escultura renascentista italiana -Italian Renaissance sculpture

A escultura renascentista italiana foi uma parte importante da arte do Renascimento italiano , nos estágios iniciais, representando sem dúvida a vanguarda. O exemplo da escultura romana antiga pairava muito sobre ela, tanto em termos de estilo quanto em termos de usos para a escultura. Em completo contraste com a pintura, havia muitas esculturas romanas sobreviventes em toda a Itália, sobretudo em Roma, e novas eram escavadas o tempo todo e coletadas com atenção. Além de um punhado de figuras importantes, especialmente Michelangelo e Donatello, é hoje menos conhecido do que a pintura renascentista italiana , mas não era o caso na época.

A escultura renascentista italiana foi dominada pelo norte, sobretudo por Florença. Este foi especialmente o caso no quattrocento (século XV), após o qual Roma chegou a igualá-lo ou superá-lo como centro, embora produzindo poucos escultores. Principais escultores florentinos em pedra incluídos (em ordem cronológica aproximada, com datas de morte) Orcagna (1368), Nanni di Banco (1421), Filippo Brunelleschi (1446), Nanni di Bartolo  [ it ] (1435), Lorenzo Ghiberti (1455) , Donatello (1466), Bernardo (1464) e seu irmão Antonio Rossellino (1479), Andrea del Verrocchio (1488), Antonio del Pollaiuolo (1498), Michelangelo (1564) e Jacopo Sansovino (1570). Em outros lugares havia o siennese Jacopo della Quercia (1438), da Lombardia Pietro Lombardo (1515) e seus filhos, Giovanni Antonio Amadeo (1522), Andrea Sansovino (1529), Vincenzo Danti (1576), Leone Leoni (1590) e Giambologna (1608, nascido na Flandres).

Embora a escultura da igreja continuasse a fornecer mais encomendas grandes do que qualquer outra fonte, seguida por monumentos cívicos, vários outros cenários para escultura apareceram ou aumentaram em destaque durante o período. Os retratos seculares anteriormente eram principalmente arte funerária , e os grandes monumentos das tumbas tornaram-se consideravelmente mais elaborados. Painéis de relevo foram usados ​​em vários materiais e configurações, ou às vezes tratados como objetos portáteis como pinturas. Pequenos bronzes, geralmente de assuntos seculares, tornaram-se cada vez mais importantes a partir do final do século XV, enquanto novas formas incluíam a medalha , inicialmente apresentando principalmente pessoas em vez de eventos, e a plaqueta com uma pequena cena em relevo de metal.

O termo "escultor" só entrou em uso durante o século XV; antes disso os escultores eram conhecidos como entalhadores de pedra, entalhadores de madeira e assim por diante. Statua ("estátua", e a arte de fazê-las) foi outra nova palavra italiana, substituindo termos medievais como figura , simulacro e imago , também usados ​​para imagens pintadas.

Períodos

A arquitetura gótica e a arte gótica em geral tiveram uma penetração limitada na Itália, chegando tarde e afetando principalmente o extremo norte, Veneza e Lombardia em particular, muitas vezes apenas como estilo ornamental nas fronteiras e capitais. As tradições clássicas estavam mais enraizadas do que ao norte dos Alpes, tornando um renascimento deliberado do estilo clássico uma mudança menos acentuada. No Trecento (século XIV), os escultores podiam ser solicitados a trabalhar em edifícios geralmente em estilo gótico, ou naqueles que não o eram. Alguns escultores podiam ajustar seus estilos um pouco para se encaixar, outros não. Esta situação complicada torna difícil, se não impossível, dar uma data de início clara para a escultura renascentista.

Tal como acontece com a pintura renascentista italiana , a escultura é convencionalmente dividida em períodos do início do Renascimento , Alto Renascimento , Maneirismo e Renascimento tardio. Convenientemente, 1400 e 1500 funcionam muito bem como datas para marcar mudanças significativas no estilo, com os principais pontos de virada sendo a competição por projetos para as portas do Batistério de Florença , anunciada no final de 1400, e a Pietà de Michelangelo , concluída em 1499, e seu David , começou em 1501. Às vezes, o século 15 é dividido por volta de 1450 (ou antes) em um "Primeiro Renascimento" e "Segundo Renascimento", até certo ponto seguindo Vasari.

O estilo maneirista começa a surgir por volta de 1520, mas o Saque de Roma em 1527 , que abalou e dispersou muito o que se tornou o centro principal, fornece um fim geralmente aceito para a fase do Alto Renascimento; os Medici foram expulsos de Florença no mesmo ano, deslocando outros artistas. Embora sua oficina continuasse a produzir trabalhos em seu estilo, a morte de Giambologna em 1608, quando a escultura barroca já estava bem estabelecida em Roma, pode ser considerada como o fim do período.

Materiais

Geralmente, "escultura de qualquer qualidade" era mais cara do que um equivalente em pintura e, quando em bronze, dramaticamente. O monumento equestre pintado de Niccolò da Tolentino de 1456 por Andrea del Castagno parece ter custado apenas 24 florins , enquanto o bronze equestre de Gattamelata de Donatello, vários anos antes, foi "estimado conservadoramente" em 1.650 florins. Michelangelo recebeu 3.000 florins para pintar o teto da Capela Sistina , enquanto Ghiberti disse que seu primeiro conjunto de portas para o Batistério de Florença , um século antes, custou 22.000, com talvez um quarto representando o custo dos materiais.

Compreensivelmente, os escultores tendiam a "produzir o melhor trabalho nos materiais mais duráveis", pedra ou metal; houve muito trabalho mais rápido e mais barato em outros materiais que na maioria das vezes não sobreviveu. Os escultores faziam uso considerável de desenhos e, em seguida, de maquetes ou maquetes pequenas e às vezes em tamanho real em barro, com uma estrutura interna de barras de ferro quando necessário. Mas esses modelos raramente foram demitidos e muito poucos sobreviveram. O projeto de Leonardo da Vinci para o Cavalo Sforza é um exemplo.

Muitos escultores trabalharam em diversos materiais; por exemplo , Antonio del Pollaiuolo produziu trabalhos acabados em pedra, bronze, madeira e terracota, além de pintar em têmpera , óleos e afrescos , e produzir uma importante gravura . O São Jorge de Donatello , para a guilda de armeiros e ferreiros, no Orsanmichele é em mármore, mas originalmente usava um capacete de bronze e carregava uma espada. Donatello também trabalhou em madeira, terracota e gesso. Especialmente no século 15, muitos arquitetos eram escultores por formação, e vários praticaram como ambos durante a maior parte de sua carreira.

Pedra

Mármore, acima de tudo o grau estatuario branco puro de mármore de Carrara dos Alpes Apuanos, no norte da Toscana , foi o material mais popular para escultura fina. Muitos escultores toscanos foram para as pedreiras para "desbaste" grandes obras, alguns terminando-as em Pisa nas proximidades, economizando assim o custo de transporte de grandes blocos. O transporte de longa distância era geralmente de barco, por mar ou descendo o Arno até Florença.

Embora a maior parte da Itália tivesse pedras que podiam ser esculpidas, a outra pedra mais favorecida também estava no norte, da Ístria no Adriático , agora na Croácia e parcialmente na Eslovênia . A pedra da Ístria é "pedra semelhante ao mármore, capaz de um acabamento polido, mas muito mais variada em textura e cor do que o mármore branco Apuano". O arenito cinza toscano conhecido como pietra serena foi usado principalmente como pedra de construção, muitas vezes contrastando com o mármore branco, como na Catedral de Florença . Mas às vezes era usado para escultura, especialmente em relevos menores e cenas esculpidas em edifícios.

Metal

Uma escultura de bronze era então cerca de dez vezes mais cara que o mármore e a difícil fundição ou fabricação da liga, bem como a técnica de fundição de cera perdida , era mais frequentemente realizada pelo escultor e seu estúdio. Isso envolvia fazer uma maquete acabada em cera, ou cera sobre argila, que depois era destruída durante a fundição; o Cavalo e o Cavaleiro é uma escultura de cera muito rara, provavelmente uma maquete que nunca foi moldada, que sobreviveu; há um pequeno número de outros , principalmente pequenos estudos preliminares.

Depois da fundição básica, que podia ser feita por especialistas externos, havia muito trabalho de escultor a ser feito na limpeza, retoque e acabamento da superfície com polimento. Em alguns casos, esse estágio se estendeu por anos e usou diferentes escultores.

Apesar de seu custo e dificuldade, seguindo o gosto clássico conhecido da literatura antiga, como Plínio, o Velho , e os poucos exemplos antigos então conhecidos, o bronze gozava de um prestígio especial, mesmo em pequena escala. Na Itália medieval tardia, tinha sido usado principalmente para grandes portas de catedrais, como em Pisa e San Marco, em Veneza, e o início do Renascimento continuou isso, mais famoso no Batistério de Florença . O bronze de Lorenzo Ghiberti em tamanho natural, São João Batista para Orsanmichele (1412) foi sem precedentes.

