Música - Music

Alegoria da Música , de François Boucher , 1764

Música é a arte de organizar sons no tempo por meio de elementos de melodia, harmonia, ritmo e timbre. É um dos aspectos culturais universais de todas as sociedades humanas. As definições gerais de música incluem elementos comuns como altura (que rege a melodia e harmonia ), ritmo (e seus conceitos associados, ritmo , métrica e articulação ), dinâmica (volume e suavidade) e as qualidades sônicas de timbre e textura (que são às vezes chamada de "cor" de um som musical). Diferentes estilos ou tipos de música podem enfatizar, diminuir ou omitir alguns desses elementos. A música é executada com uma vasta gama de instrumentos e técnicas vocais que vão do canto ao rap ; há apenas peças instrumentais , apenas peças vocais (como canções sem acompanhamento instrumental ) e peças que combinam canto e instrumentos. A palavra deriva do grego μουσική ( mousiké ; "(arte) das Musas ").

Em sua forma mais geral, as atividades que descrevem a música como uma forma de arte ou atividade cultural incluem a criação de obras musicais ( canções , melodias, sinfonias e assim por diante), a crítica da música , o estudo da história da música e o exame estético da música . Filósofos gregos e indianos antigos definiam a música em duas partes: melodias, como tons ordenados horizontalmente, e harmonias, como tons ordenados verticalmente. Frases comuns como "a harmonia das esferas " e "é música para meus ouvidos" apontam para a noção de que a música costuma ser ordenada e agradável de ouvir. No entanto, o compositor do século 20 John Cage pensava que qualquer som pode ser música, dizendo, por exemplo, "Não há ruído , apenas som."

A criação, performance, significado e até mesmo a definição da música variam de acordo com a cultura e o contexto social. De fato, ao longo da história, algumas novas formas ou estilos de música têm sido criticados como "não sendo música", incluindo Beethoven 's Grosse Fuge quarteto de cordas em 1825, início de jazz no início da década de 1900 e punk hardcore na década de 1980. Existem muitos tipos de música, incluindo música popular , música tradicional , música erudita , música escrita para cerimônias religiosas , e canções de trabalho , tais como chanteys . A música varia de composições estritamente organizadas - como sinfonias de música clássica dos anos 1700 e 1800 - até música improvisada espontaneamente tocada , como jazz , e estilos de vanguarda da música contemporânea baseada no acaso dos séculos 20 e 21.

A música pode ser dividida em gêneros (por exemplo, música country ) e os gêneros podem ser divididos em subgêneros (por exemplo, country alternativo e country pop são dois dos muitos subgêneros country), embora as linhas divisórias e as relações entre os gêneros musicais sejam frequentemente sutis, às vezes aberto a interpretação pessoal e, ocasionalmente, controverso. Por exemplo, pode ser difícil traçar a linha entre o hard rock e o heavy metal do início dos anos 1980 . Dentro das artes , a música pode ser classificada como uma arte performática , uma bela arte ou uma arte auditiva. A música pode ser tocada ou cantada e ouvida ao vivo em um concerto de rock ou orquestra, ouvida ao vivo como parte de uma obra dramática (um show de teatro musical ou ópera), ou pode ser gravada e ouvida em um rádio, MP3 player, CD jogador , smartphone ou como trilha sonora de filme ou programa de TV.

Em muitas culturas, a música é uma parte importante do modo de vida das pessoas, pois desempenha um papel fundamental em rituais religiosos , cerimônias de rito de passagem (por exemplo, formatura e casamento), atividades sociais (por exemplo, dança ) e atividades culturais que variam de amador cantar de karaokê a tocar em uma banda de funk amador ou cantar em um coro comunitário . As pessoas podem fazer música por hobby, como um adolescente tocando violoncelo em uma orquestra juvenil , ou trabalhar como músico ou cantor profissional. A indústria da música inclui os indivíduos que criam novas canções e peças musicais (como compositores e compositores), indivíduos que executam música (que inclui orquestra, bandas de jazz e músicos de bandas de rock, cantores e maestros), indivíduos que gravam música (produtores musicais e engenheiros de som ), indivíduos que organizam turnês de concertos e indivíduos que vendem gravações, partituras e partituras para clientes. Mesmo quando uma música ou peça foi executada, críticos de música , jornalistas de música e estudiosos de música podem analisar e avaliar a peça e sua performance.

Etimologia

Na mitologia grega , as nove musas foram a inspiração para muitos empreendimentos criativos, incluindo as artes .

A palavra ' música ' deriva do grego antigo μουσική ( mousiké ) '(arte) das musas '. Na mitologia grega , as nove musas eram as deusas que inspiraram a literatura, a ciência e as artes e que eram a fonte do conhecimento incorporado na poesia, nas letras das canções e nos mitos da cultura grega. De acordo com o Dicionário de Etimologia Online , o termo música é derivado de "meados de 13c., Musike , do francês antigo musique (12c.) E diretamente da musica latina 'a arte da música', incluindo também poesia (também [a] fonte de espanhol música , Italiano musica , alto alemão antigo mosica , Alemão Musik , Holandês muziek , dinamarquês musik )." Isto é derivado do "... grego mousike ( techne ) '(arte) das Musas,' de fem. De mousikos 'relativo às Musas', de Mousa 'Musa' (ver musa (n.)). Moderno ortografia [data] da década de 1630. Na Grécia clássica , [o termo 'música' refere-se a] qualquer arte presidida pelas Musas, mas especialmente a música e a poesia lírica . "

Arte e entretenimento

A música é composta e executada para muitos fins, que vão desde o prazer estético, fins religiosos ou cerimoniais, ou como um produto de entretenimento para o mercado. Quando a música estava disponível apenas através da partitura pontuação, como durante as eras clássicas e românticas, os amantes da música iria comprar a partitura de suas peças e músicas favoritas para que pudessem realizá-las em casa no piano. Com o advento do fonógrafo , as gravações de canções populares, em vez de partituras, tornaram-se a forma dominante de os amantes da música desfrutarem de suas canções favoritas. Com o advento dos gravadores domésticos na década de 1980 e da música digital na década de 1990, os amantes da música podiam fazer fitas ou listas de reprodução de suas canções favoritas e levá-las consigo em um toca-fitas portátil ou MP3 player. Alguns amantes da música criam mix tapes de suas canções favoritas, que servem como "autorretrato, gesto de amizade, prescrição de uma festa ideal ... [e] um ambiente constituído apenas pelo que é mais ardentemente amado".

Músicos amadores podem compor ou executar música para seu próprio prazer e obter sua renda em outro lugar. Músicos profissionais são empregados por uma série de instituições e organizações, incluindo forças armadas (em bandas marciais , bandas de concerto e grupos de música popular), igrejas e sinagogas, orquestras sinfônicas, empresas de transmissão ou produção de filmes e escolas de música . Músicos profissionais às vezes trabalham como freelancers ou músicos de sessão , buscando contratos e compromissos em uma variedade de ambientes. Freqüentemente, existem muitas ligações entre músicos amadores e profissionais. Músicos amadores iniciantes têm aulas com músicos profissionais. Em ambientes comunitários, músicos amadores avançados tocam com músicos profissionais em uma variedade de conjuntos, como bandas de concertos comunitários e orquestras comunitárias.

Freqüentemente, é feita uma distinção entre música tocada para uma audiência ao vivo e música tocada em um estúdio para que possa ser gravada e distribuída por meio do sistema de varejo de música ou do sistema de transmissão. No entanto, também há muitos casos em que uma performance ao vivo na frente de uma platéia também é gravada e distribuída. As gravações de concertos ao vivo são populares tanto na música clássica quanto em formas de música popular , como o rock, onde concertos ao vivo gravados ilegalmente são apreciados pelos amantes da música. Na cena de jam band , jam sessions improvisadas ao vivo são preferidas a gravações em estúdio.

Composição

Pessoas compondo música em 2013 usando teclados eletrônicos e computadores.
Compositor de música barroca francesa Michel Richard Delalande (1657–1726), caneta na mão.

"Composição" é o ato ou prática de criar uma canção, uma peça musical instrumental , um trabalho com canto e instrumentos ou outro tipo de música. Em muitas culturas, incluindo a música clássica ocidental, o ato de compor também inclui a criação de notação musical , como uma "partitura" de partitura , que é então executada pelo compositor ou por outros cantores ou músicos. Na música popular e na música tradicional, o ato de compor, que normalmente é chamado de composição, pode envolver a criação de um esboço básico da música, chamado de folha principal , que estabelece a melodia , a letra e a progressão de acordes . Na música clássica, o compositor normalmente orquestra suas próprias composições, mas no teatro musical e na música pop, os compositores podem contratar um arranjador para fazer a orquestração. Em alguns casos, um compositor pode não usar nenhuma notação e, em vez disso, compor a música em sua mente e, em seguida, reproduzi-la ou gravá-la de memória. No jazz e na música popular, as gravações notáveis ​​de artistas influentes recebem o peso que as partituras escritas desempenham na música clássica.

Mesmo quando a música é notada com relativa precisão, como na música clássica, há muitas decisões que um executor deve tomar, porque a notação não especifica todos os elementos da música com precisão. O processo de decidir como executar uma música previamente composta e notada é denominado "interpretação". As interpretações de diferentes intérpretes da mesma obra musical podem variar amplamente, em termos dos tempos escolhidos e do estilo de execução ou canto ou do fraseado das melodias. Compositores e compositores que apresentam sua própria música estão interpretando suas canções, tanto quanto aqueles que interpretam a música de outras pessoas. O corpo padrão de escolhas e técnicas presentes em um determinado momento e local é referido como prática de desempenho , enquanto a interpretação é geralmente usada para significar as escolhas individuais de um artista.

Embora uma composição musical frequentemente use notação musical e tenha um único autor, nem sempre é esse o caso. Uma obra musical pode ter vários compositores, o que geralmente ocorre na música popular quando uma banda colabora para escrever uma música, ou no teatro musical, quando uma pessoa escreve as melodias, uma segunda pessoa escreve as letras e uma terceira pessoa orquestra as músicas . Em alguns estilos de música, como o blues , um compositor / compositor pode criar, executar e gravar novas canções ou peças sem nunca escrevê-las em notação musical. Uma peça musical também pode ser composta com palavras, imagens ou programas de computador que explicam ou notam como o cantor ou músico deve criar sons musicais. Os exemplos variam de música de vanguarda que usa notação gráfica a composições de texto, como Aus den sieben Tagen , a programas de computador que selecionam sons para peças musicais. A música que faz uso intenso da aleatoriedade e do acaso é chamada de música aleatória e está associada a compositores contemporâneos ativos no século 20, como John Cage , Morton Feldman e Witold Lutosławski . Um exemplo mais conhecido de música baseada no acaso é o som de sinos de vento tilintando ao vento.

O estudo da composição tem sido tradicionalmente dominado pelo exame dos métodos e práticas da música clássica ocidental, mas a definição de composição é ampla o suficiente para incluir a criação de música popular e canções de música tradicional e peças instrumentais, bem como obras espontaneamente improvisadas como as de artistas de free jazz e percussionistas africanos, como bateristas Ewe .

Notação

A partitura é uma representação escrita da música. Arranjo homorrítmico (ou seja, no estilo de um hino ) do tradicional " Adeste Fideles " no formato padrão de duas pautas para vozes mistas.

Na década de 2000, a notação musical normalmente significa a expressão escrita de notas musicais e ritmos no papel usando símbolos. Quando a música é escrita, os tons e o ritmo da música, como as notas de uma melodia , são anotados. A notação musical geralmente também fornece instruções sobre como executar a música. Por exemplo, a partitura de uma música pode afirmar que a música é um "blues lento" ou um "swing rápido", que indica o andamento e o gênero. Para ler notação musical, uma pessoa deve ter uma compreensão da teoria musical , harmonia e prática de desempenho associada a uma música ou gênero de peça em particular.

