Karlheinz Stockhausen - Karlheinz Stockhausen

Karlheinz Stockhausen no Estúdio de Música Eletrônica da WDR , 1994

Karlheinz Stockhausen ( alemão: [kaʁlˈhaɪnts ˈʃtɔkhaʊzn̩] ; 22 de agosto de 1928 a 5 de dezembro de 2007) foi um compositor alemão, amplamente reconhecido pela crítica como um dos compositores mais importantes, mas também controversos, do século XX e início do século XXI . Ele é conhecido por seu trabalho inovador na música eletrônica , por introduzir o acaso controlado ( técnicas aleatórias ) na composição serial e pela espacialização musical .

Ele foi educado na Hochschule für Musik Köln e na Universidade de Colônia , mais tarde estudou com Olivier Messiaen em Paris e com Werner Meyer-Eppler na Universidade de Bonn . Uma das principais figuras da Escola de Darmstadt , suas composições e teorias foram e continuam sendo amplamente influentes, não apenas nos compositores da música artística , mas também no jazz e na música popular . Suas obras, compostas ao longo de um período de quase sessenta anos, evitam as formas tradicionais. Além da música eletrônica - com e sem intérpretes ao vivo - eles vão desde miniaturas para caixas musicais, passando por obras para instrumentos solo, canções, música de câmara , coral e orquestral, até um ciclo de sete óperas completas. Seus escritos teóricos e outros abrangem dez grandes volumes. Recebeu inúmeros prêmios e distinções por suas composições, gravações e pelas partituras produzidas por sua editora.

Suas composições notáveis ​​incluem a série de dezenove Klavierstücke (peças de piano), Kontra-Punkte para dez instrumentos, a eletrônica / musique-concrète Gesang der Jünglinge , Gruppen para três orquestras, o solo de percussão Zyklus , Kontakte , a cantata Momente , o eletrônica Mikrophonie I , Hymnen , Stimmung para seis vocalistas, Aus den sieben Tagen , Mantra para dois pianos e eletrônica, Tierkreis , Inori para solistas e orquestra, e o gigantesco ciclo de ópera Licht .

Ele morreu de insuficiência cardíaca súbita aos 79 anos, em 5 de dezembro de 2007 em sua casa em Kürten , Alemanha.

Biografia

Infância

Stockhausen nasceu em Burg Mödrath , o "castelo" da vila de Mödrath. A vila, localizada perto de Kerpen na região de Colônia , foi desalojada em 1956 para abrir caminho para a mineração de linhita , mas o castelo em si ainda está de pé. Apesar do nome, o edifício é mais uma casa senhorial do que um castelo. Construído em 1830 por um empresário local chamado Arend, era chamado pelos moradores de Burg Mödrath . De 1925 a 1932 foi a maternidade do distrito de Bergheim , e depois da guerra serviu por um tempo como abrigo para refugiados de guerra. Em 1950, os proprietários, o capítulo dos Cavaleiros de Malta em Düsseldorf , transformaram-no em orfanato, mas foi posteriormente devolvido à propriedade privada e tornou-se novamente uma residência privada. Em 2017, um patrono anônimo comprou a casa e a abriu em abril de 2017 como um espaço de exposição de arte moderna, com o primeiro andar sendo usado como residência permanente do museu do WDR Electronic Music Studio , onde Stockhausen trabalhava desde 1953 até pouco antes de WDR fechar o estúdio em 2000.

Seu pai, Simon Stockhausen, era professor , e sua mãe Gertrud (nascida Stupp) era filha de uma próspera família de fazendeiros em Neurath, na enseada de Colônia . Uma filha, Katherina, nasceu um ano depois de Karlheinz, e um segundo filho, Hermann-Josef ("Hermännchen") em 1932. Gertrud tocou piano e acompanhou seu próprio canto, mas, após três gestações em tantos anos, experimentou um colapso mental e foi internada em dezembro de 1932, seguida alguns meses depois pela morte de seu filho mais novo, Hermann.