O bronze pode ser dourado . Uma variedade de metais foi usada para moldes de medalhas de retratos de patronos principescos, ou apenas ricos, e às vezes para plaquetas. O bronze era o metal normal, mas alguns podiam ser fundidos em ouro ou prata, para apresentação a pessoas do mesmo nível ou superior, e alguns em chumbo. Especialmente nas cortes principescas, principalmente as mais ricas, em Milão, pequenas figuras fundidas e objetos esculpidos, como tinteiros, eram frequentemente feitos em ouro e prata, mas quase todos foram derretidos por seu valor em barras em algum momento. O famoso Saleiro Cellini de ouro , feito em 1543 para Francisco I da França por Benvenuto Cellini , é quase o único sobrevivente em ouro, agora em Viena . O conjunto de 12 taças de prata dourada chamado Aldobrandini Tazze foi feito para uma família italiana antes de 1603, mas talvez não por italianos. O Ghisi Shield de 1554 é outro exemplo de pequenas cenas em relevo.

Madeira

Ao contrário do norte dos Alpes , a madeira não era um material de prestígio, mas por causa de seu peso leve continuou a ser usada para figuras da crucificação , muitas vezes penduradas no ar ou nas paredes das igrejas, por exemplo, o Crucifixo Brunelleschi em Santa Maria Novella . Outras exceções incluíam as várias figuras de Donatello para o retábulo da igreja Frari em Veneza, sua Madalena Penitente e obras de Francesco di Valdambrino na Toscana por volta de 1410. Quando a madeira era usada, geralmente era pintada, seja por um pintor ou escultor ou sua oficina . Esculturas decorativas em madeira eram comuns, para móveis, painéis e outros usos. As bancas de coro em grandes igrejas muitas vezes incluíam uma boa quantidade de escultura; às vezes, estes incluíam figuras e cenas narrativas. No início do século XV, as figuras de madeira de Domenico di Niccolò dei Cori  [ it ] em Siena avançaram para "uma nova eloquência no gesto e na expressão facial".

Terracota

Além do uso generalizado de argila para modelli , normalmente deixada sem fogo, as três gerações da família Della Robbia em Florença dirigiam uma grande oficina produzindo estatuária de terracota esmaltada e brilhantemente pintada , inicialmente principalmente relevos religiosos para os exteriores dos edifícios, depois obras menores, como Madonas para capelas ou quartos particulares. Outros artistas desenvolveram um estilo de retratos de cabeça e peito em terracota. Várias obras de escultura monumental acabada (em vez de modelos ou estudos) foram feitas em terracota, principalmente pintadas. Estes eram principalmente religiosos; vários eram grandes grupos com cerca de seis enlutados cercando o Cristo morto em uma lamentação de Cristo . Estes eram muito mais baratos do que o mármore teria sido, e o grupo mais famoso, de Niccolo dell'Arca para uma igreja em Bolonha , usa terracota para obter efeitos de cortinas voadoras que não poderiam ter sido feitas em pedra. Guido Mazzoni foi outro especialista em grandes grupos de terracota.

Outros materiais

O estuque , às vezes pintado para imitar o bronze, era usado principalmente para decorar edifícios, e as oficinas vendiam pequenas réplicas de gesso de esculturas famosas, das quais poucas sobreviveram. Esculturas temporárias em uma ampla gama de materiais rápidos e baratos, como papel machê e tecido endurecido com cola, foram produzidas em grandes quantidades como decoração para desfiles durante festivais e celebrações como casamentos; no século 16 estes são frequentemente registrados em gravuras. Um painel em relevo de Jacopo Sansovino para as decorações da entrada triunfal (um conjunto medieval e renascentista de pompa) do Papa Leão X em Florença sobreviveu, apesar de ser em barro e " linho endurecido com tamanho ", todo montado em tábuas de madeira ; é uma obra da mais alta qualidade artística. Jacopo della Quercia (d. 1438) fez um monumento de tumba equestre para uma igreja em Siena usando "madeira, carvalho e estopa ", que sem surpresa não sobreviveu.

Um novo e distinto gênero de escultura temporária para grandes festividades foi a escultura de açúcar . O açúcar tornou-se regularmente importado para a Europa em meados do século XV, quando a Madeira e as Ilhas Canárias foram colonizadas da Europa, e o açúcar foi cultivado lá, que era importado principalmente pela Itália. Depois disso, uma "paixão consumista pelo açúcar ... varreu a sociedade", à medida que se tornou muito mais facilmente disponível, embora inicialmente ainda muito caro. Gênova , um dos centros de distribuição, ficou conhecida por frutas cristalizadas, enquanto Veneza se especializou em doces, doces (doces) e esculturas de açúcar. O açúcar foi então considerado medicamente benéfico.

Uma festa dada em Tours em 1457 por Gaston de Foix inclui a primeira menção detalhada de esculturas de açúcar, pois o alimento final trazido foi "um zoológico heráldico esculpido em açúcar: leões, veados, macacos ... armas do rei húngaro" (a festa era para homenagear uma embaixada húngara). Outras grandes festas registradas, como banquetes de casamento nas décadas seguintes, incluíam peças semelhantes. Tanto o casamento de Ercole I d'Este, duque de Ferrara , em 1473, quanto o de sua filha Isabella d'Este , em 1491, terminaram com procissões carregando esculturas. Em 1491, 103 homens carregavam "tigres, unicórnios, bucentauros , raposas, lobos, leões... montanhas, dromedários,... castelos, sarracenos... Hércules matando o dragão..." aparentemente personalizados para cada hóspede; "escultores de Mântua , Pádua e Veneza foram trazidos para fazê-los a partir de desenhos de pintores da corte".

Originalmente algumas esculturas parecem ter sido comidas na refeição, mas depois elas se tornam meras decorações de mesa, as mais elaboradas chamadas triomfi . Vários escultores importantes são conhecidos por tê-los produzido; em alguns casos, seus desenhos preliminares sobrevivem. Os primeiros eram em açúcar mascavo, parcialmente moldados em moldes, com os toques finais esculpidos; então douramento ou pintura podem ser adicionados. Eventualmente, no século 18, a estatueta de porcelana evoluiu como uma forma permanente de imitação de esculturas de açúcar; inicialmente estes também foram colocados em torno de mesas de jantar.

Escultura colorida

A pintura, muitas vezes agora removida depois de se tornar escamosa, era comum, se não usual, em madeira e terracota, mas já incomum em pedra e metal no século XV. Quando usado nesses materiais, geralmente era discreto. Alguns dos bustos de mármore de Lariana mantêm o acabamento policromado; outros nunca o tiveram ou o removeram. Depois de 1500, a cor caiu cada vez mais da moda; esculturas clássicas escavadas não o tinham, embora se fossem originalmente coloridas é outra questão. A influência de Michelangelo, "que abjurou as atrações superficiais para transmitir uma ideia apenas pela forma" foi outro fator.

Definições

Igrejas e túmulos

Na Itália, a escultura nas igrejas sempre esteve em grande parte dentro do edifício, em contraste com os países ao norte dos Alpes. Uma rara exceção italiana foi a Catedral de Milão , construída a partir de 1368 com grande número de nichos e pináculos para centenas de estátuas, que levou todo o período para ser preenchido; a maioria era alta demais para que a escultura fosse vista com muita clareza. Outra exceção foi o vizinho Certosa di Pavia , um mosteiro planejado como o local de sepultamento dinástico dos duques Visconti de Milão , emulando outros locais ao norte dos Alpes, iniciado em 1396, mas não concluído até mais de um século depois.

Na Catedral de Florença, as esculturas na fachada principal em torno da "Porta della Mandorla", nomeada para a mandorla ou auriole em forma de amêndoa ao redor da Virgem Maria no tímpano em alto relevo de Nanni di Banco (no local por 1422), têm uma história complicada , envolvendo inúmeros escultores e estilos. Houve três campanhas, cada uma com duração de vários anos, entre 1391 e 1422, e várias mudanças depois disso, incluindo uma grande expansão da escultura no século XIX para os níveis mais altos. Um pequeno relevo de um Hércules nu (representando a virtude da Fortitude) em meio a folhagens ornamentais na lateral da porta "há muito é conhecido como um marco para o estudo do nu no início do Renascimento"; o escultor é incerto. Tanto o primeiro mármore de Donatello quanto as figuras de Davi de Michelangelo foram originalmente planejados para a linha do telhado da catedral, mas o primeiro foi percebido como pequeno demais para ser visto corretamente, daí o grande tamanho do último, mas este, por sua vez, foi reconhecido quando concluído como muito pesado para a posição, e juntou-se ao Donatello na Piazza della Signoria .

