulares em Delos, Priene, Thera, Pantikapaion, Olbia e Alexandria.

Poucos exemplos de pinturas de parede gregas sobreviveram aos séculos. As mais impressionantes, em termos de mostrar como era a pintura grega de alta qualidade, são as dos túmulos reais macedônios em Vergina . Embora os pintores gregos sejam homenageados por trazer formas fundamentais de representação para o mundo ocidental por meio de sua arte. Três qualidades principais exclusivas do estilo de pintura helenística são a perspectiva tridimensional, o uso de luz e sombra para representar a forma e o realismo trompe-l'oeil . Muito poucas formas de pintura grega helenística sobreviveram, exceto os painéis de pinheiros de madeira e aqueles pintados em pedra. As pinturas em pedra mais famosas são encontradas na Tumba da Macedônia em Agios Athanasios .

Os pesquisadores se limitaram a estudar as influências helenísticas nos afrescos romanos , por exemplo, os de Pompéia ou Herculano . Além disso, algumas das pinturas em Villa Boscoreale refletem claramente as pinturas reais helenísticas perdidas da Macedônia.

Médiuns e técnica

Escavações recentes no Mediterrâneo revelaram a tecnologia usada na pintura helenística. A arte da parede deste período utilizava duas técnicas: técnica de secco e técnica de afrescos . A técnica de afresco exigia camadas de gesso rico em cal para decorar as paredes e os suportes de pedra. Por outro lado, nenhuma base foi necessária para a técnica secco, que utilizava goma arábica e têmpera de ovo para pintar detalhes de finalização em mármore ou outra pedra. Esta técnica é exemplificada nos frisos de Maçonaria encontrados em Delos. Ambas as técnicas usaram meios que eram acessíveis localmente, como agregados de terracota nas camadas de base e pigmentos inorgânicos naturais, pigmentos inorgânicos sintéticos e substâncias orgânicas como corantes.

Fresco de uma antiga soldado macedónia ( thorakitai ) que desgasta a cota de malha de armadura e tendo um thureos escudo.

Descobertas recentes

Descobertas recentes incluem as das tumbas da câmara em Vergina (1987) no antigo reino da Macedônia , onde muitos frisos foram desenterrados. Por exemplo, na Tumba II, os arqueólogos encontraram um friso de estilo helenístico representando uma caça ao leão. Este friso encontrado no túmulo supostamente o de Filipe II é notável por sua composição, a disposição das figuras no espaço e sua representação realista da natureza. Outros frisos mantêm uma narrativa realista, como um simpósio e banquete ou uma escolta militar, e possivelmente recontam eventos históricos.

Há também os afrescos nabateus do século I, recentemente restaurados, no teto da Casa Pintada em Little Petra, na Jordânia. Como os nabateus negociavam com os romanos, egípcios e gregos, os insetos e outros animais observados nas pinturas refletem o helenismo, enquanto vários tipos de videiras estão associados ao deus grego Dioniso .

Recentes descobertas arqueológicas no cemitério de Pagasae (perto do moderno Volos ), na orla do Golfo Pagasético , trouxeram à luz algumas obras originais. As escavações neste local lideradas pelo Dr. Arvanitopoulos podem ser conectadas a vários pintores gregos nos séculos III e IV e retratam cenas que aludem ao reinado de Alexandre o Grande .

Na década de 1960, um grupo de pinturas murais foi encontrado em Delos . É evidente que os fragmentos de frisos encontrados foram criados por uma comunidade de pintores que viveu durante o período helenístico tardio. Os murais enfatizavam a decoração doméstica, transmitindo a crença dessas pessoas de que o estabelecimento Delian permaneceria estável e seguro o suficiente para que essa obra de arte pudesse ser apreciada pelos proprietários por muitos anos.

Mosaicos

Detalhe do mosaico de Alexandre , mostrando Alexandre o Grande , cópia romana c. 100 aC da Casa do Fauno em Pompéia , de uma pintura helenística original do século 3 aC, possivelmente de Filoxeno de Erétria .

Certos mosaicos , no entanto, fornecem uma boa idéia da "grande pintura" do período: são cópias de afrescos. Esta forma de arte tem sido usada para decorar principalmente paredes, pisos e colunas.

Médiuns e técnica

O desenvolvimento da arte do mosaico durante o período helenístico começou com os mosaicos de seixos , mais bem representados no local de Olynthos do século 5 aC. A técnica dos Mosaicos de Seixo consistia em colocar pequenos seixos brancos e pretos, sem forma específica, em um painel circular ou retangular para ilustrar cenas da mitologia. As pedras brancas - em tons ligeiramente diferentes - foram colocadas sobre um fundo preto ou azul para criar a imagem. Os seixos pretos serviram para delinear a imagem.