Altenberger Dom , c. 1925, onde Stockhausen teve suas primeiras aulas de música

Desde os sete anos, Stockhausen viveu em Altenberg , onde recebeu as primeiras aulas de piano do organista protestante do Altenberger Dom , Franz-Josef Kloth. Em 1938, seu pai se casou novamente. Sua nova esposa, Luzia, fora governanta da família. O casal teve duas filhas. Como seu relacionamento com sua nova madrasta era menos do que feliz, em janeiro de 1942 Karlheinz tornou-se interno na escola de treinamento de professores em Xanten , onde continuou seu treinamento de piano e também estudou oboé e violino. Em 1941, ele soube que sua mãe havia morrido, aparentemente de leucemia, embora todos no mesmo hospital tivessem supostamente morrido da mesma doença. Era geralmente aceito que ela tinha sido vítima da política nazista de matar " comedores inúteis ". A carta oficial para a família afirmava falsamente que ela havia morrido em 16 de junho de 1941, mas uma pesquisa recente de Lisa Quernes, uma estudante do Landesmusikgymnasium em Montabaur , determinou que ela foi gaseada junto com 89 outras pessoas no Centro de Eutanásia de Hadamar em Hesse-Nassau em 27 de maio de 1941. Stockhausen dramatizou a morte de sua mãe no hospital por injeção letal, no Ato 1 cena 2 (" Mondeva ") da ópera Donnerstag aus Licht .

No final de 1944, Stockhausen foi convocado para servir como maca em Bedburg . Em fevereiro de 1945, ele conheceu seu pai pela última vez em Altenberg. Simon, que estava de licença do front, disse ao filho: "Não vou voltar. Cuide das coisas". No final da guerra, seu pai foi considerado desaparecido em combate e pode ter sido morto na Hungria. Um camarada mais tarde relatou a Karlheinz que viu seu pai ferido em ação. Cinquenta e cinco anos após o fato, um jornalista escrevendo para o Guardian afirmou que Simon Stockhausen foi morto na Hungria em 1945.

Educação

De 1947 a 1951, Stockhausen estudou pedagogia musical e piano na Hochschule für Musik Köln (Conservatório de Música de Colônia) e musicologia , filosofia e estudos alemães na Universidade de Colônia . Teve formação em harmonia e contraponto , este último com Hermann Schroeder , mas não desenvolveu um verdadeiro interesse pela composição até 1950. Foi admitido no final daquele ano na turma do compositor suíço Frank Martin , que acabava de iniciar um mandato de sete anos em Colônia. No Darmstädter Ferienkurse em 1951, Stockhausen conheceu o compositor belga Karel Goeyvaerts , que tinha acabado de concluir os estudos com Olivier Messiaen (análise) e Darius Milhaud (composição) em Paris, e Stockhausen resolveu fazer o mesmo. Chegou a Paris em 8 de janeiro de 1952 e começou a frequentar os cursos de estética e análise de Messiaen, bem como as aulas de composição de Milhaud. Ele continuou com Messiaen por um ano, mas ficou desapontado com Milhaud e abandonou suas aulas depois de algumas semanas. Em março de 1953, ele deixou Paris para assumir o cargo de assistente de Herbert Eimert no recém-criado Electronic Music Studio de Nordwestdeutscher Rundfunk (NWDR) (a partir de 1º de janeiro de 1955, Westdeutscher Rundfunk ou WDR) em Colônia. Em 1963, ele conseguiu Eimert como diretor do estúdio. De 1954 a 1956, ele estudou fonética, acústica e teoria da informação com Werner Meyer-Eppler na Universidade de Bonn . Junto com Eimert, Stockhausen editou o jornal Die Reihe de 1955 a 1962.

Carreira e vida adulta

Família e casa

Stockhausen no jardim de sua casa em Kürten, 2005

Em 29 de dezembro de 1951, em Hamburgo, Stockhausen casou-se com Doris Andreae . Juntos, eles tiveram quatro filhos: Suja (n. 1953), Christel (n. 1956), Markus (n. 1957) e Majella (n. 1961). Eles se divorciaram em 1965. Em 3 de abril de 1967, em San Francisco, ele se casou com Mary Bauermeister , com quem teve dois filhos: Julika (n. 22 de janeiro de 1966) e Simon (n. 1967). Eles se divorciaram em 1972.