No interior das igrejas, os monumentos tumulares dos ricos cresciam cada vez mais, inicialmente com molduras grandes, mas bastante rasas em torno da efígie do falecido, como no túmulo do antipapa João XXIII em Florença, depois no século XVI, às vezes expandindo-se para grupos muito grandes de esculturas, culminando na Tumba do Papa Júlio II de Michelangelo , trabalhadas entre 1505 e 1545, mas apenas parcialmente realizadas. A nova Basílica de São Pedro começou a se encher de grandes túmulos papais , tendência que só aumentou no período barroco seguinte. Em Veneza, Santi Giovanni e Paolo, Veneza tem os túmulos de 25 Doges , e na República de Florença a igreja de Santa Croce "tornou-se finalmente uma espécie florentina de Abadia de Westminster ", com grandes túmulos para figuras importantes, incluindo Michelangelo e Galileu , feitas em grande parte às custas do governo.

Inicialmente as figuras dos mortos nos túmulos seguiam o padrão tradicional usual (mas não invariável) de uma "efígie reclinada", deitada com os olhos fechados, mas no final do século XV começaram a ser mostradas como vivas. No caso dos papas, o primeiro foi o túmulo do Papa Inocêncio VIII (m. 1492), onde Antonio del Pollaiuolo tinha uma efígie reclinada abaixo e uma figura sentada com um braço levantado em bênção acima. É assim que o monumento aparece agora, depois de ter sido transferido para São Pedro, mas originalmente essas posições foram invertidas. O próximo a incluir qualquer figura foi o Túmulo do Papa Júlio II de Michelangelo , iniciado em 1505 durante sua vida. Isso tinha o papa deitado de lado com a cabeça erguida. A partir do túmulo do Papa Leão X (m. 1521) em diante, figuras sentadas tornaram-se comuns quando qualquer figura foi incluída.

Orgulho cívico

As cidades queriam aumentar seu prestígio por meio de conjuntos escultóricos famosos em locais públicos, e muitas vezes estavam preparadas para gastar muito para conseguir isso. O mais notável foi, sem dúvida, o conjunto de estátuas não relacionadas na Piazza della Signoria , no centro de Florença, em frente ao Palazzo Vecchio , sede do governo da república. A Loggia dei Lanzi é uma arcada aberta na praça que construiu uma coleção de estátuas notáveis, principalmente no século XVI, quando Perseu com a Cabeça de Medusa de Benvenuto Cellini e o Rapto das Sabinas de Giambologna se juntaram ao grupo.

Outra peça de escultura cívica florentina foi o Orsanmichele , um edifício que as guildas possuíam em conjunto e usado para vários propósitos. O interior recebeu um grande tabernáculo de Orcagna , provavelmente como uma oferta votiva pelo fim da Peste Negra na década de 1360. O rés-do-chão era originalmente aberto e usado como sala de comércio e local de reuniões, mas em 1380 os espaços entre as pilastras exteriores já estavam murados, e o rés-do-chão era a igreja dos grêmios (ainda com escritórios acima, agora estes são o museu com as estátuas originais). Já havia um plano para cada uma das guildas colocar uma estátua em uma pilastra, mas apenas uma havia sido feita até então. No final do século, o esquema foi revivido, e a mais antiga das estátuas em vigor até serem substituídas por cópias nos tempos modernos é datada de 1399, a última de 1601. Mas houve uma explosão de atividade entre 1411 e 1429. A altura dos nichos, em uma rua movimentada, ficava a poucos metros acima dos transeuntes. O atraso foi causado pela lentidão das guildas, mas resultou em uma série de obras, dos principais escultores da época, que mostram de maneira excelente o desenvolvimento do estilo florentino, e especialmente as contracorrentes dentro dele nos anos anteriores. 1430. A maioria das estátuas são dos santos padroeiros de cada guilda. Existem 14 estátuas ou grupos, dois de Donatello, dois de Ghiberti e o Cristo e São Tomás de Verrocchio (concluído c. 1480). O São João Batista de Ghiberti (1412) foi o mais antigo dos seis em bronze, ainda muito no estilo gótico internacional .

Fontes

Os chafarizes públicos, dos quais a grande maioria da população tirava água para uso doméstico, eram parte fundamental da administração local, sobre a qual se julgavam as prefeituras. Aqueles nas praças principais tinham que permitir que muitas pessoas tirassem água de uma só vez; jatos jorrando não eram esperados até o final do século 16, mas o acesso fácil a um suprimento contínuo de água boa era. Algumas grandes fontes primitivas foram envolvidas por painéis de relevo, como a Fontana Maggiore proto-renascentista em Perugia , de Nicolo Pisano e outros (principalmente da década de 1270), e a Fonte Gaia em Siena, a versão atual de Jacopo della Quercia (1419, relevos agora substituídos por réplicas).

Exemplos tardios do Renascimento incluem a Fonte de Netuno, Bolonha, de Giambologna (1566) e a Fonte de Netuno, Florença ( Bartolomeo Ammannati e outros, concluída em 1574). Estes anseiam por fontes barrocas; cada um é encimado por uma grande estátua do deus. A essa altura, as fontes de jardim particulares mais ricas estavam recebendo cenários esculturais quase tão extravagantes. Sansão matando um filisteu de Giambologna , agora em Londres, foi feito para uma fonte do jardim dos Médici.

Retratos

Os retratos esculpidos estavam confinados principalmente a monumentos graves, mas durante o período surgiram em uma ampla variedade de tamanhos e materiais. Os italianos ficaram muito conscientes da atitude romana de que ter uma estátua pública de si mesmo era quase a mais alta marca de status e reputação, e tais estátuas, de preferência montadas em uma coluna, aparecem com frequência em pinturas de cidades ideais, muito mais frequentemente do que nunca. fez na realidade. As estátuas em pé de indivíduos contemporâneos permaneceram muito raras na Itália até o final do período (uma exceção é João da Áustria em Messina , 1572), mas Leone Leoni e seu filho Pompeo, artistas da corte dos Habsburgos espanhóis, fizeram vários em bronze para eles.

Estátuas equestres

A expressão máxima da reputação, reservada a governantes e generais, era uma estátua equestre em tamanho real ; Exemplos romanos sobreviveram na Estátua Equestre de Marco Aurélio em Roma e no Regisole em Pavia (agora destruído). Havia precursores góticos rígidos em mármore nos túmulos Scaliger em Verona e um de Bernabò Visconti em Milão por Bonino da Campione (1363). Vários temporários foram feitos para festividades, mas muito poucos em bronze durante o Renascimento. A atração da forma é mostrada por duas estátuas fictícias pintadas em afrescos na Catedral de Florença: a de Sir John Hawkwood ( Paolo Uccello , 1436), é próxima à de Niccolò da Tolentino ( Andrea del Castagno 1456).

Como as imitações de afrescos, os dois primeiros bronzes reais eram de condottiere ou generais mercenários, a estátua equestre de Gattamelata em Pádua de Donatello (1453) e a estátua equestre de Bartolomeo Colleoni , iniciada por Andrea del Verrocchio na década de 1480, mas finalizada por outro depois de sua morte. Bem no final do período, bem depois que os Médici se transformaram em Grão-Duques da Toscana , e se pensava que o sentimento republicano havia diminuído o suficiente, Giambologna fez dois para eles, Cosimo I de' Medici (1598) na Piazza della Signoria, e em 1608 a de Fernando I.

Um dos grandes projetos inacabados do Renascimento foi o Cavalo Sforza de Leonardo da Vinci , um retrato equestre em tamanho maior de Francesco I Sforza para seu filho Ludovico il Moro , ambos Duques de Milão, originalmente destinado a ser criado, mas quando isso se mostrou muito ambicioso, planejado com uma "marcha andando". Leonardo havia treinado na oficina de Andrea del Verrocchio, na época em que o cavalo para o monumento Colleoni estava sendo feito. Ele recebeu o projeto em 1489 e, no inverno de 1492-93, completou um modelo de argila em escala real, que foi exibido com grande aclamação na catedral de Milão para o casamento de Bianca Maria Sforza e Maximilian I, Sacro Imperador Romano . Ele pode ter feito o molde, ou partes dele, mas no final de 1494 Ludovico decidiu que precisava da grande quantidade de bronze que havia montado para a estátua para canhões, dada a virada da Primeira Guerra Italiana , iniciada naquele ano. Quando os franceses finalmente ocuparam Milão em 1499, o modelo de barro foi seriamente danificado por arqueiros franceses que o usaram como alvo. Apenas alguns desenhos e alguns pequenos modelos de cera de autoria incerta sobrevivem.