A notação escrita varia com o estilo e período da música. Nos anos 2000, a música notada é produzida como partituras ou, para indivíduos com programas de partitura de computador , como uma imagem na tela do computador . Nos tempos antigos, a notação musical era colocada em placas de pedra ou argila. Para executar música a partir da notação, um cantor ou instrumentista requer uma compreensão dos elementos rítmicos e de altura incorporados nos símbolos e a prática de desempenho que está associada a uma peça musical ou a um gênero. Em gêneros que requerem improvisação musical , o intérprete frequentemente toca uma música em que apenas as mudanças de acorde e a forma da música são escritas, exigindo que o intérprete tenha uma grande compreensão da estrutura da música, harmonia e estilos de um gênero específico (por exemplo, jazz ou música country ).

Na música artística ocidental, os tipos mais comuns de notação escrita são as partituras, que incluem todas as partes musicais de uma peça em conjunto, e as partes, que são a notação musical para os intérpretes ou cantores individuais. Na música popular, jazz e blues, a notação musical padrão é a folha principal , que indica a melodia, acordes, letras (se for uma peça vocal) e estrutura da música. Livros falsos também são usados ​​no jazz; eles podem consistir em folhas de introdução ou simplesmente tabelas de acordes, que permitem que os membros da seção rítmica improvisem uma parte de acompanhamento para canções de jazz. Partituras e partes também são usadas na música popular e no jazz, especialmente em grandes conjuntos como as " big bands " de jazz . Na música popular, guitarristas e baixistas elétricos costumam ler música notada em tablatura (frequentemente abreviada como "tab"), que indica a localização das notas a serem tocadas no instrumento usando um diagrama da guitarra ou contrabaixo. A tablatura também foi usada na era barroca para anotar a música para o alaúde , um instrumento de cordas com trastes.

Improvisação

A improvisação desempenha um papel central no jazz; músicos aprendem progressões usando tons de escala e acordes (na foto, Johnny Hodges )

A improvisação musical é a criação de música espontânea, muitas vezes dentro (ou com base em) uma estrutura harmônica pré-existente ou progressão de acordes . Os improvisadores usam as notas do acorde, várias escalas associadas a cada acorde e ornamentos cromáticos e tons passageiros que podem não ser tons de acorde nem das escalas típicas associadas a um acorde. A improvisação musical pode ser feita com ou sem preparação. A improvisação é uma parte importante de alguns tipos de música, como blues , jazz e jazz fusion , em que músicos instrumentais improvisam solos, linhas de melodia e partes de acompanhamento.

Na tradição da música artística ocidental, a improvisação foi uma habilidade importante durante a era barroca e durante a era clássica. Na era barroca, os artistas improvisavam ornamentos e os tecladistas de baixo contínuo improvisavam aberturas de acordes com base na notação de baixo figurado . Da mesma forma, esperava-se que os melhores solistas fossem capazes de improvisar peças como prelúdios . Na era clássica, músicos solo e cantores improvisavam cadências virtuosas durante os concertos.

No entanto, no século 20 e no início do século 21, à medida que a "prática comum" da arte musical ocidental se tornou institucionalizada em orquestras sinfônicas, casas de ópera e balés, a improvisação teve um papel menor, à medida que mais e mais música era notada em partituras e partes para músicos para tocar. Ao mesmo tempo, alguns compositores de música artística dos séculos 20 e 21 têm incluído cada vez mais a improvisação em seu trabalho criativo. Na música clássica indiana , a improvisação é um componente central e um critério essencial de apresentações.

Teoria

A teoria musical abrange a natureza e a mecânica da música. Freqüentemente, envolve a identificação de padrões que governam as técnicas dos compositores e o exame da linguagem e da notação musical. Em um sentido amplo, a teoria musical destila e analisa os parâmetros ou elementos da música - ritmo, harmonia ( função harmônica ), melodia , estrutura, forma e textura . Em termos gerais, a teoria musical pode incluir qualquer declaração, crença ou concepção de ou sobre música. As pessoas que estudam essas propriedades são conhecidas como teóricos da música e normalmente trabalham como professores em faculdades, universidades e conservatórios de música. Alguns aplicaram a acústica , a fisiologia humana e a psicologia para explicar como e por que a música é percebida . Os teóricos da música publicam suas pesquisas em periódicos de teoria musical e livros da imprensa universitária.

Elementos

A música tem muitos fundamentos ou elementos diferentes. Dependendo da definição de "elemento" usado, eles podem incluir altura, batida ou pulso, tempo, ritmo, melodia, harmonia, textura, estilo, alocação de vozes, timbre ou cor, dinâmica, expressão, articulação, forma e estrutura . Os elementos musicais aparecem com destaque nos currículos musicais da Austrália, do Reino Unido e dos Estados Unidos. Todos os três currículos identificam altura, dinâmica, timbre e textura como elementos, mas os outros elementos da música identificados estão longe de ser universalmente aceitos. Abaixo está uma lista das três versões oficiais dos "elementos da música":

  • Austrália: tom, timbre, textura, dinâmica e expressão, ritmo, forma e estrutura.
  • Reino Unido: tom, timbre, textura, dinâmica, duração, andamento, estrutura.
  • EUA: altura, timbre, textura, dinâmica, ritmo, forma, harmonia, estilo / articulação.

Em relação ao currículo do Reino Unido, em 2013, o termo: " notações musicais apropriadas " foi adicionado à lista de elementos e o título da lista foi alterado de "elementos da música" para "dimensões inter-relacionadas da música". As dimensões inter-relacionadas da música são listadas como: altura, duração, dinâmica, andamento, timbre, textura, estrutura e notações musicais apropriadas.

A frase "os elementos da música" é usada em vários contextos diferentes. Os dois contextos mais comuns podem ser diferenciados, descrevendo-os como os "elementos rudimentares da música" e os "elementos perceptivos da música".

Rudimentar

Em 1800, as frases "os elementos da música" e "os rudimentos da música" eram usadas alternadamente. Os elementos descritos nestes documentos referem-se a aspectos da música que são necessários para se tornar um músico. Escritores recentes como Espie Estrella parecem estar usando a frase "elementos da música" de maneira semelhante. Uma definição que reflete com mais precisão esse uso é: "os princípios rudimentares de uma arte, ciência, etc .: os elementos da gramática." A mudança do currículo do Reino Unido para as "dimensões inter-relacionadas da música" parece ser um movimento de volta ao uso dos elementos rudimentares da música.

Perceptivo

Desde o surgimento do estudo da psicoacústica na década de 1930, a maioria das listas de elementos da música está mais relacionada a como ouvimos música do que a como aprendemos a tocá-la ou estudá-la. CE Seashore, em seu livro Psychology of Music , identificou quatro "atributos psicológicos do som". São eles: "altura, volume, tempo e timbre" (p. 3). Ele não os chamou de "elementos da música", mas se referiu a eles como "componentes elementares" (p. 2). No entanto, esses componentes elementares vinculam-se precisamente a quatro dos elementos musicais mais comuns: "Pitch" e "timbre" correspondem exatamente, "loudness" vincula-se à dinâmica e "time" vincula-se aos elementos baseados no tempo de ritmo, duração e tempo. Este uso da frase "os elementos da música" está mais intimamente ligado à definição do Novo Dicionário Webster do século 20 de um elemento como: "uma substância que não pode ser dividida em uma forma mais simples por métodos conhecidos" e as listas de elementos das instituições educacionais geralmente se alinham com esta definição também.

Embora os escritores de listas de "elementos rudimentares de música" possam variar suas listas dependendo de suas prioridades pessoais (ou institucionais), os elementos perceptivos da música devem consistir em uma lista estabelecida (ou comprovada) de elementos discretos que podem ser manipulados de forma independente para atingir um efeito musical pretendido. Parece, nesta fase, que ainda há pesquisas a serem feitas nesta área.

Uma forma ligeiramente diferente de abordar a identificação dos elementos da música é identificar os "elementos do som " como: tom , duração , volume , timbre , textura sônica e localização espacial , e então definir os "elementos da música" como : som, estrutura e intenção artística.

Descrições

Tom e melodia

Pitch é um aspecto de um som que podemos ouvir, refletindo se um som, nota ou tom musical é "mais alto" ou "mais baixo" do que outro som, nota ou tom musical. Podemos falar sobre a altura ou a baixa do tom no sentido mais geral, como a maneira como um ouvinte ouve uma nota de flautim agudamente aguda ou um tom de assobio tão agudo quanto um baque profundo de um bombo . Também falamos sobre altura no sentido preciso associado a melodias musicais , linhas de baixo e acordes . O tom preciso só pode ser determinado em sons que tenham uma frequência clara e estável o suficiente para distingui-lo do ruído. Por exemplo, é muito mais fácil para os ouvintes discernir o tom de uma única nota tocada em um piano do que tentar discernir o tom de um címbalo que é tocado.

A melodia da música tradicional " Pop Goes the Weasel "

Uma melodia (também chamada de "melodia") é uma série de tons (notas) que soam em sucessão (uma após a outra), geralmente em um padrão crescente e decrescente. As notas de uma melodia são normalmente criadas usando sistemas de altura, como escalas ou modos . As melodias também costumam conter notas dos acordes usados ​​na música. As melodias de canções populares simples e canções tradicionais podem usar apenas as notas de uma única escala, a escala associada com a nota tônica ou chave de uma determinada canção. Por exemplo, uma canção folclórica na tonalidade de Dó (também conhecida como Dó maior) pode ter uma melodia que usa apenas as notas da escala de Dó maior (as notas individuais Dó, Ré, Mi, Fá, Sol, Lá, Si e C; essas são as " notas brancas " em um teclado de piano. Por outro lado, Bebop -era jazz dos anos 1940 e música contemporânea dos séculos 20 e 21 podem usar melodias com muitas notas cromáticas (ou seja, notas adicionais às notas da escala maior; em um piano, uma escala cromática incluiria todas as notas do teclado, incluindo as "notas brancas" e "notas pretas" e escalas incomuns, como a escala de tons inteira (uma escala de tons inteira na tonalidade de Dó conteria as notas Dó, Ré, Mi, Fá ,, Sol e Lá ). Uma linha musical grave e profunda tocada por instrumentos de baixo, como contrabaixo, contrabaixo elétrico ou tuba, é chamada de linha de baixo .

Harmonia e acordes

Quando os músicos tocam três ou mais notas diferentes ao mesmo tempo, isso cria um acorde . Na música ocidental , incluindo música clássica, música pop, música rock e muitos estilos relacionados, os acordes mais comuns são tríades - três notas geralmente tocadas ao mesmo tempo. Os acordes mais usados ​​são o acorde maior e o acorde menor . Um exemplo de um acorde maior são as três notas C, E e G. Um exemplo de um acorde menor são as três notas A, C e E. (na foto, um guitarrista tocando um acorde em uma guitarra).

Harmonia se refere aos sons "verticais" dos tons da música, o que significa tons que são tocados ou cantados ao mesmo tempo para criar um acorde . Normalmente, isso significa que as notas são tocadas ao mesmo tempo, embora a harmonia também possa ser sugerida por uma melodia que delineia uma estrutura harmônica (ou seja, usando notas da melodia que são tocadas uma após a outra, delineando as notas de um acorde). Na música escrita usando o sistema de tonalidade maior-menor (" tonalidades "), que inclui a maior parte da música clássica escrita de 1600 a 1900 e a maioria do pop ocidental, rock e música tradicional, a tonalidade de uma peça determina a escala usada, que centra em torno da "nota inicial" ou tônica da chave. Peças clássicas simples e muitas canções pop e tradicionais são escritas de forma que toda a música esteja em um único tom. As canções e peças de música clássica, pop e tradicional mais complexas podem ter duas tonalidades (e, em alguns casos, três ou mais tonalidades). A música clássica da era romântica (escrita por volta de 1820-1900) geralmente contém várias tonalidades, assim como o jazz , especialmente o jazz Bebop da década de 1940, em que a tonalidade ou "nota inicial" de uma música pode mudar a cada quatro compassos ou mesmo a cada duas barras.