Quatro dos filhos de Stockhausen tornaram-se músicos profissionais (Kurtz 1992, 202), e ele compôs algumas de suas obras especificamente para eles. Um grande número de peças para trompete - de Sirius (1975-77) à versão para trompete de In Freundschaft (1997) - foram compostas e estreadas por seu filho Markus. Markus, com a idade de 4 anos, havia interpretado o papel de The Child in Cologne na estreia de Originale em Colônia , alternando performances com sua irmã Christel. Klavierstück XII e Klavierstück XIII (e suas versões como cenas das óperas Donnerstag aus Licht e Samstag aus Licht ) foram escritas para sua filha Majella e foram interpretadas pela primeira vez por ela aos 16 e 20 anos, respectivamente. O dueto de saxofone no segundo ato de Donnerstag aus Licht , e uma série de partes de sintetizador nas óperas de Licht , incluindo Klavierstück XV ("Synthi-Fou") de Dienstag , foram compostas para seu filho Simon, que também ajudou seu pai na produção da música eletrônica da Freitag aus Licht . Sua filha Christel é uma flautista que atuou e deu um curso de interpretação de Tierkreis em 1977, publicado posteriormente em artigo.

Em 1961, Stockhausen adquiriu um terreno nas proximidades de Kürten , um vilarejo a leste de Colônia, perto de Bergisch Gladbach, na região de Bergisches Land . Ele mandou construir uma casa, que foi projetada de acordo com suas especificações pelo arquiteto Erich Schneider-Wessling, e ele residiu lá desde sua conclusão no outono de 1965.

Ensino

Stockhausen palestrando no 12º Cursos Internacionais de Verão para Música Nova em Darmstadt, 1957

Depois de lecionar no Internationale Ferienkurse für Neue Musik em Darmstadt (primeiro em 1953), Stockhausen deu palestras e concertos na Europa, América do Norte e Ásia. Ele foi professor convidado de composição na University of Pennsylvania em 1965 e na University of California, Davis em 1966-1967. Ele fundou e dirigiu os Cursos de Nova Música de Colônia de 1963 a 1968, e foi nomeado Professor de Composição na Hochschule für Musik Köln em 1971, onde lecionou até 1977. Em 1998, ele fundou os Cursos Stockhausen, que são realizados anualmente em Kürten.

Atividades de publicação

De meados da década de 1950 em diante, Stockhausen projetou (e em alguns casos providenciou para que imprimisse) suas próprias partituras musicais para sua editora, a Universal Edition , que muitas vezes envolvia dispositivos não convencionais. A partitura de sua peça Refrain , por exemplo, inclui um rodízio ( refrão ) em uma tira de plástico transparente. No início da década de 1970, ele encerrou seu contrato com a Universal Edition e começou a publicar suas próprias partituras sob o selo Stockhausen-Verlag. Esse arranjo permitiu que ele estendesse suas inovações notacionais (por exemplo, as dinâmicas em Weltparlament [a primeira cena de Mittwoch aus Licht ] são codificadas em cores) e resultou em oito prêmios German Music Publishers Society entre 1992 ( Luzifers Tanz ) e 2005 ( Hoch- Zeiten , de Sonntag aus Licht ). O placar do Momente , publicado pouco antes da morte de Stockhausen em 2007, ganhou este prêmio pela nona vez.

No início da década de 1990, Stockhausen readquiriu as licenças da maioria das gravações de sua música que havia feito até então e abriu sua própria gravadora para tornar essa música permanentemente disponível em Compact Disc.

Morte

Túmulo de Stockhausen, Waldfriedhof, Kürten
Monumento sepulcral (vista traseira)

Stockhausen morreu de insuficiência cardíaca súbita na manhã de 5 de dezembro de 2007 em Kürten , Renânia do Norte-Vestfália. Na noite anterior, ele havia terminado uma obra recentemente encomendada para a interpretação da Orquestra de Mozart de Bolonha . Ele tinha 79 anos.