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  Afresco de Niccolò da Tolentino , Andrea del Castagno 1456

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  Estátua equestre de Bartolomeo Colleoni , iniciada por Andrea del Verrocchio na década de 1480, Veneza

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  Leonardo da Vinci , Estudo para o Cavalo Sforza (primeiro desenho)

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  Giambologna , Cosimo I de' Medici , 1598, Piazza della Signoria, Florença

Bustos de ombro

Surgiu um tipo de retrato de busto cortado abaixo dos ombros, aparentemente para colocar nos ambientes relativamente privados do palácio da família . Isso parece ter sido influenciado pela forma de alguns relicários medievais e efígies funerárias temporárias, e talvez retratos romanos de túmulos em "janela " em relevo , como o relevo do século I dC . a classe empresarial. Também mostrou uma visão semelhante à forma emergente da pintura de retratos, mas em tamanho real e em três dimensões. Donatello também usou o formato de um santo de bronze na década de 1420. O mais antigo exemplo de retrato datável em mármore é um busto de 1453 de Mino da Fiesole de Piero di Cosimo de' Medici , que é "rígido e tenso, como poderíamos esperar de um jovem escultor que foi solicitado a fazer algo desconhecido", especialmente para o governante de fato da República de Florença . Vasari diz que o busto foi colocado sobre a porta dos quartos de Piero no Palazzo Medici , então ainda em construção. Havia um retrato combinando de sua esposa Lucrezia Tornabuoni , agora perdido ou não localizado.

Mino fez vários bustos semelhantes, e artistas como Antonio Rossellino e Benedetto da Maiano assumiram a forma, este último usando um molde de "máscara de vida", provavelmente em cera, para trabalhar. Os primeiros sujeitos incluíam um médico e um boticário, bem como a elite superior. Em um caso, o banqueiro Filippo Strozzi, o Velho (que também contratou Benedetto para projetar o Palazzo Strozzi ), sobrevivem tanto um modelo de terracota quanto um busto de mármore mais idealizado.

Benedetto também usou o formato em terracota totalmente policromada, que havia sido usado para um busto atribuído a Donatello do político Niccolò da Uzzano (d. 1431), provavelmente póstumo, feito com uma máscara mortuária . Isso tornaria muito cedo. No século seguinte, bustos de terracota pintados foram feitos de Lorenzo de' Medici , provavelmente bem depois de sua morte. Ele é mostrado usando o cappucchio antiquado e de classe média , como uma declaração política.

Pietro Torrigiano fez um busto de Henrique VII da Inglaterra , provavelmente póstumo de uma máscara mortuária, e ele ou Mazzoni um de um menino alegre assumido como o futuro Henrique VIII durante sua estadia na Inglaterra. Outro escultor muito viajado, Francesco Laurana nasceu na Dalmácia veneziana , mas trabalhou principalmente em Nápoles, Sicília e sul da França, com alguns períodos incertos em sua carreira. Na década de 1470, relativamente tarde em sua carreira, ele começou a produzir bustos de ombro de senhoras de aparência bastante semelhante e um tanto idealizadas em mármore, alguns com policromia.

No Alto Renascimento, o busto de fundo chato caiu em desuso, e as partes de baixo arredondadas de estilo clássico sobre um soco eram preferidas, como permaneceu o caso.

Medalhas

Com alguns precedentes algumas décadas antes, a medalha de retrato renascentista foi efetivamente inventada por Pisanello . Um dos principais pintores das cortes da Itália, essas parecem ser suas únicas peças de escultura. A mais antiga é provavelmente a sua Medalha do imperador bizantino João VIII Paleólogo , que Pisanello viu quando visitou a Itália em 1438 . Em bronze, frente e verso, e 10,3 cm (4,1 pol) de diâmetro, é como uma moeda consideravelmente ampliada e estabeleceu uma convenção que normalmente era seguida em ter um retrato na frente e uma cena diferente no verso .

Tornou-se comum ter a impresa ou emblema pessoal do sujeito no verso, com um lema. Estes tornaram-se essenciais, não apenas para os governantes, mas para qualquer pessoa com pretensões de ser um humanista renascentista , os grupos mais propensos a encomendar medalhas. Os lemas tornaram-se quebra-cabeças cada vez mais abstrusos para o destinatário refletir, como uma "declaração conscientemente erudita sobre a identidade do sitter". As medalhas eram produzidas em pequenas edições e, às vezes, metais diferentes eram usados ​​para destinatários de status diferentes (veja acima). Eles foram cuidadosamente coletados para o emergente gabinete de curiosidades e se tornaram uma forma útil de publicidade para intelectuais que buscavam patrocínio. Pisanello tinha uma medalha feita de si mesmo por um colega, e os medalhistas posteriores muitas vezes faziam medalhas com autorretratos.

A maior qualidade da modelagem das medalhas elevou a fasquia para a qualidade artística das moedas, especialmente as mais prestigiosas emissões de ouro. Na Itália medieval (ao contrário da Inglaterra) não era comum incluir um retrato do governante, mas na Renascença os retratos de perfil tornaram-se comuns para estados principescos, revivendo o estilo romano imperial. Os artistas geralmente não são gravados, mas provavelmente foram distinguidos com frequência; A autobiografia de Benvenuto Cellini menciona uma que ele modelou para Alessandro de' Medici, duque de Florença , que é identificável.

Medalhas comemorativas de eventos em vez de indivíduos vieram principalmente perto do final desse período, mas uma foi feita imediatamente pelo fracasso da conspiração dos Pazzi contra os Medici em 1478; "seu conteúdo narrativo é inédito". Os dois lados são quase imagens espelhadas, com as cabeças dos dois irmãos Médici, Lorenzo , que escapou, e Giuliano , que foi assassinado. Eles se elevam acima da tela do coro da catedral, onde os assassinos atacaram durante a missa.

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  Pisanello, Ludovico Gonzaga , 1447, reverso

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  Lisisppo il giovane, medalha de auto-retrato, 1475-80

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  Medalha da conspiração Pazzi , com Lorenzo , 1478, Bertoldo di Giovanni

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  Medalha de ouro da rainha Maria I da Inglaterra , 1555, Jacopo da Trezzo  [ it ]

Pequena escultura

As estatuetas de bronze eram muito raras na Idade Média, praticamente restritas à realeza, mas a partir de 1450 tornaram-se cada vez mais populares, para um rico mercado de colecionadores. Os colecionadores de seculares eram em sua maioria do sexo masculino e os temas refletem os gostos masculinos. Os cavalos eram extremamente populares, com guerreiros, figuras mitológicas ou personificações também comuns; nudez em ambos os sexos tornou-se mais comum ao longo do século 16. Especialmente no século XVI, os temas para essas obras provavelmente foram escolhidos pelo escultor para produzir para venda, em vez de serem encomendados como a grande maioria das esculturas maiores. No entanto, o gosto do mercado deve ter sido considerado.

Muitos eram versões reduzidas de composições maiores. Destinavam-se a ser apreciadas segurando e girando nas mãos por colecionadores e seus amigos, quando os melhores “dão um estímulo estético daquele tipo involuntário que às vezes vem de ouvir música”, diz John Shearman , falando das pequenas figuras de Giambologna. Agora, a maioria está em museus, esse tipo de apreciação dificilmente é possível, e "inversões de gosto" tornaram esses objetos "supremamente artificiais" não muito populares.

Os temas nas plaquetas também foram presumivelmente as escolhas dos artistas. Embora muito pequenos, eles permitiam o tipo de composição complicada de ação com várias figuras que as encomendas raramente exigiam, e que os artistas que tinham visto sarcófagos do final da Roma Antiga eram atraídos. Tanto as estatuetas quanto as plaquetas eram geralmente produzidas em pequenas edições de várias cópias, e algumas plaquetas eram feitas em série, mostrando diferentes episódios de uma história. Muitos foram moldados para serem usados ​​como suportes para punhos de espadas e outros itens, e alguns emprestaram suas composições de gravuras. Alguns grandes artistas, ou suas oficinas, fizeram plaquetas, mas muitos artistas parecem não ter se envolvido em esculturas maiores.

Nesses gêneros, Florença não era dominante como era para esculturas maiores, e Pádua era por volta de 1500 o maior centro, tendo uma forte tradição de fundição de bronze desde os anos de Donatello lá. Os principais artistas de Pádua incluíam o aluno de Donatello, Bartolommeo Bellano , e seu aluno Andrea Riccio . Pier Jacopo Alari Bonacolsi , conhecido como "Antico", foi baseado em Mântua , produzindo principalmente figuras clássicas elegantes, muitas vezes com destaques dourados, para a família Gonzaga .