Ritmo

O ritmo é o arranjo de sons e silêncios no tempo. O medidor anima o tempo em agrupamentos regulares de pulso, chamados de compassos ou compassos , que na música ocidental clássica, popular e tradicional costumam agrupar as notas em conjuntos de dois (por exemplo, 2/4 de tempo), três (por exemplo, 3/4 de tempo, também conhecido como tempo de valsa , ou tempo 3/8), ou quatro (por exemplo, tempo 4/4). Os medidores são mais fáceis de ouvir porque as músicas e peças frequentemente (mas nem sempre) enfatizam a primeira batida de cada agrupamento. Existem exceções notáveis, como a batida de fundo usada em grande parte do pop e rock ocidental, em que uma música que usa um compasso que consiste em quatro batidas (chamada de tempo 4/4 ou tempo comum ) terá acentos nas batidas dois e quatro, que são tipicamente executado pelo baterista na caixa , um instrumento de percussão alto e de som distinto. No pop e no rock, as partes rítmicas de uma música são tocadas pela seção rítmica , que inclui instrumentos de tocar acordes (por exemplo, guitarra elétrica, violão, piano ou outros instrumentos de teclado), um baixo (normalmente baixo elétrico ou para alguns estilos como jazz e bluegrass , contrabaixo) e um tocador de bateria.

Textura

A textura musical é o som geral de uma peça musical. A textura de uma peça ou música é determinada por como os materiais melódico, rítmico e harmônico são combinados em uma composição, determinando assim a natureza geral do som em uma peça. A textura é frequentemente descrita em relação à densidade, ou espessura, e alcance, ou largura, entre os tons mais baixos e mais altos, em termos relativos, bem como mais especificamente distinguida de acordo com o número de vozes, ou partes, e a relação entre essas vozes (veja os tipos comuns abaixo). Por exemplo, uma textura espessa contém muitas 'camadas' de instrumentos. Uma dessas camadas pode ser uma seção de corda ou outro latão. A espessura também é afetada pela quantidade e riqueza dos instrumentos. A textura é comumente descrita de acordo com o número e a relação entre as partes ou linhas da música:

Música que contém um grande número de partes independentes (por exemplo, um concerto duplo acompanhado por 100 instrumentos orquestrais com muitas linhas melódicas entrelaçadas) é geralmente considerada como tendo uma textura "mais espessa" ou "mais densa" do que uma obra com poucas partes (por exemplo, um melodia de flauta solo acompanhada por um único violoncelo).

Timbre ou "cor de tom"

O timbre , às vezes chamado de "cor" ou "cor de tom", é a qualidade ou o som de uma voz ou instrumento. O timbre é o que diferencia um determinado som musical de outro, mesmo quando eles têm o mesmo tom e volume. Por exemplo, uma nota A de 440 Hz soa diferente quando tocada no oboé , piano, violino ou guitarra elétrica. Mesmo se diferentes músicos do mesmo instrumento tocarem a mesma nota, suas notas podem soar diferentes devido a diferenças na técnica instrumental (por exemplo, embocaduras diferentes ), diferentes tipos de acessórios (por exemplo, boquilhas para tocadores de sopro, palhetas para tocadores de oboé e fagote) ou cordas feitas de diferentes materiais para tocadores de cordas (por exemplo, cordas de tripa versus cordas de aço ). Mesmo dois instrumentistas tocando a mesma nota no mesmo instrumento (um após o outro) podem soar diferentes devido às diferentes maneiras de tocar o instrumento (por exemplo, dois instrumentistas de cordas podem segurar o arco de forma diferente).

As características físicas do som que determinam a percepção do timbre incluem o espectro , envelope e sobretons de uma nota ou som musical. Para instrumentos elétricos desenvolvidos no século 20, como guitarra elétrica, baixo elétrico e piano elétrico , o artista também pode alterar o tom ajustando os controles do equalizador , controles de tom no instrumento e usando unidades de efeitos eletrônicos , como pedais de distorção . O tom do órgão Hammond elétrico é controlado ajustando as barras de tração .

Expressão

Os cantores adicionam expressão às melodias que cantam usando vários métodos, incluindo mudar o tom de seu canto, adicionar vibrato a certas notas e enfatizar palavras importantes nas letras.

As qualidades expressivas são os elementos da música que criam mudanças na música sem alterar os tons principais ou alterar substancialmente os ritmos da melodia e seu acompanhamento. Os intérpretes, incluindo cantores e instrumentistas, podem adicionar expressão musical a uma música ou peça adicionando fraseado , adicionando efeitos como vibrato (com voz e alguns instrumentos, como guitarra, violino, instrumentos de sopro e sopros), dinâmica (o volume ou suavidade de uma peça ou de uma seção dela), flutuações de tempo (por exemplo, ritardando ou accelerando , que são, respectivamente, desacelerar e acelerar o tempo), adicionando pausas ou fermatas em uma cadência e alterando a articulação das notas (por exemplo, tornando as notas mais pronunciadas ou acentuadas, tornando as notas mais legato , o que significa conectadas suavemente, ou tornando as notas mais curtas).

A expressão é alcançada por meio da manipulação de altura (como inflexão, vibrato, slides etc.), volume (dinâmica, sotaque, tremolo etc.), duração (flutuações de tempo, mudanças rítmicas, alteração da duração da nota, como legato e staccato, etc. .), timbre (por exemplo, mudar o timbre vocal de uma voz leve para uma voz ressonante) e às vezes até mesmo textura (por exemplo, dobrar a nota do baixo para um efeito mais rico em uma peça de piano). A expressão, portanto, pode ser vista como uma manipulação de todos os elementos para transmitir "uma indicação de humor, espírito, caráter etc." e como tal não pode ser incluído como um elemento perceptivo único da música, embora possa ser considerado um importante elemento rudimentar da música.

Forma

Partituras notação para o refrão (refrão) da canção de Natal " Jingle Bells "

Na música, a forma descreve a estrutura geral ou plano de uma canção ou peça musical e descreve o layout de uma composição dividida em seções. No início do século 20, as canções do Tin Pan Alley e as canções musicais da Broadway costumavam estar na forma AABA de 32 compassos , em que as seções A repetiam a mesma melodia de oito compassos (com variação) e a seção B fornecia uma melodia ou harmonia contrastante para oito compassos . Da década de 1960 em diante, as canções de pop e rock ocidentais estão frequentemente na forma de verso-refrão , que é baseado em uma sequência de seções de verso e refrão ("refrão"), com novas letras para a maioria dos versos e letras repetidas para os refrões. A música popular freqüentemente faz uso da forma estrófica , às vezes em conjunto com o blues de doze compassos .

Na décima edição do The Oxford Companion to Music , Percy Scholes define a forma musical como "uma série de estratégias destinadas a encontrar um meio-termo bem-sucedido entre os extremos opostos de repetição contínua e alteração contínua". Exemplos de formas comuns de música ocidental incluem a fuga , a invenção , sonata-allegro , cânone , estrófica , tema e variações e rondo .

Scholes afirma que a música clássica europeia tinha apenas seis formas autônomas: binária simples, ternária simples, binária composta, rondo, ar com variações e fuga (embora o musicólogo Alfred Mann enfatizasse que a fuga é principalmente um método de composição que às vezes funcionou em certas convenções estruturais.)

Onde uma peça não pode ser prontamente dividida em unidades seccionais (embora possa tomar emprestada alguma forma de um poema, história ou programa ), diz-se que é totalmente composta . Esse é frequentemente o caso com uma fantasia , prelúdio , rapsódia , estudo (ou estudo), poema sinfônico , Bagatelle , improviso , etc. O professor Charles Keil classificou as formas e os detalhes formais como "seccionais, desenvolvimentais ou variacionais".

Análise de estilos

O funk dá ênfase ao ritmo e ao groove , com canções inteiras baseadas em um vampiro em um único acorde. Na foto estão os músicos funk influentes George Clinton e Parliament-Funkadelic em 2006.

Alguns estilos de música enfatizam alguns desses fundamentos, enquanto outros dão menos ênfase a certos elementos. Para dar um exemplo, enquanto Bebop -era jazz faz uso de acordes muito complexos, incluindo dominantes alterados e progressões de acordes desafiadoras , com acordes mudando duas ou mais vezes por compasso e tons mudando várias vezes em uma melodia, o funk coloca a maior parte de sua ênfase em ritmo e groove , com canções inteiras baseadas em um vampiro em um único acorde. Enquanto a música clássica da era romântica de meados ao final de 1800 faz grande uso de mudanças dramáticas de dinâmica, de seções sussurrantes de pianíssimo a estrondosas seções de fortíssimo, algumas suítes de dança barroca inteiras para cravo do início de 1700 podem usar uma única dinâmica. Para dar outro exemplo, enquanto algumas peças de música artística , como sinfonias, são muito longas, algumas canções pop têm apenas alguns minutos de duração.

História

Pré-história

A música pré-histórica só pode ser teorizada com base em descobertas de sítios arqueológicos paleolíticos . As flautas são freqüentemente descobertas, esculpidas em ossos nos quais os orifícios laterais foram perfurados; acredita-se que eles tenham sido soprados em uma das extremidades, como o shakuhachi japonês . A flauta Divje babe , esculpida a partir de um urso das cavernas fêmur , é pensado para ser pelo menos 40.000 anos, embora haja um debate considerável surronding wheter é verdadeiramente um instrumento musical ou um objeto formado por animais. Instrumentos como a flauta de sete furos e vários tipos de instrumentos de corda , como o Ravanahatha , foram recuperados dos sítios arqueológicos da Civilização do Vale do Indo . A Índia tem uma das tradições musicais mais antigas do mundo - referências à música clássica indiana ( marga ) são encontradas nos Vedas , antigas escrituras da tradição hindu . A maior e mais antiga coleção de instrumentos musicais pré-históricos foi encontrada na China e data de entre 7.000 e 6.600 aC. O " Hino hurrita a Nikkal ", encontrado em tabuletas de argila que datam de aproximadamente 1400 aC, é a obra musical notada mais antiga que sobreviveu.

Antigo Egito

Músicos de Amun , Tumba de Nakht , 18ª Dinastia , Tebas Ocidental

O material mais antigo e a evidência representacional dos instrumentos musicais egípcios datam do período pré - dinástico , mas a evidência é mais seguramente atestada no Reino Antigo, quando harpas , flautas e clarinetes duplos eram tocados. Instrumentos de percussão, liras e alaúdes foram adicionados às orquestras pelo Império do Meio . Os címbalos freqüentemente acompanhavam a música e a dança, como ainda fazem no Egito hoje. Egyptian música folk , incluindo as tradicionais Sufi dhikr rituais, são o contemporâneo mais próximo gênero musical para egípcia antiga música, ter preservado muitas das suas características, ritmos e instrumentos.

Culturas asiáticas

Mulheres indianas vestidas com trajes regionais tocando uma variedade de instrumentos musicais populares em diferentes partes da Índia
Gangubai Hangal
Durga



A música asiática cobre uma vasta faixa de culturas musicais pesquisadas em artigos sobre a Arábia , Ásia Central , Leste Asiático , Sul da Ásia e Sudeste Asiático . Vários têm tradições que remontam à antiguidade.