Composições

Stockhausen escreveu 370 trabalhos individuais. Freqüentemente, ele se afasta radicalmente da tradição musical e seu trabalho é influenciado por Olivier Messiaen , Edgard Varèse e Anton Webern , bem como pelo cinema e por pintores como Piet Mondrian e Paul Klee .

Década de 1950

Stockhausen começou a compor para valer apenas durante seu terceiro ano no conservatório. Suas primeiras composições estudantis permaneceram fora dos olhos do público até que, em 1971, ele publicou Chöre für Doris , Drei Lieder para voz alto e orquestra de câmara, Coral para coro a capela (todos os três de 1950) e Sonatina para violino e piano ( 1951).

Em agosto de 1951, logo após sua primeira visita a Darmstadt, Stockhausen começou a trabalhar com uma forma de composição serial atemática que rejeitava a técnica dodecafônica de Schoenberg . Ele caracterizou muitas dessas primeiras composições (junto com a música de outros compositores do período) como punktuelle Musik , música "pontual" ou "pontual", comumente mal traduzida como "pontilhista", embora um crítico tenha concluído após analisar várias dessas primeiras obras que Stockhausen "nunca realmente compôs pontualmente". As composições desta fase incluem Kreuzspiel (1951), o Klavierstücke I – IV (1952 - o quarto deste primeiro conjunto de quatro Klavierstücke , intitulado Klavierstück IV , é especificamente citado por Stockhausen como um exemplo de "música pontual", e o primeiro ( versões inéditas de Punkte e Kontra-Punkte (1952). No entanto, vários trabalhos desses mesmos anos mostram Stockhausen formulando sua "primeira contribuição realmente inovadora para a teoria e, acima de tudo, prática da composição", a da "composição do grupo ", encontrado nas obras de Stockhausen já em 1952 e continuando ao longo de sua carreira composicional. Este princípio foi descrito publicamente por Stockhausen em uma palestra de rádio em dezembro de 1955, intitulada" Gruppenkomposition: Klavierstück I ".

Em dezembro de 1952, ele compôs um Konkrete Etude , realizado em Pierre Schaeffer Paris 's música concreta estúdio. Em março de 1953, ele se mudou para o estúdio NWDR em Colônia e se voltou para a música eletrônica com dois Estudos Eletrônicos (1953 e 1954), e então introduziu colocações espaciais de fontes sonoras com seu trabalho misto de concreto e eletrônico Gesang der Jünglinge (1955-56) . As experiências adquiridas com os Estudos deixaram claro que era uma simplificação excessiva e inaceitável considerar os timbres como entidades estáveis. Reforçado por seus estudos com Meyer-Eppler, começando em 1955, Stockhausen formulou novos critérios "estatísticos" para a composição, focalizando a atenção nas tendências aleatórias e direcionais do movimento do som, "a mudança de um estado para outro, com ou sem movimento de retorno, em oposição a um estado fixo ". Stockhausen escreveu mais tarde, descrevendo esse período em seu trabalho composicional: "A primeira revolução ocorreu a partir de 1952/53 como musique concrète , música de fita eletrônica e música espacial , envolvendo composição com transformadores, geradores, moduladores, magnetofones, etc; a integração de todos possibilidades sonoras concretas e abstratas (sintéticas) (também todos os ruídos), e a projeção controlada do som no espaço ". Sua posição como "o principal compositor alemão de sua geração" foi estabelecida com Gesang der Jünglinge e três peças compostas simultaneamente em diferentes mídias: Zeitmaße para cinco instrumentos de sopro, Gruppen para três orquestras e Klavierstück XI . Os princípios subjacentes às últimas três composições são apresentados no artigo teórico mais conhecido de Stockhausen, "... wie die Zeit vergeht ..." ("... How Time Passes ..."), publicado pela primeira vez em 1957 no vol. 3 do Die Reihe .