Nos mosaicos do sítio de Pella , do século IV aC, é possível perceber uma forma mais evoluída da arte. Os mosaicos deste site mostram o uso de seixos sombreados em uma ampla gama de cores e tons. Eles também mostram o uso precoce de terracota e fio de chumbo para criar uma maior definição de contornos e detalhes para as imagens nos mosaicos.

Seguindo este exemplo, mais materiais foram adicionados gradualmente. Exemplos desse uso estendido de materiais em mosaicos do século 3 aC incluem pedras finamente lapidadas, seixos lascados, vidro e argila cozida, conhecidas como tessarae . Isso melhorou a técnica dos mosaicos, ajudando os artistas a criar mais definição, mais detalhes, um melhor ajuste e uma gama ainda mais ampla de cores e tons.

Exemplo de tesselas usadas em mosaicos.

Apesar da ordem cronológica de aparecimento dessas técnicas, não há evidências reais que sugiram que o mosaico necessariamente se desenvolveu a partir dos mosaicos de seixos.

Opus vermiculatum e opus tessellatum foram duas técnicas diferentes usadas durante este período de fabricação de mosaico. Opus tessellatum refere-se a um tamanho de tessera redigida ( um pequeno bloco de pedra, azulejo, vidro ou outro material usado na construção de um mosaico) seguido por uma maior variedade em forma, cor e material, bem como andamento –– ou o padrão em que a tessela foi colocada. O Opus vermiculatum costuma ser associado a essa técnica, mas difere em complexidade e é conhecido por ter o maior impacto visual.

A maioria dos mosaicos foi produzida e colocada no local. No entanto, vários mosaicos de piso mostram o uso da técnica do emblemata , em que os painéis da imagem são criados fora do local em bandejas de terracota ou pedra. Posteriormente, essas bandejas foram colocadas na mesa de apoio no local.

Em Delos, rejuntes coloridos eram usados ​​em mosaicos de opus vermiculatum, mas em outras regiões isso não é comum. Há um exemplo de argamassa colorida usada em Alexandria no mosaico Dog e Askos. Em Samos, os rejuntes e as tesselas são coloridos.

O estudo da cor aqui é difícil, pois os rejuntes são extremamente frágeis e vulneráveis.

A pesquisa científica tem sido uma fonte de informações interessantes no que diz respeito aos rejuntes e tesselas usadas nos mosaicos helenísticos. Tiras de chumbo foram descobertas em mosaicos como uma característica definitiva da técnica de superfície. As tiras de chumbo estão ausentes dos mosaicos aqui. Em Delos, as tiras de chumbo eram comuns em mosaicos no estilo opus tessellatum. Essas tiras foram usadas para delinear bordas decorativas e motivos decorativos geométricos. As tiras eram extremamente comuns em mosaicos opus vermiculatum de Alexandria. Como as tiras de chumbo estavam presentes em ambos os estilos de tipos de superfície, elas não podem ser a única característica de um tipo ou de outro.

Mosaico Tel Dor

Detalhe do mosaico de Tel Dor dos séculos I-II. Encontrado no Museu Ha-Mizgaga no Kibutz Nahsholim , Israel .

Um raro exemplo de mosaico de imagens virtuoso no estilo helenístico encontrado na costa levantina. Por meio de uma análise técnica do mosaico, os pesquisadores sugerem que este mosaico foi criado por um artesão itinerante que trabalhava no local . Desde 2000, mais de 200 fragmentos do mosaico foram descobertos no título de Tel Dor, no entanto, a destruição do mosaico original é desconhecida. Escavadeiras sugerem que a causa é um terremoto ou renovação urbana. O contexto arquitetônico original é desconhecido, mas as comparações estilísticas e técnicas sugerem uma data do período helenístico tardio, estimada em torno da segunda metade do segundo século AEC. Analisando os fragmentos encontrados no local original, os pesquisadores descobriram que o mosaico original continha um retângulo centralizado com dados desconhecidos iconografia circundada por uma série de bordas decorativas constituídas por um meandro em perspectiva seguido de uma borda de máscara e guirlanda. Este mosaico consiste em duas técnicas diferentes de confecção de mosaico, opus vermiculatum e opus tessellatum .