A música clássica indiana é uma das tradições musicais mais antigas do mundo. A civilização do Vale do Indo possui esculturas que mostram a dança e antigos instrumentos musicais, como a flauta de sete furos. Vários tipos de instrumentos de cordas e tambores foram recuperados de Harappa e Mohenjo Daro por escavações realizadas por Sir Mortimer Wheeler . O Rigveda tem elementos da música indiana atual, com uma notação musical para denotar a métrica e o modo de cantar. A música clássica indiana (marga) é monofônica e baseada em uma única linha melódica ou raga organizada ritmicamente por meio de talas . Silappadhikaram por ilango adigal fornece informações sobre como as novas escalas podem ser formadas por mudança modal do tônica de uma escala existente. A música hindi dos dias atuais foi influenciada pela música tradicional persa e pelos mogóis afegãos . A música carnática , popular nos estados do sul, é amplamente devocional; a maioria das canções é dirigida às divindades hindus. Existem também muitas canções que enfatizam o amor e outras questões sociais.

A música clássica chinesa , a arte tradicional ou música da corte da China, tem uma história que se estende por cerca de três mil anos. Possui sistemas próprios e únicos de notação musical, bem como afinação e altura musicais, instrumentos e estilos musicais ou gêneros musicais. A música chinesa é pentatônico-diatônica, tendo uma escala de doze notas a uma oitava (5 + 7 = 12), assim como a música de influência europeia.

Grécia antiga

A música era uma parte importante da vida social e cultural na Grécia antiga , na verdade era uma das principais disciplinas ensinadas às crianças. A educação musical era considerada importante para o desenvolvimento da alma de um indivíduo. Músicos e cantores desempenhou um papel de destaque no teatro grego e os que receberam uma educação musical eram vistos como nobres e em perfeita harmonia (como se pode ler na República, Platão ) Mixed-gênero coros realizados para o entretenimento, celebração, e cerimônias espirituais . A música sagrada da Grécia Antiga será considerada um exemplo de perfeição e pureza. Os instrumentos incluíam os aulos de palheta dupla e um instrumento de cordas dedilhadas , a lira , principalmente o tipo especial chamado kithara . A música era uma parte importante da educação, e os meninos aprendiam música desde os seis anos. A alfabetização musical grega gerou um florescimento no desenvolvimento da música. A teoria da música grega incluía os modos musicais gregos , que eventualmente se tornaram a base da música clássica e religiosa ocidental . Mais tarde, influências do Império Romano , Europa Oriental e Império Bizantino mudaram a música grega. O epitáfio Seikilos é o exemplo mais antigo de uma composição musical completa, incluindo notação musical, de qualquer lugar do mundo. A obra mais antiga escrita sobre o tema da teoria musical é Harmonika Stoicheia de Aristoxenus .

Clássico ocidental

Meia idade

Léonin ou Pérotin
Breves dies hominis
Notação musical de um Missal Católico , c. 1310–1320

O medieval era (476-1400), que teve lugar durante os Idade Média , começou com a introdução de monofônico (única linha melódica) cantando em Igreja Católica Romana serviços. A notação musical foi usada desde os tempos antigos na cultura grega , mas na Idade Média, a notação foi introduzida pela primeira vez pela igreja católica para que as melodias do canto pudessem ser escritas, para facilitar o uso das mesmas melodias para a música religiosa em todo o católico Império. O repertório medieval única europeia que foi encontrado na forma escrita desde antes 800 é a monofônico litúrgica plainsong canto da Igreja Católica Romana, a tradição central do que foi chamado de canto gregoriano . Ao lado dessas tradições de música sacra e sacra , existia uma tradição vibrante de música secular ( canções não religiosas). Exemplos de compositores desse período são Léonin , Pérotin , Guillaume de Machaut e Walther von der Vogelweide .

Renascimento

TL de Victoria
Amicus meus
Alegoria da Música, de Filippino Lippi

A música renascentista (c. 1400 a 1600) era mais focada em temas seculares (não religiosos), como o amor cortês . Por volta de 1450, a imprensa foi inventada, o que tornou as partituras impressas muito mais baratas e fáceis de produzir em massa (antes da invenção da imprensa, todas as músicas notadas eram copiadas à mão). O aumento da disponibilidade de partituras ajudou a espalhar os estilos musicais mais rapidamente e em uma área maior. Músicos e cantores freqüentemente trabalhavam para a igreja, tribunais e cidades. Os coros da igreja aumentaram de tamanho, e a igreja continuou sendo um importante patrono da música. Em meados do século 15, os compositores escreveram música sacra ricamente polifônica, na qual diferentes linhas melódicas foram entrelaçadas simultaneamente. Compositores proeminentes desta época incluem Guillaume Dufay , Giovanni Pierluigi da Palestrina , Thomas Morley e Orlande de Lassus . À medida que a atividade musical mudou da igreja para as cortes aristocráticas, reis, rainhas e príncipes competiram pelos melhores compositores. Muitos compositores importantes vieram da Holanda, Bélgica e norte da França. Eles são chamados de compositores franco-flamengos. Eles ocuparam cargos importantes em toda a Europa, especialmente na Itália. Outros países com atividade musical vibrante incluem Alemanha, Inglaterra e Espanha.

Barroco

JS Bach
Toccata e Fuga

A era da música barroca ocorreu de 1600 a 1750, quando o estilo artístico barroco floresceu em toda a Europa; e durante esse tempo, a música se expandiu em seu alcance e complexidade. A música barroca começou quando as primeiras óperas (música vocal solo dramática acompanhada por orquestra) foram escritas. Durante a era barroca, a música polifônica contrapontística , na qual várias linhas melódicas independentes e simultâneas eram usadas, manteve-se importante (o contraponto era importante na música vocal da era medieval). Os compositores barrocos alemães escreveram para pequenos conjuntos, incluindo cordas , metais e instrumentos de sopro , bem como para coros e instrumentos de teclado, como órgão de tubos , cravo e clavicórdio . Durante este período, várias formas musicais importantes foram definidas, que duraram até períodos posteriores, quando foram expandidas e evoluídas ainda mais, incluindo a fuga , a invenção , a sonata e o concerto. O estilo barroco tardio era polifonicamente complexo e ricamente ornamentado. Compositores importantes da era barroca incluem Johann Sebastian Bach ( suítes para violoncelo ), George Frideric Handel ( Messias ), Georg Philipp Telemann e Antonio Lucio Vivaldi ( As Quatro Estações ).

Classicismo

WA Mozart
Symphony 40 G menor
Wolfgang Amadeus Mozart (sentado ao teclado) foi uma criança prodígio virtuose intérprete do piano e violino. Mesmo antes de se tornar um compositor célebre, ele era amplamente conhecido como um intérprete e improvisador talentoso.

A música do período clássico (1730 a 1820) pretendia imitar o que eram vistos como os elementos-chave da arte e da filosofia da Grécia e da Roma Antigas: os ideais de equilíbrio, proporção e expressão disciplinada. (Nota: a música do período clássico não deve ser confundida com a música clássica em geral, um termo que se refere à música de arte ocidental do século V aos anos 2000, que inclui o período clássico como um de vários períodos). A música do período clássico tem uma textura mais leve, clara e consideravelmente mais simples do que a música barroca que a precedeu. O estilo principal era a homofonia , onde uma melodia proeminente e uma parte de acompanhamento de acordes subordinada são claramente distintas. As melodias instrumentais clássicas tendiam a ser quase vocais e cantáveis. Novos gêneros foram desenvolvidos, e o piano forte , o precursor do piano moderno, substituiu o cravo e o órgão de tubos da era barroca como o principal instrumento de teclado (embora o órgão de tubos continuasse a ser usado na música sacra, como as missas).

Foi dada importância à música instrumental . Foi dominado por um maior desenvolvimento de formas musicais inicialmente definidas no período barroco: a sonata , o concerto e a sinfonia . Outros tipos principais eram o trio , quarteto de cordas , serenata e divertimento . A sonata era a forma mais importante e desenvolvida. Embora os compositores barrocos também tenham escrito sonatas, o estilo clássico da sonata é completamente distinto. Todas as principais formas instrumentais da era clássica, de quartetos de cordas a sinfonias e concertos, baseavam-se na estrutura da sonata. Os instrumentos utilizados na música de câmara e orquestra tornaram-se mais padronizados. No lugar do grupo baixo contínuo da era barroca, que consistia em cravo, órgão ou alaúde, juntamente com uma série de instrumentos de baixo selecionados a critério do líder do grupo (por exemplo, viol, violoncelo, teorbo, serpente), grupos de câmara clássicos usou instrumentos especificados e padronizados (por exemplo, um quarteto de cordas seria executado por dois violinos, uma viola e um violoncelo). A execução improvisada de acordes da era barroca do tecladista ou alaúde contínuo foi gradualmente eliminada entre 1750 e 1800.

Uma das mudanças mais importantes feitas no período clássico foi o desenvolvimento de concertos públicos. A aristocracia ainda desempenhava um papel significativo no patrocínio de concertos e composições, mas agora era possível aos compositores sobreviver sem serem empregados permanentes de rainhas ou príncipes. A crescente popularidade da música clássica levou a um crescimento no número e tipos de orquestras. A expansão dos concertos orquestrais exigiu a construção de grandes espaços públicos para apresentações. A música sinfônica, incluindo sinfonias, acompanhamento musical de balé e gêneros vocais / instrumentais mistos, como ópera e oratório, tornaram-se mais populares.

Os compositores do Classicismo mais conhecidos são Carl Philipp Emanuel Bach , Christoph Willibald Gluck , Johann Christian Bach , Joseph Haydn , Wolfgang Amadeus Mozart , Ludwig van Beethoven e Franz Schubert . Beethoven e Schubert também são considerados compositores na parte posterior da era clássica, quando este começou a se mover para o Romantismo.

Romantismo

O piano foi a peça central da atividade social para os urbanos de classe média no século 19 ( Moritz von Schwind , 1868). O homem ao piano é o compositor Franz Schubert .
R. Wagner
Die Walküre

A música romântica (c. 1810 a 1900) do século 19 tinha muitos elementos em comum com os estilos românticos na literatura e pintura da época. O romantismo foi um movimento artístico, literário e intelectual caracterizado por sua ênfase na emoção e no individualismo, bem como na glorificação de todo o passado e da natureza. A música romântica expandiu-se para além dos estilos e formas rígidas da era clássica em peças e canções expressivas mais apaixonadas e dramáticas. Compositores românticos como Wagner e Brahms tentaram aumentar a expressão emocional e o poder de sua música para descrever verdades mais profundas ou sentimentos humanos. Com poemas de tom sinfônico , os compositores tentaram contar histórias e evocar imagens ou paisagens por meio da música instrumental. Alguns compositores promoveram o orgulho nacionalista com música orquestral patriótica inspirada na música folclórica . As qualidades emocionais e expressivas da música passaram a ter precedência sobre a tradição.

Os compositores românticos cresceram na idiossincrasia e foram além no sincretismo de explorar diferentes formas de arte em um contexto musical (como a literatura), história (figuras históricas e lendas) ou a própria natureza. O amor ou anseio romântico foi um tema predominante em muitas obras compostas durante este período. Em alguns casos, as estruturas formais do período clássico continuaram a ser usadas (por exemplo, a forma de sonata usada em quartetos de cordas e sinfonias ), mas essas formas foram expandidas e alteradas. Em muitos casos, novas abordagens foram exploradas para gêneros, formas e funções existentes. Além disso, foram criados novos formulários considerados mais adequados ao novo assunto. Os compositores continuaram a desenvolver ópera e balé, explorando novos estilos e temas.