Seu trabalho com música eletrônica e sua fixidez absoluta o levaram a explorar modos de música instrumental e vocal em que as capacidades individuais dos performers e as circunstâncias de uma performance particular (por exemplo, acústica de salão) podem determinar certos aspectos de uma composição. Ele chamou isso de "forma variável". Em outros casos, um trabalho pode ser apresentado de várias perspectivas diferentes. Em Zyklus (1959), por exemplo, ele começou a usar notação gráfica para música instrumental. A partitura é escrita de forma que a performance possa começar em qualquer página, podendo ser lida de cabeça para baixo, ou da direita para a esquerda, conforme a escolha do intérprete. Outras obras ainda permitem percursos diferentes através das partes constituintes. Stockhausen chamou ambas as possibilidades de "forma polivalente", que pode ser forma aberta (essencialmente incompleta, apontando para além de sua moldura), como com Klavierstück XI (1956), ou "forma fechada" (completa e independente) como com Momente (1962–64 / 69).

Em muitas de suas obras, os elementos são jogados uns contra os outros, simultânea e sucessivamente: em Kontra-Punkte ("Against Points", 1952-1953), que, em sua forma revisada, tornou-se seu "opus 1" oficial, um processo que conduziu de uma textura de "ponto" inicial de notas isoladas em direção a um final florido e ornamental, que se opõe a uma tendência da diversidade (seis timbres, dinâmica e durações) em direção à uniformidade (timbre de piano solo, uma dinâmica suave quase constante e durações razoavelmente uniformes ) Em Gruppen (1955-1957), fanfarras e passagens de velocidade variável (durações sobrepostas baseadas na série harmônica ) são ocasionalmente arremessadas entre três orquestras completas, dando a impressão de movimento no espaço.

Em seu Kontakte para sons eletrônicos (opcionalmente com piano e percussão) (1958–60), ele alcançou pela primeira vez um isomorfismo dos quatro parâmetros de altura, duração, dinâmica e timbre.

Década de 1960

Em 1960, Stockhausen voltou à composição da música vocal (pela primeira vez desde Gesang der Jünglinge ) com Carré para quatro orquestras e quatro coros. Dois anos depois, ele deu início a uma extensa cantata intitulada Momente (1962–64 / 69), para soprano solo, quatro grupos corais e treze instrumentistas. Em 1963, Stockhausen criou o Plus-Minus , "2 × 7 páginas para realização" contendo materiais básicos de notas e um sistema complexo de transformações ao qual esses materiais devem ser submetidos a fim de produzir um número ilimitado de composições diferentes. Pelo resto da década de 1960, ele continuou a explorar essas possibilidades de " composição de processo " em obras para performance ao vivo, como Prozession (1967), Kurzwellen e Spiral (ambos de 1968), culminando nas composições de "música intuitiva" verbalmente descritas. de Aus den sieben Tagen (1968) e Für kommende Zeiten (1968–70). Algumas de suas obras posteriores, como Ylem (1972) e as três primeiras partes de Herbstmusik (1974), também se enquadram nesta rubrica. Várias dessas composições de processo foram apresentadas nos programas de um dia inteiro apresentados na Expo 70, para a qual Stockhausen compôs mais duas peças semelhantes, Pólo para dois jogadores e Expo para três. Em outras composições, como Stop for orchestra (1965), Adieu for wind quintet (1966) e Dr. K Sextett , que foi escrito em 1968-1969 em homenagem a Alfred Kalmus da Universal Edition, ele presenteou seus intérpretes com mais possibilidades de improvisação restritas.

Ele foi o pioneiro da eletrônica ao vivo em Mixtur (1964/67/2003) para orquestra e eletrônica, Mikrophonie I (1964) para tam-tam , dois microfones, dois filtros com potenciômetros (6 jogadores), Mikrophonie II (1965) para coro, órgão Hammond e quatro moduladores de anel e Solo para um instrumento melódico com feedback (1966). A improvisação também desempenha um papel em todas essas obras, mas especialmente em Solo . Ele também compôs duas obras eletrônicas para fita , Telemusik (1966) e Hymnen (1966–67). Este último também existe em uma versão com solistas parcialmente improvisados, e o terceiro de suas quatro "regiões" em uma versão com orquestra. Nessa época, Stockhausen também começou a incorporar músicas pré-existentes de tradições mundiais em suas composições. A Telemusik foi o primeiro exemplo evidente dessa tendência.