A gema gravada , uma pequena forma de escultura em pedra dura , era um objeto popular de colecionar para os antigos romanos, incluindo Júlio César , e vários exemplos antigos foram incorporados a objetos de joias medievais, como a Cruz de Lotário . Em particular, os camafeus imperiais como a Gemma Augustea tinham um enorme prestígio, e as elites renascentistas estavam muito interessadas em ter suas próprias imagens na forma. Algumas plaquetas copiam, ou mesmo são fundidas, gemas antigas gravadas, especialmente da coleção Medici.

No século XVI, os escultores venezianos "desenvolveram um gênero de objetos domésticos de grande escala em bronze" para os palácios e vilas dos patrícios, muitas vezes incluindo figuras entre a rica decoração. Estes incluíam castiçais, aldravas e andirons . As oficinas de Andrea Riccio e mais tarde Girolamo Campagna foram proeminentes nesta área, mas os fabricantes de muitos objetos não são claros.

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  Hércules e o Leão da Nemeia , Galeazzo Mondella  [ it ] (Moderno), c. 1500, plaqueta de bronze dourado

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  Paris com sua maçã , estatueta de Antico, c. 1500-05, 14 5/8 polegadas (37 cm) de altura

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  Andrea Riccio , lâmpada de óleo com putti , Pádua, 1515-25

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  Andiron frentes com Vênus e (?) Marte. Projeto de Girolamo Campagna , possivelmente feito no século XVII. 44 1/2 polegadas (113 cm) de altura

Oficinas

A maioria dos escultores treinava e trabalhava em oficinas bastante pequenas ( bottega ), que muitas vezes incluíam outros membros da família, e ficavam no térreo da residência do mestre. Grandes comissões muitas vezes exigiam colaborações entre diferentes oficinas e viagens para o local do trabalho por longos períodos. A maior oficina bastante estável do século XV foi provavelmente a de Ghiberti, mas Donatello tinha um grande número de assistentes, muitos por breves períodos. A figura do "mestre isolado isolado responsável pela execução da peça, bem como pelo desenho, como pensamos em Michelangelo, só surgiu" no final do século XV. Vários escultores importantes trabalharam em diferentes cidades ao longo de sua carreira; Roma e Veneza, em particular, importaram a maioria de seus escultores, Roma às vezes para uma única peça.

Uma maneira comum de pagar pela escultura era pagar uma certa quantia à medida que o trabalho avançava, mas deixar a avaliação final para "terceiros desinteressados, geralmente os próprios artistas, que eram solicitados a se pronunciar sobre a qualidade da obra" e encontrar o valor final . Isso, apesar de alguns episódios difíceis, foi "um poderoso incentivo ao trabalho meticuloso".

Em 1472 Florença tinha 54 oficinas de escultura em pedra e 44 ourives e ourives, ambas mais do que as 30 oficinas de pintores. Havia mais entalhadores de madeira do que açougueiros na cidade. Mas a cidade era atípica, talvez com a maior concentração da Itália, então rivalizada apenas por Veneza; em contraste, Nápoles e o sul da Itália em geral tinham poucos artistas. Grandes projetos em Nápoles, como a entrada triunfal do Castel Nuovo e a Porta Capuana , foram projetados e executados por artistas do norte, ou sob Alfonso V de Aragão , o rei de Nápoles de 1442 a 1458, sua Espanha natal.

Muitos escultores também trabalhavam como arquitetos, então não uma profissão claramente definida, ou pintores, e aqueles com formação em ourivesaria muitas vezes continuaram a exercer as outras partes dessa profissão, fazendo joias e atuando como banqueiros. Escultores, se não de uma família de artistas, como muitos eram, normalmente vinham de origens urbanas de classe média. Pagamento ou conexões familiares eram geralmente necessários para obter um aprendizado, especialmente como ourives. Leonardo da Vinci era um dos que consideravam a escultura uma ocupação menos cavalheiresca do que a pintura, porque era "empoeirada, suja e fisicamente desgastante". Mas financeiramente, talvez fosse tipicamente mais recompensador. As peças talvez fossem geralmente trabalhadas apoiadas em posição diagonal, enquanto o escultor estava sentado, como mostra o relevo de Andrea Pisano . Além do cinzel que está usando, são mostrados um compasso, uma furadeira e um livro, e a peça em que está trabalhando é uma estátua nua em estilo clássico.

Mulheres escultoras

Mesmo em comparação com os pintores, as mulheres escultoras registradas são extremamente raras, embora provavelmente muitas não sejam registradas, especialmente modelistas em cera. Properzia de' Rossi de Bolonha (c. 1490-1530), "a única escultora em mármore da Itália renascentista", foi considerada um prodígio por ser mulher e recebeu uma biografia em Vasari Lives . Excepcionalmente para artistas mulheres, como filha de um notário , ela não tinha antecedentes familiares evidentes nas artes. Ela teria sido autodidata, praticando em caroços de frutas, mas depois seguiu uma carreira profissional esculpindo mármore. Diana Scultori (1547–1612) de Mântua é conhecida como "a única gravadora do século XVI a assinar suas gravuras", mas treinou com seu pai, que era gravurista e escultor, e ela pode ter trabalhado em escultura.

Guildas

As guildas que os escultores precisavam se juntar na maioria das cidades eram frequentemente divididas pelos materiais usados, de maneiras que às vezes dificultavam o desenvolvimento da arte. Escultores, ourives, trabalhadores em outros metais e entalhadores muitas vezes pertenciam a diferentes guildas, embora a terracota muitas vezes não tivesse uma guilda. As guildas eram especialmente fortes e politicamente poderosas em Florença, enquanto em Roma e cidades menores eram em sua maioria fracas. Sua influência diminuiu consideravelmente ao longo do período. Em Florença, escultores de pedra e madeira compartilhavam a Arte dei Maestri di Pietra e Legname ("Guilda dos Mestres em Pedra e Madeira", uma das Arti Mediane ou guildas de nível médio), e no século XVI foram finalmente autorizados a participar os pintores em sua Compagnia di San Luca, estritamente uma confraria e não uma guilda até 1572. Os metalúrgicos florentinos faziam parte da Arte della Seta , a poderosa guilda da seda, uma das Arti Maggiori ou "grandes guildas". Embora poderosas, as guildas em Florença eram mais receptivas do que muitas cidades menores de artistas "estrangeiros" de outras cidades que praticavam lá, talvez porque muitos mestres florentinos trabalhavam em outros lugares.

Clientes

As guildas de Florença também foram patronos muito importantes, pelo menos até o final do século XV, muitas vezes pagando por novos trabalhos em igrejas, como as portas do Batistério de Florença e a Porta della Mandorla da catedral (veja abaixo para ambos). Comissões privadas também eram muitas vezes para membros da guilda; a guilda mais rica, os banqueiros ( Arte del Cambio  [ it ] ) incluíam muitos dos Medici e Strozzi . dentro ). Para os banqueiros, expiar o pecado do uso por contribuições generosas a instituições religiosas e cívicas era um motivo adicional.

Nos muitos estados principescos monárquicos da Itália, o governante era o principal patrono, e muitas vezes gastavam prodigamente para se glorificar: Milão, Rimini , Ferarra , Urbino são exemplos, mas nenhum se igualou aos Medici depois que se tornaram grão-duques da Toscana em 1531, e desejavam promover seu novo status. Depois que os papas retornaram do cativeiro de Avignon em 1376, sempre houve um certo nível de patrocínio papal, mesmo que apenas para túmulos, mas isso variou consideravelmente com o papa individual (como também era o caso dos príncipes). Com exceção de dois da família espanhola Borgia (nenhum grande patrono da escultura), os papas de 1431 a 1503 vieram de famílias do norte da Itália e, sem dúvida, estavam acostumados à escultura contemporânea. O ano de julho de 1450 deu início a um programa de renovação urbana em Roma, que incluía o uso da atualização ou restauração de igrejas, incluindo sua escultura, "como canteiros em torno dos quais a reconstrução de bairros inteiros da cidade poderia se desenvolver".

A escultura papal para seus palácios e túmulos aumentou enormemente no século XVI sob o papa Júlio II , Leão X e Clemente VII , sendo os dois últimos Médici. À medida que a Contra-Reforma se desenvolveu, o patrocínio papal tornou-se mais variável. Os cardeais eram frequentemente patronos pródigos, principalmente dentro e ao redor de Roma.

Ao longo do Renascimento, o gosto e os bolsos dos membros menores das elites, nas nobrezas, patrícios e ricos banqueiros e mercadores de arte nos estilos mais recentes se desenvolveram e se espalharam cada vez mais na escala social. Por volta de 1500, bustos de ombro (veja abaixo) eram às vezes "memoriais baratos feitos de terracota formados a partir de um molde de uma máscara mortuária adicionada desordenadamente a peito e ombros grosseiramente modelados".