Mosaico de alexandre

Um exemplo é o Mosaico de Alexandre , mostrando o confronto do jovem conquistador e o Grande Rei Dario III na Batalha de Issus , um mosaico de um piso da Casa do Fauno em Pompéia (agora em Nápoles ). Acredita-se que seja uma cópia de uma pintura descrita por Plínio que foi pintada por Filoxeno de Erétria para o rei Cassandro da Macedônia no final do século 4 aC, ou mesmo de uma pintura de Apeles contemporânea do próprio Alexandre. O mosaico permite-nos admirar a escolha das cores juntamente com a composição do conjunto utilizando o movimento de rotação e a expressão facial.

Mosaico de caça ao veado

A "Bacia da Pomba" (Capitolino), atribuída a Sosos de Pergamon, da Villa de Adriano , Tivoli, Lazio , século II DC

O Mosaico de Caça ao Veado da Gnose é um mosaico de uma casa rica do final do século 4 aC, a chamada "Casa do Rapto de Helena " (ou "Casa do Estupro de Helena"), em Pella , A assinatura ( "Gnosis epoesen", ou seja, Gnose criada) é a primeira assinatura conhecida de um mosaicista .

The Stag Hunt Mosaic , final do século 4 aC, de Pella ; provavelmente representando Alexandre e Heféstion

O emblema é rodeado por um intrincado padrão floral , que por sua vez é rodeado por representações estilizadas de ondas . O mosaico é um mosaico de seixos com pedras coletadas de praias e margens de rios que foram fixadas em cimento. Como talvez fosse frequentemente o caso, o mosaico faz muito para refletir estilos de pintura. As figuras claras contra um fundo mais escuro podem fazer alusão à pintura de figuras vermelhas . O mosaico também usa sombreamento , conhecido pelos gregos como skiagraphia , em suas representações da musculatura e mantos das figuras. Isso, junto com o uso de figuras sobrepostas para criar profundidade, torna a imagem tridimensional .

Tão SOS

O período helenístico é igualmente o tempo do desenvolvimento do mosaico enquanto tal, em particular com as obras de Sosos de Pérgamo , ativo no século II aC e o único mosaico citado por Plínio. Seu gosto por trompe-l'oeil (ilusão de ótica) e os efeitos do meio são encontrados em várias obras atribuídas a ele, como o "Piso não varrido" no museu do Vaticano, representando os restos de um repasto (ossos de peixe, ossos, conchas vazias, etc.) e a "Bacia da Pomba" (feita de pequenas pedras opus vermiculatum tesserae ) no Museu Capitolino , conhecida por meio de uma reprodução descoberta na Villa de Adriano . Nele se vê quatro pombas empoleiradas na borda de uma bacia de bronze dourado cheia de água. Uma delas se rega enquanto as outras parecem repousar, o que cria efeitos de reflexos e sombras perfeitamente estudados pela artista. O painel de mosaico "Dove Basin" é um emblema, projetado para ser o ponto central de um piso de mosaico simples. O emblema foi originalmente uma importação do Mediterrâneo oriental helenístico, onde, em cidades como Pergamom , Éfeso e Alexandria , havia artistas especializados em mosaicos. Um deles foi Sosos de Pergamon, o mais célebre mosaicista da antiguidade que trabalhou no século II aC.

Delos

De acordo com o arqueólogo francês François Chamoux , os mosaicos de Delos nas Cíclades representam o apogeu da arte em mosaico do período helenístico, empregando o uso de tesselas para formar cenas coloridas e complexas. Este estilo de mosaico continuou até o final da Antiguidade e pode ter tido um impacto no uso generalizado de mosaicos no mundo ocidental durante a Idade Média .

Cerâmica

Lagynos decorado com instrumentos musicais, 150‑100 aC, Louvre .

A Idade Helenística vem imediatamente após a grande era da cerâmica pintada da Grécia Antiga , talvez porque o aumento da prosperidade levou a um maior uso de objetos de metal finos (muito poucos agora sobrevivem) e ao declínio do "vaso" pintado de forma fina (o termo usado para todas as formas de vasos em cerâmica). A maioria dos vasos da época são pretos e uniformes, com um aspecto brilhante que se aproxima do verniz, decorados com motivos simples de flores ou festões . As formas das vasilhas são muitas vezes baseadas em formas de metal: assim, com os lagynos , uma jarra de vinho típica da época. Os tipos de vasos pintados que continuaram a ser produzidos no período helenístico incluem os vasos Hadra e a ânfora panatenaica .