Nos anos após 1800, a música desenvolvida por Ludwig van Beethoven e Franz Schubert introduziu um estilo mais dramático e expressivo. No caso de Beethoven, motivos curtos , desenvolvidos organicamente, vieram substituir a melodia como a unidade composicional mais significativa (um exemplo é a figura distinta de quatro notas usada em sua Quinta Sinfonia ). Compositores românticos posteriores como Pyotr Ilyich Tchaikovsky , Antonín Dvořák e Gustav Mahler usaram acordes mais incomuns e mais dissonância para criar tensão dramática. Eles geraram obras musicais complexas e frequentemente muito mais longas. Durante o período romântico tardio, os compositores exploraram alterações cromáticas dramáticas de tonalidade , como acordes estendidos e acordes alterados , que criaram novas "cores" sonoras. O final do século 19 viu uma expansão dramática no tamanho da orquestra, e a revolução industrial ajudou a criar instrumentos melhores, criando um som mais poderoso. Os concertos públicos tornaram-se uma parte importante da sociedade urbana próspera. Ele também viu uma nova diversidade na música teatral , incluindo opereta , comédia musical e outras formas de teatro musical.

Século 20 e 21

No século 19, uma das principais formas de novas composições se tornarem conhecidas do público era a venda de partituras , que os amadores de música da classe média tocavam em casa no piano ou em outros instrumentos comuns, como o violino. Com a música do século 20 , a invenção de novas tecnologias elétricas como a radiodifusão e a disponibilidade de discos de gramofone no mercado de massa fez com que as gravações sonoras de canções e peças ouvidas pelos ouvintes (no rádio ou em seu toca-discos) se tornassem o caminho principal para aprender sobre novas canções e peças. Houve um grande aumento na audição de música à medida que o rádio ganhou popularidade e os fonógrafos foram usados ​​para reproduzir e distribuir música, porque enquanto no século 19, o foco nas partituras restringia o acesso à nova música à classe média e às pessoas da classe alta que sabia ler música e quem possuía pianos e instrumentos, no século 20 qualquer pessoa com rádio ou toca-discos ouvia óperas, sinfonias e big bands na própria sala. Isso permitiu que pessoas de baixa renda, que nunca teriam condições de pagar um ingresso para uma ópera ou concerto sinfônico, pudessem ouvir essa música. Também significava que as pessoas podiam ouvir música de diferentes partes do país, ou mesmo de diferentes partes do mundo, mesmo que não tivessem dinheiro para viajar para esses locais. Isso ajudou a espalhar estilos musicais.

O foco da música artística no século 20 foi caracterizado pela exploração de novos ritmos, estilos e sons. Os horrores da Primeira Guerra Mundial influenciaram muitas artes, incluindo a música, e alguns compositores começaram a explorar sons mais sombrios e ásperos. Estilos musicais tradicionais , como jazz e música folclórica, foram usados ​​pelos compositores como fonte de ideias para a música clássica. Igor Stravinsky , Arnold Schoenberg e John Cage foram compositores influentes na música artística do século XX. A invenção da gravação de som e da capacidade de editar música deu origem a um novo subgênero da música clássica, incluindo as escolas acusmática e Musique concreta de composição eletrônica. A gravação de som também foi uma grande influência no desenvolvimento dos gêneros musicais populares, pois permitiu que gravações de canções e bandas fossem amplamente distribuídas. A introdução do sistema de gravação multitrack teve uma grande influência na música rock, porque poderia fazer muito mais do que gravar a apresentação de uma banda. Usando um sistema multitrack, uma banda e seu produtor musical podem fazer overdub em muitas camadas de faixas de instrumentos e vocais, criando novos sons que não seriam possíveis em uma performance ao vivo.

O jazz evoluiu e se tornou um gênero musical importante ao longo do século 20 e, durante a segunda metade desse século, o rock fez o mesmo. Jazz é uma forma de arte musical americana que se originou no início do século 20 nas comunidades afro-americanas no sul dos Estados Unidos, a partir de uma confluência de tradições musicais africanas e europeias. O pedigree do estilo da África Ocidental é evidente em seu uso de notas azuis , improvisação , polirritmos , sincopação e a nota oscilante .

A música rock é um gênero de música popular que se desenvolveu na década de 1960 a partir do rock and roll , rockabilly , blues e música country . O som do rock geralmente gira em torno da guitarra elétrica ou do violão e usa uma forte batida de fundo definida por uma seção rítmica . Junto com a guitarra ou o teclado, o saxofone e a gaita de estilo blues são usados ​​como instrumentos de solo. Em sua "forma mais pura", "tem três acordes, uma batida forte e insistente e uma melodia cativante". A seção rítmica tradicional da música popular é a guitarra rítmica, o contrabaixo elétrico e a bateria. Algumas bandas também possuem instrumentos de teclado, como órgão, piano ou, desde 1970, sintetizadores analógicos . Na década de 1980, os músicos pop começaram a usar sintetizadores digitais, como o sintetizador DX-7 , baterias eletrônicas como o TR-808 e dispositivos de baixo de sintetizador (como o TB-303 ) ou teclados de baixo de sintetizador . Na década de 1990, uma gama cada vez maior de dispositivos musicais de hardware computadorizado e instrumentos e software (por exemplo, estações de trabalho de áudio digital ) foram usados. Na década de 2020, soft synths e aplicativos de música para computador possibilitaram aos produtores de dormitório criar e gravar alguns tipos de música, como música de dança eletrônica em sua própria casa, adicionando instrumentos digitais e sampleados e editando a gravação digitalmente. Na década de 1990, algumas bandas de gêneros como o nu metal começaram a incluir DJs em suas bandas. DJs criam música manipulando música gravada em toca-discos ou CD players, usando um mixer de DJ .

A inovação em tecnologia musical continuou no século 21, incluindo o desenvolvimento de teclados isomórficos e tonalidade dinâmica .

atuação

Músicos chineses naxi
Assírios tocando zurna e Davul , instrumentos que datam de milhares de anos.

Performance é a expressão física da música, que ocorre quando uma música é cantada ou quando uma peça de piano, melodia de guitarra elétrica, sinfonia, batida de bateria ou outra parte musical é tocada por músicos. Na música clássica, uma obra musical é escrita em notação musical por um compositor e então é executada quando o compositor está satisfeito com sua estrutura e instrumentação. No entanto, conforme é executada, a interpretação de uma música ou peça pode evoluir e mudar. Na música clássica, intérpretes instrumentais, cantores ou maestros podem gradualmente fazer mudanças no fraseado ou no andamento de uma peça. Na música popular e tradicional, os intérpretes têm muito mais liberdade para fazer mudanças na forma de uma canção ou peça. Assim, em estilos musicais populares e tradicionais, mesmo quando uma banda toca uma música cover , eles podem fazer alterações, como adicionar um solo de guitarra ou inserir uma introdução.

Uma apresentação pode ser planejada e ensaiada (praticada) - que é a norma na música clássica, com big bands de jazz e muitos estilos de música popular - ou improvisada sobre uma progressão de acordes (uma sequência de acordes), que é a norma em pequenos grupos de jazz e blues . Os ensaios de orquestras, bandas de concerto e coros são conduzidos por um maestro. As bandas de rock, blues e jazz são geralmente lideradas pelo líder da banda. Um ensaio é uma repetição estruturada de uma canção ou peça pelos intérpretes até que possa ser cantada ou tocada corretamente e, se for uma canção ou peça para mais de um músico, até que as partes estejam juntas de uma perspectiva rítmica e afinada. A improvisação é a criação de uma ideia musical - uma melodia ou outra linha musical - criada no local, muitas vezes com base em escalas ou riffs melódicos pré-existentes .

Muitas culturas têm fortes tradições de apresentação solo (em que um cantor ou instrumentista se apresenta), como na música clássica indiana e na tradição da arte-música ocidental. Outras culturas, como em Bali , incluem fortes tradições de desempenho de grupo. Todas as culturas incluem uma mistura de ambos, e o desempenho pode variar de solo improvisado a apresentações altamente planejadas e organizadas, como concertos clássicos modernos, procissões religiosas, festivais de música clássica ou competições de música . A música de câmara , que é música para um pequeno conjunto com apenas alguns de cada tipo de instrumento, é frequentemente vista como mais íntima do que grandes obras sinfônicas.

Tradição oral e auditiva

Muitos tipos de música, como o blues tradicional e a música folclórica , não foram escritos em partituras ; em vez disso, eles foram originalmente preservados na memória dos intérpretes e as canções foram transmitidas oralmente , de um músico ou cantor para outro, ou auditivamente, em que um intérprete aprende uma canção " de ouvido ". Quando o compositor de uma canção ou peça deixa de ser conhecido, esta música é frequentemente classificada como "tradicional" ou como "canção folclórica". Diferentes tradições musicais têm atitudes diferentes sobre como e onde fazer alterações no material de origem original, desde bastante restrito, até aqueles que exigem improvisação ou modificação na música. A história e as histórias de uma cultura também podem ser transmitidas de ouvido por meio da música.

Ornamentação

Sinal de trilo - uma rápida alternância entre duas notas.

Na música, um ornamento consiste em notas adicionadas que fornecem decoração a uma melodia, linha de baixo ou outra parte musical. Os detalhes incluídos explicitamente na notação musical variam entre gêneros e períodos históricos. Em geral, a notação musical da arte dos séculos 17 ao 19 exigia que os intérpretes tivessem um grande conhecimento contextual sobre os estilos de execução. Por exemplo, nos séculos 17 e 18, a música notada para músicos solo normalmente indicava uma melodia simples e sem adornos. Esperava-se que os artistas soubessem como adicionar ornamentos estilisticamente adequados para adicionar interesse à música, como trinados e voltas . Diferentes estilos de música usam diferentes ornamentos. Um flautista barroco pode adicionar mordentes , que são notas curtas tocadas antes da nota melódica principal, acima ou abaixo da nota melódica principal. Um guitarrista de blues tocando guitarra elétrica pode usar a flexão das cordas para adicionar expressão; um guitarrista de heavy metal pode usar hammer-ons e pull-offs .

No século 19, a música artística para músicos solo pode dar uma instrução geral, como executar a música de forma expressiva, sem descrever em detalhes como o executor deve fazer isso. Esperava-se que o intérprete soubesse como usar mudanças de andamento, acentuação e pausas (entre outros recursos) para obter esse estilo de execução "expressivo". No século 20, a notação da música artística frequentemente se tornava mais explícita e usava uma série de marcações e anotações para indicar aos intérpretes como deveriam tocar ou cantar a peça. Na música popular e nos estilos musicais tradicionais, espera-se que os artistas saibam quais tipos de ornamentos são estilisticamente apropriados para uma determinada música ou peça, e os artistas geralmente os adicionam de maneira improvisada. Uma exceção são os solos nota por nota, nos quais alguns músicos recriam precisamente uma versão famosa de um solo, como um solo de guitarra .

Filosofia e estética

Pintura de Boldini de uma mulher tocando piano

A filosofia da música é um subcampo da filosofia. A filosofia da música é o estudo das questões fundamentais relacionadas à música. O estudo filosófico da música tem muitas conexões com questões filosóficas em metafísica e estética . Algumas questões básicas na filosofia da música são:

Na antiguidade, como com os gregos antigos , a estética da música explorava as dimensões matemáticas e cosmológicas da organização rítmica e harmônica. No século 18, o foco mudou para a experiência de ouvir música e, portanto, para questões sobre sua beleza e prazer humano ( plaisir e gozo ) da música. A origem dessa mudança filosófica é às vezes atribuída a Alexander Gottlieb Baumgarten no século 18, seguido por Immanuel Kant . Por meio de sua escrita, o antigo termo 'estética', que significa percepção sensorial , recebeu sua conotação atual. Nos anos 2000, os filósofos tenderam a enfatizar questões além da beleza e do prazer. Por exemplo, a capacidade da música de expressar emoções tem sido uma questão central.

No século 20, contribuições importantes foram feitas por Peter Kivy , Jerrold Levinson , Roger Scruton e Stephen Davies . No entanto, muitos músicos, críticos musicais e outros não filósofos contribuíram para a estética da música. No século 19, um debate significativo surgiu entre Eduard Hanslick , um crítico musical e musicólogo , e o compositor Richard Wagner sobre se a música pode expressar significado. Harry Partch e alguns outros musicólogos , como Kyle Gann , estudaram e tentaram popularizar a música microtonal e o uso de escalas musicais alternativas . Além disso, muitos compositores modernos como La Monte Young , Rhys Chatham e Glenn Branca prestaram muita atenção a uma escala chamada apenas entonação .