Desenvolvimento de estilo

Para 1400

Especialmente no século XV, os relevos, em oposição à escultura em volta , eram uma proporção muito maior de escultura fina do que foi o caso posteriormente. Os espectadores modernos são, portanto, relativamente desacostumados à forma e inclinados a ignorá-los. Até que o Grupo Laocoonte fosse desenterrado no centro de Roma em 1506, as poses mais dramáticas e atléticas em esculturas romanas conhecidas eram relevos lotados em sarcófagos romanos tardios , enquanto as estátuas conhecidas eram quase todas retratos em pé dignos, mas bastante estáticos.

Nicola Pisano (ativo c, 1240s a 1278) foi o principal escultor do que Erwin Panofsky chamou de "o proto-renascimento classicizante". Suas principais obras foram conjuntos de relevos , especialmente aqueles nos grandes púlpitos elevados do batistério de Pisa (datado de 1260) e da Catedral de Siena . Ele tinha uma grande oficina, incluindo seu filho Giovanni Pisano , e as muitas esculturas na Grande Fonte de Perugia (1277-1278) provavelmente foram projetadas por Nicola, mas principalmente esculpidas por eles. Seus painéis maiores mostram cenas lotadas, às vezes combinando cenas em uma única composição, por exemplo, a Anunciação e Natividade de Cristo no batistério de Pisa; a maioria das representações neste período teria mostrado duas cenas em compartimentos diferentes. A juventude de Pisano em sua Apúlia natal , no extremo sul da Itália, foi passada quando Frederico II, imperador do Sacro Império Romano-Germânico reinou, e viveu principalmente lá, promovendo um renascimento romano nas artes. Pisano é claramente influenciado pelo estudo dos sarcófagos da Roma Antiga .

O filho de Nicola, Giovanni Pisano , assumiu a oficina de seu pai na década de 1280 e foi muito mais receptivo ao estilo gótico do que seu pai. Ao longo do século seguinte, influências góticas e clássicas foram encontradas juntas em muitas obras grandes, às vezes em disputa. Na década de 1380, "um movimento vigoroso" estava surgindo em várias partes da Itália, que preparou o terreno para os estilos do século seguinte. Mas a década de 1390 também "começou o apogeu na Toscana de uma onda gótica" no estilo gótico internacional ; a grande "Porta della Mandorla" da Catedral de Florença, patrocinada pela Arte della Lana ou guilda de tecelões de lã, para a qual muitos escultores contribuíram, demonstra esse quadro complexo.

A partir de 1400

Portas do Batistério de Florença

No inverno de 1400-1401, a Arte di Calimala ou guilda de comerciantes de tecidos, anunciou que haveria um concurso para projetos de um novo par de portas de bronze para o lado leste do Batistério de Florença (agora movido para o lado norte), que eles estavam pagando. Um fator no momento pode ter sido o progresso feito na escultura da catedral, pago por uma guilda rival. Ter uma competição era incomum, mas a comissão era extremamente proeminente. De inúmeras candidaturas, foi escolhida uma lista de sete escultores, todos toscanos, mas nem todos florentinos. As portas deveriam ter um formato típico de 28 painéis figurativos em bronze, sete fileiras em duas colunas em cada porta. Os pré-selecionados foram solicitados a fornecer modelos para um painel de relevo dentro de uma moldura de quatrefoil que foi fornecida, combinando com as portas sul existentes por Andrea Pisano (iniciada em 1329). O assunto era o Sacrifício de Isaque (na verdade, nunca usado, pois o programa foi alterado para mostrar apenas assuntos do Novo Testamento ). Havia um júri de 34, a maioria artistas. Muito inesperadamente, o vencedor foi declarado Lorenzo Ghiberti , então com apenas 22 anos.

Dois dos alívios do julgamento sobreviveram, os de Ghiberti e o vice-campeão, Filippo Brunelleschi , também com pouco mais de 20 anos. O júri achou muito difícil decidir entre eles e propôs que os dois colaborassem, mas Brunelleschi recusou e, após essa derrota, voltou-se cada vez mais para a arquitetura. A decisão foi amarga, e a disputa continuou a causar mal-estar por muitos anos. Ambas as composições refletiam a consciência dos mais recentes estilos florentinos, esculturas antigas e o gótico internacional do norte; a escolha não era de forma alguma entre estilos novos e antigos. As figuras de Ghiberti são mais efetivamente integradas ao fundo da paisagem. Em Ghiberti "o clima é muito mais suave" do que a "interpretação rígida e estóica" de Brunelleschi. O Isaac de Ghiberti era um nu idealizado, com "a sugestão de um heroísmo tocantemente mudo e infantil diante de uma desgraça inexplicável", também descrito como "a primeira figura nua verdadeiramente renascentista; nele o naturalismo e o classicismo são misturados e sublimados por uma nova visão do que um ser humano pode ser".

Ghiberti teve que estabelecer uma fundição e expandir sua oficina, que chegou a contar com cerca de 25 pessoas, incluindo Donatello, Michelozzo , Paolo Uccello e Masolino . As primeiras portas não foram penduradas até 1424, e no ano seguinte a guilda encomendou mais um conjunto dele, os chamados "Portões do Paraíso" (após uma observação de Michelangelo). Desta vez não houve competição, mas houve um intervalo de alguns anos antes do início do trabalho; toda a fundição principal parece ter sido feita em 1436, mas não foi concluída até 1452. Desta vez, há apenas dez painéis principais maiores, cinco de altura em cada porta. Eles são quadrados e totalmente em vez de parcialmente dourados . As figuras não são maiores, mas são definidas em paisagens em perspectiva ou paisagens urbanas. Diferentes níveis de relevo são usados ​​de forma magistral para concentrar o olhar do espectador nos elementos mais importantes.

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  O Sacrifício de Isaac , peça experimental de Brunelleschi para as portas norte da competição Batistério de Florença , 1401

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  O Sacrifício de Isaac , peça vencedora de Ghiberti para a competição 1401

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  Portões do Paraíso , Batistério, Florença , as portas in situ são reproduções

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  Adão e Eva , das Portas do Paraíso

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  Vista em ângulo de um painel com a história de Abraão das Portas do Paraíso

Donatello

Donatello , "o artista individual mais influente do século XV", começou a receber encomendas significativas por volta de 1408, principalmente em mármore, e em 1411 seu São Marcos foi encomendado para o Orsanmichele. No meio século seguinte, ele foi o escultor mais importante e inventivo da Itália, trazendo o estilo renascentista à maturidade. Seu trabalho sempre foi altamente expressivo de emoção, em uma variedade de humores diferentes, e em seus últimos anos isso muitas vezes toma um rumo mais intenso.

Ele desenvolveu um estilo de relevo muito raso e delicado, chamado stiacciato , enquanto também se destacava em estátuas, incluindo a desafiadora primeira equestre de bronze (veja acima). Seu segundo, de bronze, David é merecidamente uma das esculturas mais famosas do período e a primeira estátua nua autônoma do Renascimento. David , o matador de gigantes bíblico, era um símbolo de Florença, e um bronze de Verrocchio foi outra comissão dos Medici na década de 1470, seguida pela famosa estátua de mármore de Michelangelo no início do século seguinte.

Donatello passou cerca de três anos em Roma (1430-33) com seu colaborador Michelozzo , mais conhecido como arquiteto. Isso aprofundou sua compreensão do estilo clássico. Em 1443 ele deixou Florença para Pádua, para seu equestre Gattamelata (veja acima), fundando uma tradição de fundição de bronze lá. Ele esteve fora por dez anos, durante os quais seu estilo final mais duro começou a se desenvolver.

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  São Jorge , mármore, para Orsanmichele , 1415-17

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  O David de bronze (década de 1440?), Bargello Florence, h.158 cm

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  Virgem e Menino , terracota

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  Madalena penitente , madeira, c. 1455

Meio do século

De cerca de 1430 a 1480, havia um número notável de escultores significativos, trabalhando em variações pessoais do estilo estabelecido por Ghiberti, Donatello e outros. Charles Avery descreve como "os dois modos esculturais díspares de meados do século, o 'estilo doce' de Ghiberti e o expressionismo brutal de Donatello", observando que Verrocchio "foi capaz de misturar" os dois.

O primeiro trabalho documentado de Luca della Robbia é uma galeria de canto ou cantoria na Catedral de Florença (1431-1438) com relevos de crianças. Depois que Donatello retornou de Roma, ele foi contratado para fazer uma correspondência (1433-40). De acordo com Roberta Olsen, "enquanto as figuras extremamente doces e refinadas de Luca criam um clima ideal, os putti livremente expressivos de Donatello são irreverentes. Eles são anjos não ortodoxos rechonchudos ... Em contraste, as figuras contidas de Luca ... alusões à antiguidade são encobertas enquanto as de Donatello são abertas".