A lekythos garrafa no estilo Gnathia representando a deusa alada da vitória, Nike , armado e dança, Apulia ( Magna Grécia ), Itália

Mercadoria megariana

É também o período das chamadas louças megarianas: surgiram vasos feitos de molde com decoração em relevo, sem dúvida em imitação de vasos de metais preciosos. Coroas em relevo foram aplicadas ao corpo do vaso. Também se encontra um relevo mais complexo, baseado em animais ou criaturas lendárias .

Ware West Slope

A pintura de figuras vermelhas morreu em Atenas no final do século 4 aC para ser substituída pelo que é conhecido como West Slope Ware , assim chamado após as descobertas na encosta oeste da Acrópole ateniense . Isso consistia em pintar com uma tira de cor bege e tinta branca sobre um fundo preto com alguns detalhes entalhados.

As representações de pessoas diminuíram, substituídas por motivos mais simples, como grinaldas, golfinhos, rosetas, etc. Variações desse estilo se espalharam pelo mundo grego, com centros notáveis ​​em Creta e Apúlia , onde as cenas figurativas continuaram a ser procuradas.

Da Apúlia

Um askos de Canosa di Puglia , representando a deusa Nike , a cabeça da Medusa , e cavalos, século 3 a.C.
Vasos Gnathia

Os vasos Gnathia, entretanto, ainda eram produzidos não apenas na pintura de vasos de Apúlia , mas também na pintura de vasos da Campânia , Paestão e Sicília .

Vaso Centuripe em Palermo, 280–220 AC
Canosa ware

Em Canosa di Puglia, no sul da Itália, em sepulturas do século III aC, é possível encontrar vasos com acessórios totalmente tridimensionais. A característica distintiva dos vasos Canosa são as tintas solúveis em água. Tintas azuis, vermelhas, amarelas, roxas claras e marrons foram aplicadas em um fundo branco.

Louça Centuripe

A louça Centuripe da Sicília, que tem sido chamada de "o último suspiro da pintura grega de vasos", tinha pintura a têmpera totalmente colorida incluindo grupos de figuras aplicadas após o fogo, ao contrário da prática tradicional. A fragilidade dos pigmentos impedia o uso frequente desses vasos; eles eram reservados para uso em funerais, e muitos eram apenas para exibição, por exemplo, com tampas que não saíam. A prática talvez tenha continuado no século 2 aC, tornando-se possivelmente a última pintura de vaso com figuras significativas. Uma oficina esteve ativa pelo menos até o século III aC. Esses vasos são caracterizados por uma base pintada de rosa. As figuras, muitas vezes femininas, são representadas em roupas coloridas: quíton azul-violeta , himação amarela , véu branco. O estilo é uma reminiscência de Pompeia e se baseia mais nas grandes pinturas contemporâneas do que na herança da cerâmica com figuras vermelhas.

Estatuetas de terracota

Mulheres ricas de "classe média": a chamada estatueta de Tanagra , Grécia helenística , 325-150 aC, Museu de Altes

Tijolos e telhas foram usados ​​para fins arquitetônicos e outros. A produção de estatuetas de terracota grega tornou-se cada vez mais importante. As estatuetas de terracota representavam divindades e também temas da vida contemporânea. Anteriormente reservada para uso religioso, na Grécia helenística a terracota era usada com mais frequência para fins funerários e puramente decorativos. O refinamento das técnicas de moldagem possibilitou a criação de verdadeiras estátuas em miniatura, com alto nível de detalhamento, tipicamente pintadas.

Vários estilos gregos continuaram no período romano, e a influência grega, em parte transmitida pelos antigos etruscos , na cerâmica da Roma Antiga foi considerável, especialmente nas estatuetas.

Uma mulher grotesca segurando uma jarra de vinho, Kertch , segunda metade do século 4 aC, Louvre .

Estatuetas de tanagra

As estatuetas de Tanagra , da Tanagra na Boeotia e outros centros, cheias de cores vivas, na maioria das vezes representam mulheres elegantes em cenários cheios de charme. Em Esmirna , na Ásia Menor, dois estilos principais ocorreram lado a lado: em primeiro lugar, cópias de obras-primas de grandes esculturas, como o Farnese Hércules em terracota dourada.