Costuma-se pensar que a música tem a capacidade de afetar nossas emoções , intelecto e psicologia ; pode amenizar nossa solidão ou incitar nossas paixões. O filósofo Platão sugere em A República que a música tem um efeito direto na alma. Portanto, ele propõe que no regime ideal a música seria estritamente regulada pelo estado (Livro VII). Na China Antiga, o filósofo Confúcio acreditava que a música e os rituais ou ritos estão interligados e harmoniosos com a natureza; afirmou que a música era a harmonização do céu e da terra, enquanto a ordem era trazida pela ordem dos ritos, tornando-os funções extremamente cruciais na sociedade.

Tem havido uma forte tendência na estética da música para enfatizar a importância suprema da estrutura composicional; no entanto, outras questões relativas à estética da música incluem lirismo , harmonia , hipnotismo , emotividade , dinâmica temporal , ressonância , ludicidade e cor (ver também desenvolvimento musical ).

Psicologia

A psicologia da música moderna visa explicar e compreender o comportamento e a experiência musicais . A pesquisa neste campo e seus subcampos são principalmente empíricas ; seu conhecimento tende a avançar com base em interpretações de dados coletados por observação sistemática e interação com participantes humanos . Além de seu foco em percepções fundamentais e processos cognitivos, a psicologia musical é um campo de pesquisa com relevância prática para muitas áreas, incluindo performance musical , composição , educação , crítica e terapia , bem como investigações de aptidão humana , habilidade, inteligência , criatividade e comportamento social .

Neurociência

O córtex auditivo primário é uma das principais áreas associadas à resolução superior do pitch.

A neurociência cognitiva da música é o estudo científico dos mecanismos baseados no cérebro envolvidos nos processos cognitivos subjacentes à música. Esses comportamentos incluem ouvir música, interpretar, compor, ler, escrever e atividades auxiliares. Ele também está cada vez mais preocupado com a base do cérebro para a estética musical e a emoção musical. O campo se distingue por sua dependência de observações diretas do cérebro, usando técnicas como ressonância magnética funcional (fMRI), estimulação magnética transcraniana (TMS), magnetoencefalografia (MEG), eletroencefalografia (EEG) e tomografia por emissão de pósitrons (PET) .

Musicologia cognitiva

A musicologia cognitiva é um ramo da ciência cognitiva preocupado com a modelagem computacional do conhecimento musical com o objetivo de compreender tanto a música quanto a cognição. O uso de modelos de computador fornece um meio interativo e preciso para formular e testar teorias e tem raízes na inteligência artificial e nas ciências cognitivas .

Este campo interdisciplinar investiga tópicos como os paralelos entre linguagem e música no cérebro. Modelos de computação inspirados biologicamente são frequentemente incluídos na pesquisa, como redes neurais e programas evolutivos. Este campo busca modelar como o conhecimento musical é representado, armazenado, percebido, executado e gerado. Usando um ambiente de computador bem estruturado, as estruturas sistemáticas desses fenômenos cognitivos podem ser investigadas.

Psicoacústica

Psicoacústica é o estudo científico da percepção sonora. Mais especificamente, é o ramo da ciência que estuda as respostas psicológicas e fisiológicas associadas ao som (incluindo fala e música). Pode ainda ser categorizado como um ramo da psicofísica .

Musicologia evolucionária

A musicologia evolucionária diz respeito às "origens da música, a questão da canção animal, as pressões de seleção subjacentes à evolução musical" e "evolução musical e evolução humana". Busca compreender a percepção e atividade musical no contexto da teoria evolucionista . Charles Darwin especulou que a música pode ter tido uma vantagem adaptativa e funcionado como uma protolinguagem , uma visão que gerou várias teorias concorrentes da evolução musical. Uma visão alternativa vê a música como um subproduto da evolução linguística ; uma espécie de "cheesecake auditivo" que agrada aos sentidos sem proporcionar nenhuma função adaptativa. Essa visão foi contestada diretamente por vários pesquisadores musicais.

Efeitos culturais

A cultura ou etnia de um indivíduo desempenha um papel em sua cognição musical , incluindo suas preferências , reação emocional e memória musical . As preferências musicais são tendenciosas para tradições musicais culturalmente familiares, começando na infância, e a classificação dos adultos para a emoção de uma peça musical depende tanto de características culturais específicas quanto de estruturas universais. Além disso, as habilidades de memória musical dos indivíduos são maiores para música culturalmente familiar do que para música culturalmente desconhecida.

Aspectos sociológicos

Pintura da Dinastia Song (960–1279), Night Revels of Han Xizai , mostrando músicos chineses entretendo convidados em uma festa em uma casa do século X

Muitos estudos etnográficos demonstram que a música é uma atividade participativa e comunitária. A música é vivida por indivíduos em uma gama de ambientes sociais que vão desde estar sozinho até assistir a um grande concerto, formando uma comunidade musical , que não pode ser entendida em função da vontade individual ou acidente; inclui participantes comerciais e não comerciais com um conjunto compartilhado de valores comuns. As apresentações musicais assumem diferentes formas em diferentes culturas e ambientes socioeconômicos. Na Europa e na América do Norte, muitas vezes há uma divisão entre quais tipos de música são vistos como " alta cultura " e " baixa cultura ". Os tipos de música de "alta cultura" geralmente incluem música de arte ocidental, como sinfonias barrocas, clássicas, românticas e da era moderna, concertos e obras solo, e são normalmente ouvidos em concertos formais em salas de concerto e igrejas, com o público sentado em silêncio nos assentos.

Outros tipos de música - incluindo, mas não se limitando a, jazz, blues, soul e country - são freqüentemente apresentados em bares, boates e teatros, onde o público pode beber, dançar e se expressar por meio de torcidas. Até o final do século 20, a divisão entre as formas musicais "agudas" e "graves" era amplamente aceita como uma distinção válida que separava a "música artística" de melhor qualidade e mais avançada dos estilos musicais populares ouvidos em bares e salas de dança.

No entanto, nas décadas de 1980 e 1990, musicólogos estudando essa divisão percebida entre gêneros musicais "agudos" e "graves" argumentaram que essa distinção não é baseada no valor musical ou na qualidade dos diferentes tipos de música. Em vez disso, eles argumentaram que essa distinção se baseava amplamente na posição socioeconômica ou na classe social dos intérpretes ou na audiência dos diferentes tipos de música. Por exemplo, enquanto o público de concertos sinfônicos clássicos normalmente tem renda acima da média, o público de um concerto de rap em uma área central da cidade pode ter renda abaixo da média. Mesmo que os artistas, o público ou o local onde a música não "artística" é executada possam ter um status socioeconômico mais baixo, a música que é executada, como blues, rap, punk , funk ou ska pode ser muito complexa e sofisticada.

Quando os compositores introduzem estilos de música que rompem com as convenções, pode haver uma forte resistência de especialistas acadêmicos em música e cultura popular. Quartetos de cordas de Beethoven do período final, partituras de balé de Stravinsky, serialismo , jazz bebop -era , hip hop , punk rock e música eletrônica foram considerados não musicais por alguns críticos quando foram introduzidos pela primeira vez. Certos temas são examinados na sociologia da música. O estudo sociológico da música, às vezes chamado de sociomusicologia , é freqüentemente realizado em departamentos de sociologia, estudos de mídia ou música e está intimamente relacionado ao campo da etnomusicologia .

Papel das mulheres

Compositora e pianista do século 19 Clara Schumann
Navneet Aditya Waiba - Cantora Folk nepalesa. O único cantor que usa instrumentos folclóricos autênticos / originais e canta canções folclóricas nepalesas autênticas e não adulteradas.

As mulheres têm desempenhado um papel importante na música ao longo da história, como compositores, compositores, artistas instrumentais , cantores, maestros, estudiosos de música , professores da música , críticos de música / jornalistas de música e outras profissões musicais. Além disso, descreve movimentos musicais, eventos e gêneros relacionados às mulheres, questões femininas e feminismo . Na década de 2010, embora as mulheres representassem uma proporção significativa de cantoras de música popular e clássica, e uma proporção significativa de compositoras (muitas delas cantoras / compositoras), há poucas mulheres produtoras de discos, críticas e instrumentistas de rock. Embora tenha havido um grande número de mulheres compositoras na música clássica, desde o período medieval até os dias atuais, as mulheres compositoras estão significativamente sub-representadas no repertório de música clássica comumente executado , nos livros de história da música e nas enciclopédias de música; por exemplo, no Concise Oxford History of Music , Clara Schumann é uma das únicas compositoras mencionadas.

As mulheres representam uma proporção significativa de solistas instrumentais na música clássica e a porcentagem de mulheres nas orquestras está aumentando. Um artigo de 2015 sobre solistas de concerto nas principais orquestras canadenses, no entanto, indicou que 84% dos solistas com a Orchester Symphonique de Montreal eram homens. Em 2012, as mulheres ainda representavam apenas 6% da melhor orquestra da Filarmônica de Viena . As mulheres são menos comuns como instrumentistas em gêneros musicais populares, como rock e heavy metal , embora tenha havido uma série de instrumentistas femininas notáveis ​​e bandas exclusivamente femininas . As mulheres são particularmente sub-representadas em gêneros de metal extremo . Na cena da música pop da década de 1960, "[como] a maioria dos aspectos do ... negócio da música, [na década de 1960], a composição era um campo dominado pelos homens. Embora houvesse muitas cantoras no rádio, mulheres. .. eram vistos principalmente como consumidores: ... Cantar às vezes era um passatempo aceitável para uma garota, mas tocar um instrumento, escrever canções ou produzir discos simplesmente não era feito. " Mulheres jovens "... não foram socializadas para se verem como pessoas que criam [música]."

As mulheres também estão sub-representadas na regência orquestral, crítica musical / jornalismo musical , produção musical e engenharia de som . Enquanto as mulheres foram desencorajadas a compor no século 19 e há poucas musicólogas , as mulheres se envolveram na educação musical "... a tal ponto que as mulheres dominaram [este campo] durante a segunda metade do século 19 e até o século 20."

De acordo com Jessica Duchen, uma escritora musical do The Independent de Londres , as mulheres músicas da música clássica são "... muitas vezes julgadas por suas aparências, em vez de seu talento" e enfrentam pressão "... para parecerem sexy no palco e nas fotos . " Duchen afirma que, embora "[e] haja mulheres músicas que se recusam a tocar em sua aparência, ... aquelas que o fazem tendem a ter mais sucesso material". De acordo com a editora da Radio 3 do Reino Unido, Edwina Wolstencroft, a indústria da música há muito está aberta para ter mulheres em papéis performáticos ou de entretenimento, mas as mulheres são muito menos propensas a ocupar posições de autoridade, como ser o regente de uma orquestra . Na música popular, embora haja muitas cantoras gravando canções, há muito poucas mulheres por trás do console de áudio atuando como produtoras musicais, as pessoas que dirigem e gerenciam o processo de gravação. Um dos artistas mais gravados é Asha Bhosle , uma cantora indiana mais conhecida como cantora de playback no cinema hindi.

Mídia e tecnologia

Produção musical na década de 2000 usando uma estação de trabalho de áudio digital (DAW) com um teclado eletrônico e uma configuração de vários monitores

A música que os compositores e compositores fazem pode ser ouvida por diversos meios; a forma mais tradicional é ouvi-la ao vivo, na presença dos músicos (ou como um dos músicos), em um espaço externo ou interno como anfiteatro, sala de concertos , salão de cabaré , teatro , pub ou cafeteria. Desde o século 20, a música ao vivo também pode ser transmitida pelo rádio, televisão ou Internet, ou gravada e ouvida em um CD player ou MP3 player.