Com Donatello ausente em Pádua de 1443 a 1453, o 'estilo doce' dominou a escultura florentina pelos próximos 25 anos, com o mais velho Luca della Robbia , os irmãos Bernardo e Antonio Rossellino mais tarde acompanhados por Andrea del Verrocchio como figuras principais.

Além dos já mencionados, Desiderio da Settignano (m. 1464, em seus trinta e poucos anos) é menos conhecido, pois morreu muito jovem, e muitas de suas obras são relevos religiosos relativamente pequenos, marcados por "delicadeza" e "extrema sutileza". Ele também produziu vários retratos de crianças. Um aluno foi provavelmente o Mestre não identificado das Madonas de Mármore que continuou em seu estilo na próxima geração.

O Tempio Malatestiano em Rimini foi projetado por Leone Battista Alberti , o principal teórico da arte da época, para Sigismondo Malatesta , governante da cidade que também era comandante do exército papal, antes de se tornar "a única pessoa viva publicamente condenada ao inferno pelo Papa " (em 1460).

Nunca foi concluído como planejado, mas continua sendo extremamente importante arquitetonicamente, assim como o interior com "a mais rica decoração escultórica de qualquer edifício renascentista" até 1449, quando a primeira escultura foi adicionada. Tanto por dentro como por fora, a escultura está em baixo relevo, em faixas que correm verticalmente ou horizontalmente em muitas superfícies. A temática era por vezes inovadora, com capelas agora chamadas de "as Crianças Brincando", "os Planetas" e as "Artes e Ciências", dos temas dos relevos. A principal oficina responsável foi a de Agostino di Duccio ; outro pode ter compartilhado o trabalho, talvez o de Matteo de' Pasti .

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  Cantoria de Luca della Robbia , agora Museu da Catedral de Florença

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  Detalhe da cantoria de Luca della Robbia

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  Detalhe da cantoria de Donatello

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  Desiderio da Settignano , Jesus e João Batista , 1455-57

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  Filosofia , do Tempio Malatestiano , Rimini

Crise da década de 1490

O final do século XV viu uma espécie de crise na escultura, especialmente em Florença. Depois de cerca de 1485, as fontes tradicionais de grandes comissões estavam secando. Os projetos escultóricos tornaram-se menores, muitas vezes pagos por indivíduos solteiros, sobretudo os Medici.

A invasão francesa da Itália em 1494 desestabilizou a Itália e iniciou uma série de guerras que em 1559 levaram os Habsburgos espanhóis e austríacos a dominarem o país. Os Medici foram expulsos de Florença em 1494, para depois retornar, e Ludovico Duque de Milão também caiu em 1499. Muitos artistas se mudaram para evitar os combates, incluindo Michelangelo, que passou um ano em Bolonha . O Cavalo Sforza de Leonardo foi apenas um dos grandes projetos abandonados nesses anos. O túmulo ambicioso e estilisticamente avançado do general francês Gaston de Foix, Duque de Nemours (falecido em 1512) por Agostino Busti foi abandonado quando os franceses foram expulsos de Milão. As figuras e alguns relevos concluídos estão em Milão, e outros relevos em Turim , com desenho do desenho pretendido e moldes da maior parte, em Londres.

século 16

Michelangelo

A década de 1490 viu o surgimento de Michelangelo como um talento excepcional, culminando em sua Pietà , iniciada em 1498. No início do século seguinte, ele começou seu David . Isso "estabeleceu a reputação de Michelangelo ... em toda a Itália e ainda mais longe", e continua sendo sua escultura mais famosa. Depois disso, escultores de grandes obras tiveram que reagir à enorme força das figuras de Michelangelo. Em 1504, Michelangelo recebeu a primeira das enormes encomendas de pintura, para a Batalha de Cascina (nunca concluída), que o afastaria da escultura durante grande parte de sua carreira e deixaria muitos projetos escultóricos inacabados. Mas é uma "teoria equivocada" comum que essa foi uma preferência deliberada; em vez disso, foi causado por seu perfeccionismo, recusa em delegar a assistentes e incapacidade de lidar com as múltiplas demandas de seus poderosos patronos. Uma grande figura de bronze do Papa Júlio II para Bolonha também foi destruída em 1511 pela cidade.

A técnica única de Michelangelo de esculpir estátuas era inicialmente esculpir apenas uma face do bloco, em vez de ter um assistente para obter as dimensões aproximadas da figura em todos os lados, como outros escultores fizeram. À medida que avançava e as vistas laterais começavam a surgir, ele começava a esculpir as laterais do quarteirão. Esta técnica deu-lhe "margem para alterações e revisões contínuas dos contornos, e até mesmo das posições", de todas as partes ainda não alcançadas. Mas exigia sua total concentração durante todo o processo de escultura, e efetivamente descartou o uso de assistentes, exceto para etapas de acabamento, como polimento. Suas várias esculturas inacabadas demonstram a técnica, mas também mostram as exigências excessivas que a técnica lhe impõe.

Michelangelo foi convidado pelo Papa pela primeira vez a criar o Túmulo do Papa Júlio II em 1505, e começou a escolher o mármore, levando vários meses. Mas de 1508 a 1512 ele foi desviado para pintar o teto da Capela Sistina . Originalmente, o túmulo havia sido planejado como uma estrutura piramidal independente com muitas figuras, mas após a morte do papa em 1513, um novo contrato foi assinado especificando que ficaria encostado em uma parede. O trabalho continuou "espasmódico" até 1545, quando "aquele fragmento miserável que temos do esquema original", com Moisés e outras duas estátuas dele, foi instalado em San Pietro in Vincoli , pois a Basílica de São Pedro era um canteiro de obras. Outras peças estão em outros lugares, a maioria inacabada. O jovem nu masculino Victory , com uma Figura serpentinata torcida , que ele deixou em seu estúdio em Florença, influenciou muito os escultores mais jovens de lá. Em contraste, seus quatro "escravos inacabados", agora no Louvre, "não foram tratados com a reverência possivelmente exagerada com que são agora mantidos", mas colocados na gruta dos Jardins de Boboli .

A sua Capela dos Médici , inicialmente projectada em 1520, teve uma história algo semelhante, mas o que acabou por ser instalado (por Tribolo em 1545) constitui um conjunto muito mais satisfatório, "um dos mais célebres complexos escultóricos do mundo".

Escultura maneirista e renascentista

Baccio Bandinelli , que de acordo com Vasari era obcecado pela rivalidade tanto com o Michelangelo um pouco mais velho quanto com o Cellini um pouco mais jovem, recebeu a comissão muito politizada para Hércules e Caco na Piazza della Signoria, usando um bloco de mármore originalmente atribuído a Michelangelo. Na época e posteriormente, foi visto como uma tentativa fracassada de imitar Michelangelo; Cellini descreveu o físico do herói como semelhante a "um saco de melões", e escritores de versos hostis foram presos. No entanto, os Medici ficaram com ele, na ausência de Michelangelo em Roma, e ele recebeu a maioria das principais encomendas em Florença por várias décadas, apesar de (como Michelangelo) ter um histórico ruim de concluir obras.

Os escultores florentinos que tentaram conciliar as influências de Michelangelo e do maneirismo incluíram Niccolò Tribolo e seu pupilo Pierino da Vinci (sobrinho de Leonardo). A carreira de Tribolo foi desviada para o gerenciamento do abastecimento de água da cidade e outros trabalhos de engenharia, e alguns de seus melhores trabalhos posteriores são fontes para os jardins dos Medici. Pierino era extremamente talentoso, mas morreu aos 24 anos. Além das estátuas, desenvolveu um estilo de relevo maneirista muito eficaz, algo que havia escapado a Cellini e no qual não teve sucessores.

Benvenuto Cellini treinou como ourives em Florença e trabalhou principalmente em metal, embora tenha aprendido a esculpir mármore muito bem. Graças à sua autobiografia (que só foi encontrada no século XVIII) sabemos mais sobre ele do que qualquer outro escultor da época. Sua obra-prima indubitável é Perseu com a Cabeça de Medusa , 1545-1554, talvez sempre destinado à sua atual posição de destaque na Loggia dei Lanzi . Ele "tem o equilíbrio elegante e sem esforço que foi a marca registrada da arte maneirista".

Bartolomeo Ammannati foi um escultor talentoso, não melhor representado por sua obra mais proeminente, a figura central da Fonte de Netuno, em Florença , onde assumiu, após concurso, um bloco iniciado por Bandinelli. Mais tarde na vida, sob a influência da Contra-Reforma , ele se voltou contra a nudez na escultura pública e cessou o trabalho. Vincenzo Danti , que também participou da competição de Netuno , descobriu que não poderia competir em Florença com Giambologna e retornou à sua terra natal , Perugia , como arquiteto da cidade e professor na nova academia.