Grotescos

Num gênero completamente diferente, estão os "grotescos", que contrastam violentamente com os cânones da "beleza grega": os koroplathos ( criadores de estatuetas) moldam corpos deformados em poses tortuosas - corcundas , epilépticos , hidrocefálicos , mulheres obesas etc. poderia, portanto, se perguntar se se tratava de modelos médicos, a cidade de Esmirna sendo famosa por sua escola de medicina . Ou podem ser simplesmente caricaturas, destinadas a provocar risos. Os "grotescos" são igualmente comuns em Tarso e também em Alexandria .

negro

Um tema que emergiu foi o "negro", particularmente no Egito ptolomaico : essas estatuetas de adolescentes negros fizeram sucesso até o período romano. Às vezes, eles foram reduzidos a ecoar uma forma das grandes esculturas: assim, encontram-se numerosas cópias em miniatura da Tyche (Fortuna ou Chance) de Antioquia , cujo original data do início do século III aC.

Desenhos de cerâmica helenística podem ser encontrados na cidade de Taxila, no Paquistão moderno , que foi colonizada por artesãos e ceramistas gregos depois que Alexandre a conquistou.

Artes menores

Braganza Brooch , ca. 250–200 aC. Museu Britânico .

Arte metálica

Por causa de tanto derretimento de estátuas de bronze, apenas os objetos menores ainda existem. Na Grécia helenística, as matérias-primas eram abundantes após as conquistas orientais.

O trabalho nos vasos de metal ganhava uma nova plenitude: os artistas competiam entre si com grande virtuosismo. O Tesouro Panagyurishte trácio (da Bulgária moderna ) inclui objetos gregos, como uma ânfora de ouro com dois centauros erguidos formando as alças.

Uma ânfora de vidro grega , da 2ª metade do século 2 aC, de Olbia , Sardenha da era romana , agora no Museu de Altes

O Derveni Krater , de perto de Thessaloniki , é uma grande krater voluta de bronze de cerca de 320 aC, pesando 40 quilos e finamente decorada com um friso de 32 centímetros de altura de figuras em relevo representando Dioniso cercado por Ariadne e sua procissão de sátiros e mênades . O pescoço é decorado com motivos ornamentais, enquanto quatro sátiros em alto relevo estão casualmente sentados nos ombros do vaso.

A evolução é semelhante para a arte da joalheria. Os joalheiros da época primavam pelo manuseio de detalhes e filigranas: assim, as coroas fúnebres apresentam folhas de árvores ou talos de trigo muito realistas. Nesse período, floresceu a inserção de pedras preciosas.

Vidro e arte glíptica

Foi no período helenístico que os gregos, que até então conheciam apenas o vidro moldado, descobriram a técnica de sopro do vidro , permitindo assim novas formas . A partir da Síria , a arte do vidro se desenvolveu especialmente na Itália. O vidro moldado continuou, notadamente na criação de joias em talhe doce .

A arte de gravar gemas quase não avançou, limitando-se a itens produzidos em massa que careciam de originalidade. Como compensação, o camafeu fez sua aparição. Trata-se de um recorte em relevo sobre uma pedra composta por várias camadas coloridas, permitindo que o objeto seja apresentado em relevo com mais de uma cor. O período helenístico produziu algumas obras-primas como o camafeu Gonzaga , agora no Museu Hermitage , e esculturas espetaculares em pedra, como a Taça dos Ptolomeus em Paris.

Cunhagem

A cunhagem no período helenístico cada vez mais usava retratos.

Cópias romanas posteriores

Estimulados pela aquisição romana, pelo consumo da elite e pela demanda pela arte grega, os artistas gregos e romanos, principalmente após o estabelecimento da Grécia romana , procuraram reproduzir as obras de arte em mármore e bronze dos períodos clássico e helenístico. Fizeram isso criando moldes de esculturas originais, produzindo moldes de gesso que poderiam ser enviados a qualquer oficina de escultor do Mediterrâneo, onde essas obras de arte poderiam ser duplicadas. Muitas vezes eram reproduções fiéis de originais, mas outras vezes fundiam vários elementos de várias obras de arte em um grupo ou simplesmente acrescentavam cabeças de retratos romanos a corpos atléticos gregos preexistentes.

Veja também

Referências e fontes

Referências
Fontes

Leitura adicional

  • Anderson, Jane EA Linguagem Corporal na Arte Helenística e Sociedade . Primeira edição. Oxford: Oxford University Press, 2015.
  • Stewart, Andrew F. Arte no Mundo Helenístico: Uma Introdução . Nova York: Cambridge University Press, 2014.
  • Trofimova, Anna A. Imitatio Alexandri na arte helenística: retratos de Alexandre o Grande e imagens mitológicas . Roma: L'Erma di Bretschneider, 2012.
  • Zanker, G. Modes of Viewing in Hellenistic Poetry and Art . Madison: University of Wisconsin Press, 2004.

links externos