Alguns estilos musicais se concentram na produção de canções e peças para uma apresentação ao vivo, enquanto outros se concentram na produção de uma gravação que mistura sons que nunca foram tocados "ao vivo". Mesmo em estilos essencialmente ao vivo como o rock, os engenheiros de gravação costumam usar a capacidade de editar, juntar e mixar para produzir gravações que podem ser consideradas "melhores" do que a performance real ao vivo. Por exemplo, alguns cantores se gravam cantando uma melodia e depois gravam várias partes da harmonia usando overdub, criando um som que seria impossível de ser feito ao vivo.

A tecnologia tem influenciado a música desde os tempos pré-históricos, quando as pessoas das cavernas usavam ferramentas simples para fazer buracos em flautas de osso há 41.000 anos. A tecnologia continuou a influenciar a música ao longo da história da música, pois possibilitou o uso de novos instrumentos e sistemas de reprodução de notação musical, sendo um dos momentos decisivos da notação musical a invenção da imprensa escrita nos anos 1400, o que significava partituras no. já teve que ser copiado à mão. No século 19, a tecnologia musical levou ao desenvolvimento de um piano mais potente e alto e levou ao desenvolvimento de novos instrumentos de metais com válvulas.

No início do século 20 (no final da década de 1920), à medida que os filmes falados surgiam no início do século 20, com suas faixas musicais pré-gravadas, um número crescente de músicos de orquestra em salas de cinema ficava sem trabalho. Durante a década de 1920, apresentações musicais ao vivo de orquestras, pianistas e organistas de teatro eram comuns em teatros de estreia. Com o advento dos filmes falados, essas apresentações foram praticamente eliminadas. A Federação Americana de Músicos (AFM) publicou anúncios de jornal protestando contra a substituição de músicos ao vivo por aparelhos mecânicos de tocar. Um anúncio de 1929 que apareceu na Pittsburgh Press apresenta a imagem de uma lata com o rótulo "Canned Music / Big Noise Brand / Garantido para não produzir nenhuma reação intelectual ou emocional"

Desde que a legislação foi introduzida para ajudar a proteger intérpretes, compositores, editores e produtores, incluindo a Lei de Gravação em Casa de Áudio de 1992 nos Estados Unidos e a Convenção de Berna revisada em 1979 para a Proteção de Obras Literárias e Artísticas no Reino Unido, gravações e apresentações ao vivo também se tornaram mais acessíveis por meio de computadores, dispositivos e Internet em uma forma comumente conhecida como Music-On-Demand .

Em muitas culturas, há menos distinção entre tocar e ouvir música, uma vez que praticamente todos estão envolvidos em algum tipo de atividade musical, muitas vezes em um ambiente comunitário. Nos países industrializados, ouvir música por meio de uma forma gravada, como gravação de som em disco ou rádio, tornou-se mais comum do que experimentar apresentações ao vivo, por volta de meados do século XX. Na década de 1980, assistir a videoclipes era uma forma popular de ouvir música e, ao mesmo tempo, ver os artistas.

Às vezes, as apresentações ao vivo incorporam sons pré-gravados. Por exemplo, um disc jockey usa discos de disco para scratch , e algumas obras do século 20 têm um solo para um instrumento ou voz que é executado junto com uma música pré-gravada em uma fita. Algumas bandas pop usam faixas de apoio gravadas . Computadores e muitos teclados podem ser programados para produzir e reproduzir música MIDI ( Musical Instrument Digital Interface ). O público também pode se tornar artista participando de karaokê , uma atividade de origem japonesa centrada em um dispositivo que reproduz versões de canções conhecidas sem voz. A maioria das máquinas de karaokê também possui telas de vídeo que mostram as letras das músicas que estão sendo executadas; os intérpretes podem acompanhar as letras enquanto cantam sobre as faixas instrumentais.

Internet

O advento da Internet e o amplo acesso à banda larga de alta velocidade transformaram a experiência da música, em parte por meio da maior facilidade de acesso às gravações de música por streaming de vídeo e do amplo aumento da escolha de música para os consumidores. Chris Anderson , em seu livro The Long Tail: Why the Future of Business Is Selling Less of More , sugere que, embora o modelo econômico tradicional de oferta e demanda descreva a escassez, o modelo de varejo da Internet é baseado na abundância. Os custos de armazenamento digital são baixos, então uma empresa pode disponibilizar online todo o seu inventário de gravação, dando aos clientes o máximo de escolha possível. Assim, tornou-se economicamente viável oferecer gravações musicais nas quais muito poucas pessoas estão interessadas. A consciência crescente dos consumidores sobre suas escolhas aumentadas resulta em uma associação mais próxima entre gostos musicais e identidade social, e na criação de milhares de nichos de mercado .

Outro efeito da Internet surgiu com as comunidades online e sites de mídia social como YouTube e Facebook, um serviço de rede social . Esses sites tornam mais fácil para aspirantes a cantores e bandas amadoras distribuir vídeos de suas canções, conectar-se com outros músicos e ganhar o interesse do público. Músicos profissionais também usam o YouTube como editor gratuito de material promocional. Os usuários do YouTube, por exemplo, não apenas baixam e ouvem MP3s, mas também criam ativamente os seus próprios. De acordo com Don Tapscott e Anthony D. Williams , em seu livro Wikinomics , houve uma mudança de um papel tradicional do consumidor para o que eles chamam de papel de " prosumidor ", um consumidor que cria conteúdo e consome. Manifestações disso na música incluem a produção de mashes , remixes e videoclipes pelos fãs.

O negócio

Loja de música que vende vários singles e álbuns

A indústria da música refere-se aos negócios ligados à criação e venda de música. É composto por compositores e compositores que criam novas canções e peças musicais, produtores musicais e engenheiros de som que gravam canções e peças, gravadoras e editoras que distribuem produtos musicais gravados e partituras internacionalmente e que muitas vezes controlam os direitos desses produtos. Algumas gravadoras são " independentes " , enquanto outras são subsidiárias de grandes empresas ou grupos de mídia internacionais . Na década de 2000, a crescente popularidade de ouvir música como arquivos de música digital em MP3 players, iPods ou computadores, e de trocar música em sites de compartilhamento de arquivos ou comprá-la online na forma de arquivos digitais teve um grande impacto na música tradicional o negócio. Muitas lojas independentes menores de CDs fecharam as portas porque os compradores de música diminuíram suas compras de CDs, e muitas gravadoras tiveram vendas menores de CDs. No entanto, algumas empresas se deram bem com a mudança para um formato digital, como o iTunes da Apple , uma loja de música online que vende arquivos digitais de músicas pela Internet.

Leis de propriedade intelectual

Apesar de alguns tratados internacionais de direitos autorais , determinar qual música é de domínio público é complicado pela variedade de leis nacionais de direitos autorais que podem ser aplicáveis. A lei de direitos autorais dos EUA protegia anteriormente a música impressa publicada depois de 1923 por 28 anos e com renovação por mais 28 anos, mas a Lei de Direitos Autorais de 1976 tornou a renovação automática e a Lei de Direitos Autorais do Milênio Digital alterou o cálculo do prazo de direitos autorais para 70 anos após a morte do criador. O som gravado cai sob licença mecânica , muitas vezes coberto por uma colcha de retalhos confusa de leis estaduais; a maioria das versões são licenciadas pela Harry Fox Agency . Os direitos de apresentação podem ser obtidos pelos artistas ou pelo local da apresentação; as duas principais organizações para licenciamento são BMI e ASCAP . Duas fontes online de música de domínio público são IMSLP (International Music Score Library Project) e Choral Public Domain Library (CPDL) .

Educação

Não profissional

Um recital de violino Suzuki com alunos de várias idades

A incorporação de algum treinamento em música ou canto na educação geral, desde a pré - escola até a pós-secundária, é comum na América do Norte e na Europa. Acredita-se que o envolvimento em tocar e cantar música ensine habilidades básicas, como concentração, contagem , escuta e cooperação, ao mesmo tempo que promove a compreensão da linguagem , melhora a capacidade de lembrar informações e cria um ambiente mais propício para o aprendizado em outras áreas. Nas escolas primárias, as crianças costumam aprender a tocar instrumentos como flauta doce , cantar em pequenos coros e aprender sobre a história da música artística ocidental e da música tradicional. Algumas crianças do ensino fundamental também aprendem sobre estilos musicais populares. Nas escolas religiosas, as crianças cantam hinos e outras músicas religiosas. Nas escolas secundárias (e menos comumente nas escolas primárias), os alunos podem ter a oportunidade de se apresentar em alguns tipos de conjuntos musicais, como coros (um grupo de cantores), bandas marciais , bandas de concerto , bandas de jazz ou orquestras. Em alguns sistemas escolares, podem ser fornecidas aulas de música sobre como tocar instrumentos. Alguns alunos também têm aulas particulares de música depois da escola com um professor de canto ou professor de instrumento. Músicos amadores geralmente aprendem rudimentos musicais básicos (por exemplo, aprender sobre notação musical para escalas e ritmos musicais ) e técnicas de canto ou instrumentos de nível iniciante a intermediário.

No nível universitário, os alunos da maioria dos programas de artes e humanidades podem receber crédito por fazer alguns cursos de música, que normalmente assumem a forma de um curso de visão geral sobre a história da música ou um curso de apreciação musical que se concentra em ouvir música e aprender sobre diferentes estilos musicais. Além disso, a maioria das universidades norte-americanas e europeias tem alguns tipos de conjuntos musicais dos quais os alunos de artes e humanidades podem participar, como coros, bandas marciais, bandas de concerto ou orquestras. O estudo da música artística ocidental é cada vez mais comum fora da América do Norte e da Europa, como o Instituto Indonésio de Artes em Yogyakarta , Indonésia , ou os programas de música clássica disponíveis em países asiáticos como Coréia do Sul, Japão e China. Ao mesmo tempo, as universidades e faculdades ocidentais estão ampliando seu currículo para incluir música de culturas não ocidentais, como a música da África ou de Bali (por exemplo, música de Gamelan ).

Profissional

Timothy Cobb, professor da Manhattan School of Music e baixista profissional, dando aulas de contrabaixo no final dos anos 2000. Seu baixo tem uma extensão de C grave com uma "máquina" de metal com botões para tocar os tons na extensão.

Pessoas que desejam se tornar músicos, cantores, compositores, compositores, professores de música e profissionais de outras profissões relacionadas à música, como professores de história da música , engenheiros de som e assim por diante, estudam em programas pós-secundários especializados oferecidos por faculdades, universidades e conservatórios de música . Algumas instituições que treinam indivíduos para carreiras musicais oferecem treinamento em uma ampla gama de profissões, como é o caso de muitas das principais universidades dos Estados Unidos, que oferecem diplomas em performance musical (incluindo canto e tocar instrumentos), história da música, teoria musical, composição musical, educação musical (para indivíduos que desejam se tornar professores de música do ensino fundamental ou médio) e, em alguns casos, regência. Por outro lado, algumas pequenas faculdades podem oferecer treinamento apenas em uma única profissão (por exemplo, gravação de som ).