O florentino Jacopo Sansovino foi inicialmente um escultor. Ele estava trabalhando em Roma, mas depois do Saque em 1528 partiu para Veneza, onde permaneceu. Ele é lembrado principalmente como o arquiteto mais importante do período lá, e não está claro quanto da escultura em seus edifícios ele executou. Ele trabalhou em estreita colaboração com Alessandro Vittoria , que é considerado o escultor veneziano mais importante. Seus bustos de retrato bastante severos combinavam com o gosto veneziano.

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  Hércules e Cacus , Baccio Bandinelli , Piazza della Signoria, Florença

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  Restauração de Pisa por Cosimo I de' Medici , por Pierino da Vinci

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  Vincenzo Danti , Decapitação de João Batista , década de 1570

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  Alessandro Vittoria , Busto de um patrício veneziano, 1570-1600

Giambologna

Conhecido como Jean de Boulogne em casa em Douai , Flandres (agora na França), Giambologna treinou com um escultor local que esteve na Itália. Aos 21 anos passou dois anos em Roma e, voltando para o norte em 1557, encontrou um patrono em Florença, que o apresentou à corte. Sua entrada para a competição de Florença Netuno em 1560 não foi bem sucedida, mas provavelmente fez com que as autoridades de Bolonha o convidassem para fazer sua Fonte de Netuno, Bolonha . Concluída em 1566, esta foi sua maior encomenda até hoje. Ele foi brevemente chamado de Bolonha em 1565 para fazer decorações temporárias para um casamento Medici. Ele produziu um modelo em tamanho real em gesso (gesso) de Florença triunfando sobre Pisa , que foi exibido no casamento. A versão em mármore foi feita mais tarde, talvez por um assistente. Este trabalho introduz seu interesse pelo "problema de unir duas figuras em um grupo de ação", que muitos trabalhos posteriores continuam.

À medida que sua carreira se desenvolveu, ele se mostrou um gerente capaz de uma grande oficina e um gerente eficiente de comissões, permitindo sua grande produção, principalmente em bronze. Ele sempre trabalhou a partir de modelli que sua oficina muitas vezes repetia em tamanhos diferentes. Suas elegantes figuras retorcidas culminam em seu mármore Rape of the Sabine (1579-1585, um título que ele adotou após a conclusão do trabalho, por sugestão de um amigo), que foi projetado para ser igualmente satisfatório visto de qualquer ângulo, como foi seu Mercury anterior. , equilibrado em um pé (há quatro versões).

Muitas de suas estátuas maiores eram originalmente para jardins, muitas vezes como a peça central de uma fonte. O enorme Colosso dos Apeninos (década de 1580) fica nos jardins da Villa di Pratolino , um jardim maneirista clássico cheio de esculturas, grutas e autômatos, incluindo aqueles que esguichavam água nos visitantes. Parcialmente esculpida em uma rocha, é grande demais para ser transferida para um museu, então permanece no local. De outros artistas, os Monstros Bomarzo , na maioria afloramentos naturais de rocha fantasticamente esculpidos, e os jardins da Villa d'Este em Tivoli, Lazio são outras peças de escultura de jardim maneirista, ambas muito melhor preservadas do que o resto da Villa di Pratolino.

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  Fonte de Netuno, Bolonha , 1553-1556

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  Florença triunfando sobre Pisa , modello em gesso (gesso), para um casamento Medici em 1565

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  Grande versão de bronze de Mercúrio ( Bargello )

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  Rapto da Sabine , 1579-1585

italianos no exterior

No final do período, a indústria de impressão reprodutiva distribuiu imagens impressas de obras italianas por toda a Europa; antiguidades e pinturas eram os temas mais populares, mas muitas esculturas renascentistas foram copiadas. Mas antes de cerca de 1530, a principal exposição dos estrangeiros à arte renascentista italiana eram os movimentos físicos de artistas italianos ou obras no exterior, ou visitantes estrangeiros na Itália. Muitos artistas estrangeiros, especialmente os holandeses, fizeram visitas prolongadas à Itália, geralmente no início de suas carreiras, e levaram o que aprenderam para seus países de origem. Por exemplo, acredita-se que o professor de Giambologna, Jacques du Broeucq , tenha passado cerca de cinco anos na Itália e adotado um estilo italianizado uma vez de volta à Antuérpia . Após 1550 a consolidação de grande parte da Europa sob os Habsburgos deu origem a "uma notável internacionalidade de estilo decorativo", com artistas, ou seus desenhos, gravuras e plaquetas, espalhando desenhos por toda a Europa, sendo a Itália o ponto de origem habitual.

Os períodos de trabalho de italianos no exterior muitas vezes tiveram efeitos decisivos na futura escultura do país visitado, fornecendo modelos para artistas locais; este foi especialmente o caso na França. Embora as guerras italianas iniciadas em 1494 tenham sido um desastre para a Itália, elas resultaram em uma "dominação cultural italiana da Europa ... que compensou artisticamente a sujeição política e militar da Itália". No final do período, o turismo, impulsionado pelo interesse pela arte italiana, já estava se tornando economicamente significativo, especialmente para Florença, Veneza e Roma.

Objetos portáteis como medalhas e pequenos bronzes chegaram ao resto da Europa e inspiraram imitações locais. No final do período, os pequenos bronzes de Giambologna e sua oficina (e seus imitadores) eram uma pequena indústria principalmente para exportação. O próprio Giambologna, como principal escultor do final do século XVI, recebeu muitos convites para trabalhar em cortes estrangeiras, que os Grão-Duques Médici não lhe permitiram aceitar. Os principais artistas às vezes eram cautelosos em aceitar convites estrangeiros, especialmente dos Habsburgos, pois geralmente precisavam do consentimento do governante para sair novamente.

Os longos períodos de trabalho fora da Itália de Torrigiano e Lariana foram mencionados acima. Tal como acontece com outros emigrantes, quando no estrangeiro trabalhavam principalmente para círculos da corte com gosto avançado. Os artistas da corte Tudor eram principalmente da Holanda, embora alguns, como o primeiro medalhista inglês, Steven van Herwijck , tivessem trabalhado na Itália. Os poucos escultores italianos incluíam Torrigiano e provavelmente o especialista em terracota Guido Mazzoni , que certamente passou alguns anos depois de 1495 na França. Após a Reforma Inglesa, os visitantes eram quase todos pintores de retratos, mas durante o reinado de Maria I da Inglaterra , o medalhista e joalheiro dos Habsburgos, Jacopo da Trezzo, visitou.

A Primeira Escola de Fontainebleau foi um grupo de italianos liderados por pintores convidados para a França pelo rei François I para vir à França, onde começaram a decorar o enorme novo Château de Fontainebleau , formando uma colônia virtual de artistas na floresta na década de 1530. Seu grande número de elegantes relevos maneiristas em estuque , muitas vezes de mulheres altas, magras e nuas, "extravagantemente não clássico" de acordo com Kenneth Clark , foram altamente influentes no estilo maneirista do norte francês ; alguns foram mostrados nas gravuras que o grupo produziu.

Benevenuto Cellini passou 1540-1545 na França, onde produziu seu sal de ouro (veja acima) e um grande relevo de bronze Ninfa de Fontainebleau (1542, agora Louvre ) no que estava se tornando conhecido como o "estilo francês". Ele provavelmente foi influenciado pelos estuques de Fontainebleau.

Domenico Fancelli (1469–1519) produziu várias efígies tumulares para a realeza espanhola e a importante família Mendoza , mas trabalhou em Carrara, visitando a Espanha brevemente "para instalar sua obra e assinar novos contratos". Da mesma forma, Leone Leoni ficou em Milão depois de ser nomeado para administrar a casa da moeda imperial para os Habsburgos, mas seu filho Pompeo mudou-se para a Espanha, onde terminou e instalou as obras maiores de seu pai e produziu as suas próprias.

Andrea Sansovino passou grande parte de 1491 a 1501 trabalhando em Portugal para o rei Manuel I de Portugal . Jacopo Caraglio , que presumivelmente havia treinado como ourives, foi um gravador significativo no início do Maneirismo Romano, com desenhos de Rosso Fiorentino e outros. Um dos muitos artistas que fugiram de Roma após o saque em 1527, e depois de alguns anos em Veneza, ele estava na corte polonesa em 1539, onde passou o resto de sua carreira como ourives da corte, incluindo esculturas de camafeus de gemas gravadas e medalhas de modelagem da família real. O obscuro escultor florentino chamado Gregorio di Lorenzo viajou para a Hungria no final do século XV para trabalhar para a corte. O rei Matthias Corvinus (r. 1464–1490) recebeu dois relevos de Verrocchio como presente diplomático de Lorenzo de' Medici . Giovanni Dalmata também foi trabalhar para o rei Matthias em 1481.

Notas

Referências

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links externos

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