Embora a maioria dos programas universitários e de conservatório de música se concentre no treinamento de alunos em música clássica, há várias universidades e faculdades que treinam músicos para carreiras como músicos e compositores de jazz ou de música popular , com exemplos notáveis ​​nos Estados Unidos, incluindo a Manhattan School of Music e a Berklee Faculdade de Música . Duas escolas importantes no Canadá que oferecem treinamento profissional em jazz são a McGill University e o Humber College . Indivíduos que desejam seguir carreiras em alguns tipos de música, como heavy metal , country ou blues, têm menos probabilidade de se tornarem profissionais ao completar graus ou diplomas em faculdades ou universidades. Em vez disso, eles normalmente aprendem sobre seu estilo de música cantando ou tocando em muitas bandas (geralmente começando em bandas amadoras, bandas cover e bandas de tributo ), estudando gravações disponíveis em CD, DVD e na Internet e trabalhando com profissionais já estabelecidos em seu estilo de música, seja por meio de orientação informal ou aulas regulares de música . Desde os anos 2000, a crescente popularidade e disponibilidade de fóruns na Internet e vídeos "como fazer" do YouTube permitiram que muitos cantores e músicos de metal, blues e gêneros semelhantes melhorassem suas habilidades. Muitos cantores de pop, rock e country treinam informalmente com treinadores vocais e professores de canto .

Estudante universitário

Os cursos de graduação em música, incluindo o Bacharelado em Música , o Bacharelado em Educação Musical e o Bacharelado em Artes (com especialização em música), normalmente levam cerca de quatro anos para serem concluídos. Esses graus fornecem aos alunos uma base em teoria e história da música, e muitos alunos também estudam um instrumento ou aprendem técnicas de canto como parte de seu programa. Os graduados em programas de graduação em música podem procurar emprego ou continuar seus estudos em programas de graduação em música. Graduados de bacharelado também podem candidatar-se a alguns programas de pós-graduação e escolas profissionais fora da música (por exemplo, administração pública , administração de empresas , ciência da biblioteca , e, em algumas jurisdições, a faculdade do professor , da escola de direito ou faculdade de medicina ).

Graduado

Os graus de pós-graduação em música incluem o Master of Music , o Master of Arts (em musicologia, teoria musical ou outro campo da música), o Doctor of Philosophy (Ph.D.) (por exemplo, em musicologia ou teoria musical) e, mais recentemente, o Doutor em Artes Musicais ou DMA. O grau de Mestre em Música, que leva de um a dois anos para ser concluído, é normalmente concedido a alunos que estudam a execução de um instrumento, educação, voz (canto) ou composição. O grau de Mestre em Artes, que leva de um a dois anos para ser concluído e geralmente requer uma tese , é normalmente concedido a alunos que estudam musicologia, história da música, teoria da música ou etnomusicologia.

O PhD, exigido para alunos que desejam trabalhar como professores universitários em musicologia, história da música ou teoria da música, leva de três a cinco anos de estudo após o mestrado, período durante o qual o aluno concluirá cursos avançados e fará pesquisas para uma dissertação. O DMA é um curso relativamente novo que foi criado para fornecer uma credencial para intérpretes ou compositores profissionais que desejam trabalhar como professores universitários em performance musical ou composição. O DMA leva de três a cinco anos após um mestrado e inclui cursos avançados, projetos e apresentações. Na época medieval, o estudo da música era um dos quadrivium das sete artes liberais e considerado vital para o ensino superior. Dentro do Quadrivium quantitativo, a música, ou mais precisamente os harmônicos , era o estudo das proporções racionais.

Musicologia

Musicologia , o estudo acadêmico do assunto da música, é estudada em universidades e conservatórios de música. As primeiras definições do século 19 definiram três subdisciplinas da musicologia: musicologia sistemática , musicologia histórica e musicologia comparada ou etnomusicologia . Em 2010, era bolsa de estudos, um é mais provável encontrar uma divisão da disciplina em teoria musical , história da música e etnomusicologia . A pesquisa em musicologia tem sido freqüentemente enriquecida por trabalho interdisciplinar, por exemplo, no campo da psicoacústica . O estudo da música de culturas não ocidentais e o estudo cultural da música são chamados de etnomusicologia. Os alunos podem prosseguir o estudo de graduação em musicologia, etnomusicologia, história da música e teoria da música por meio de vários tipos diferentes de diplomas, incluindo bacharelado, mestrado e doutorado.

Teoria da música

A teoria musical é o estudo da música, geralmente de uma maneira altamente técnica fora de outras disciplinas. Mais amplamente, refere-se a qualquer estudo de música, geralmente relacionado de alguma forma com questões composicionais, e pode incluir matemática , física e antropologia . O que é mais comumente ensinado nas aulas de teoria musical para iniciantes são orientações para escrever no estilo do período de prática comum , ou música tonal . A teoria, até mesmo a música do período de prática comum, pode assumir muitas outras formas. A teoria dos conjuntos musicais é a aplicação da teoria matemática dos conjuntos à música, inicialmente aplicada à música atonal . A teoria da música especulativa , em contraste com a teoria da música analítica , é dedicada à análise e síntese de materiais musicais, por exemplo , sistemas de afinação , geralmente como preparação para a composição.

Zoomusicologia

Zoomusicologia é o estudo da música de animais não humanos ou dos aspectos musicais dos sons produzidos por animais não humanos. Como George Herzog (1941) perguntou, "os animais têm música?" François-Bernard Mâche de Musique, mythe, natureza, ou les Dauphins d'Arion (1983), um estudo sobre "ornitho-musicologia" usando uma técnica de Nicolas Ruwet 's Langage, musique, poésie (1972) análise de segmentação paradigmático , mostra que o canto dos pássaros é organizado de acordo com um princípio de repetição-transformação. Jean-Jacques Nattiez (1990), argumenta que “em última análise, é um ser humano que decide o que é e o que não é musical, mesmo quando o som não é de origem humana. Se reconhecermos que o som não é organizado e conceituado (isto é, feita para formar música) meramente por seu produtor, mas pela mente que a percebe, então a música é exclusivamente humana. "

Etnomusicologia

A etnomusicóloga Frances Densmore registrando Blackfoot chief Mountain Chief para o Bureau of American Ethnology (1916)

No Ocidente, grande parte da história da música ensinada lida com a música artística da civilização ocidental, que é conhecida como música clássica. A história da música em culturas não ocidentais (" world music " ou o campo da "etnomusicologia"), que normalmente cobre música da África e da Ásia, também é ensinada em universidades ocidentais. Isso inclui as tradições clássicas documentadas de países asiáticos fora da influência da Europa Ocidental, bem como a música folclórica ou indígena de várias outras culturas. Os estilos populares ou folclóricos de música em países não ocidentais variam amplamente de cultura para cultura e de período para período. Diferentes culturas enfatizaram diferentes instrumentos , técnicas, estilos de canto e usos para a música. A música tem sido usada para entretenimento, cerimônias, rituais, fins religiosos e para comunicação prática e artística. A música não ocidental também foi usada para fins de propaganda, como foi o caso da ópera chinesa durante a Revolução Cultural .

Há uma série de classificações musicais para a música não ocidental, muitas das quais são apanhadas na discussão sobre a definição de música . Entre as maiores delas está a divisão entre música clássica (ou música "artística") e música popular (ou música comercial - incluindo estilos não ocidentais de rock, country e relacionados à música pop). Alguns gêneros não se encaixam perfeitamente em uma dessas "duas grandes" classificações (como música folclórica , música do mundo ou música relacionada ao jazz ).

À medida que as culturas mundiais passaram a ter um contato global maior , seus estilos musicais indígenas muitas vezes se fundiram com outros estilos, o que produz novos estilos. Por exemplo, o estilo bluegrass dos Estados Unidos contém elementos das tradições instrumentais e vocais anglo - irlandesas , escocesas , irlandesas, alemãs e africanas, que foram capazes de se fundir na sociedade multiétnica de " caldeirão " dos Estados Unidos . Alguns tipos de world music contêm uma mistura de estilos indígenas não ocidentais com elementos da música pop ocidental. Os gêneros musicais são determinados tanto pela tradição e apresentação quanto pela música em si. Algumas obras, como George Gershwin 's Rhapsody in Blue , são reivindicados por ambos jazz e música clássica, enquanto o Gershwin Porgy and Bess e Leonard Bernstein ' s West Side Story são reivindicados por ambos ópera e do musical da Broadway tradição. Muitos festivais de música atuais para música não ocidental incluem bandas e cantores de um gênero musical específico, como world music.

A música indiana , por exemplo, é um dos tipos de música mais antigos e mais antigos, e ainda é amplamente ouvida e executada no sul da Ásia, bem como internacionalmente (especialmente desde os anos 1960). A música indiana tem principalmente três formas de música clássica, estilos Hindustani , Carnatic e Dhrupad . Possui também um grande repertório de estilos, que envolve apenas música de percussão, como as apresentações de talavadya famosas no sul da Índia .

Terapia

Um musicoterapeuta de um programa "Blues in the Schools" toca gaita com um marinheiro da Marinha dos Estados Unidos em um Centro de Terapia Naval.

A musicoterapia é um processo interpessoal no qual um terapeuta treinado usa a música e todas as suas facetas - físicas, emocionais, mentais, sociais, estéticas e espirituais - para ajudar os clientes a melhorar ou manter sua saúde. Em alguns casos, as necessidades do cliente são atendidas diretamente por meio da música; em outros, eles são dirigidos por meio dos relacionamentos que se desenvolvem entre o cliente e o terapeuta. A musicoterapia é usada com indivíduos de todas as idades e com uma variedade de condições, incluindo: distúrbios psiquiátricos, problemas médicos, deficiências físicas, deficiências sensoriais, deficiências de desenvolvimento, problemas de abuso de substâncias, distúrbios de comunicação, problemas interpessoais e envelhecimento. Também é usado para melhorar o aprendizado, aumentar a autoestima, reduzir o estresse, apoiar a prática de exercícios físicos e facilitar uma série de outras atividades relacionadas à saúde. Os musicoterapeutas podem encorajar os clientes a cantar, tocar instrumentos, criar canções ou fazer outras atividades musicais.

Uma das primeiras menções à musicoterapia foi no tratado de Al-Farabi (c. 872–950) Significados do Intelecto , que descreveu os efeitos terapêuticos da música na alma . A música tem sido usada há muito tempo para ajudar as pessoas a lidar com suas emoções. No século 17, o estudioso Robert Burton 's The Anatomy of Melancholy argumentou que a música ea dança eram críticos no tratamento de doenças mentais , especialmente a melancolia . Ele observou que a música tem um "excelente poder ... de expulsar muitas outras doenças" e a chamou de "um remédio soberano contra o desespero e a melancolia". Ele observou que, na Antiguidade, Canus, um violinista rodiano, usava a música para "alegrar um homem melancólico ... um amante mais apaixonado, um homem religioso mais devoto". No Império Otomano , as doenças mentais eram tratadas com música. Em novembro de 2006, o Dr. Michael J. Crawford e seus colegas também descobriram que a musicoterapia ajudava pacientes esquizofrênicos .

Albert Einstein teve um amor eterno pela música (particularmente as obras de Bach e Mozart ), uma vez que afirmou que a vida sem tocar música seria inconcebível para ele. Em algumas entrevistas, Einstein até atribuiu muito de sua intuição científica à música, com seu filho Hans relatando que "sempre que sentia que havia chegado ao fim da estrada ou em uma situação difícil em seu trabalho, ele se refugiava na música, e isso geralmente resolveria todas as suas dificuldades. " Algo na música, de acordo com Michele e Robert Root-Bernstein em Psychology Today , "guiaria seus pensamentos em direções novas e criativas". Foi dito que Einstein considerou a música de Mozart como reveladora de uma harmonia universal que Einstein acreditava que existia no universo ", como se o grande Wolfgang Amadeus não tivesse 'criado' sua música lindamente clara, mas simplesmente a tivesse descoberto já feita. Esta perspectiva paralela, notavelmente, as visões de Einstein sobre a simplicidade final da natureza e sua explicação e declaração por meio de expressões matemáticas essencialmente simples. " Uma revisão sugere que a música pode ser eficaz para melhorar a qualidade subjetiva do sono em adultos com sintomas de insônia. A música também está sendo usada na reabilitação clínica de distúrbios cognitivos e motores.

Veja também

Referências

Fontes

Leitura adicional

links externos