Em 1968, Stockhausen compôs o sexteto vocal Stimmung , para o Collegium Vocale Köln , uma obra de uma hora baseada inteiramente nos tons de um si bemol baixo . No ano seguinte, criou Fresco para quatro grupos orquestrais, uma composição Wandelmusik ("música de foyer"). Este foi planejado para ser tocado por cerca de cinco horas nos foyers e terrenos do complexo de auditório Beethovenhalle em Bonn , antes, depois e durante um grupo de concertos (em parte simultâneos) de sua música nos auditórios do local. O projeto geral recebeu o título de Musik für die Beethovenhalle . Isso teve precedentes em dois projetos de seminário de composição coletiva que Stockhausen deu em Darmstadt em 1967 e 1968: Ensemble e Musik für ein Haus , e teria sucessores na composição "park music" para cinco grupos espacialmente separados, Sternklang ("Star Sounds" ) de 1971, a obra orquestral Trans , composta no mesmo ano e as treze "cenas musicais para solistas e duetos" simultâneas intituladas Alphabet für Liège (1972).

Space music e Expo '70

O Pavilhão Alemão na Expo '70 (o auditório esférico está fora de vista à direita)

Desde meados da década de 1950, Stockhausen tinha vindo a desenvolver conceitos de espacialização em suas obras, não só na música eletrônica, como o 5-channel Gesang der Jünglinge (1955-1956) e Telemusik (1966), e 4-channel Kontakte (1958 –60) e Hymnen (1966–67). Trabalhos instrumentais / vocais como Gruppen para três orquestras (1955–57) e Carré para quatro orquestras e quatro coros (1959–60) também exibem esse traço. Em conferências como "Music in Space" de 1958, apelou à construção de novos tipos de salas de concerto, "adequadas às exigências da música espacial". A ideia dele era

um espaço esférico que é todo equipado com alto-falantes. No meio desse espaço esférico, uma plataforma transparente e permeável ao som seria suspensa para os ouvintes. Eles podiam ouvir música composta para esses espaços padronizados vindos de cima, de baixo e de todos os pontos da bússola.

Em 1968, o governo da Alemanha Ocidental convidou Stockhausen para colaborar no Pavilhão Alemão na Feira Mundial de 1970 em Osaka e para criar um projeto multimídia conjunto com o artista Otto Piene . Outros colaboradores do projeto incluíram o arquiteto do pavilhão, Fritz Bornemann , Fritz Winckel, diretor do Electronic Music Studio da Universidade Técnica de Berlim , e o engenheiro Max Mengeringhausen. O tema do pavilhão era "jardins de música", de acordo com o que Bornemann pretendia "plantar" as salas de exposição sob um amplo gramado, com um auditório conectado "brotando" acima do solo. Inicialmente, Bornemann concebeu este auditório em forma de anfiteatro , com pódio central da orquestra e espaço de audiência envolvente. No verão de 1968, Stockhausen se encontrou com Bornemann e o convenceu a mudar essa concepção para um espaço esférico com o público no centro, cercado por grupos de alto-falantes em sete anéis em diferentes "latitudes" ao redor das paredes internas da esfera.

Embora o projeto multimídia planejado de Stockhausen e Piene, intitulado Hinab-Hinauf , tenha sido desenvolvido em detalhes, o comitê da Feira Mundial rejeitou seu conceito como muito extravagante e, em vez disso, pediu a Stockhausen que apresentasse programas diários de cinco horas de sua música. As obras de Stockhausen foram executadas durante 5 horas e meia todos os dias durante um período de 183 dias para uma audiência total de cerca de um milhão de ouvintes. De acordo com o biógrafo de Stockhausen, Michael Kurtz, "Muitos visitantes sentiram que o auditório esférico era um oásis de calma em meio à agitação geral, e depois de um tempo se tornou uma das principais atrações da Expo 1970".

Década de 1970

Stockhausen (centro da frente) na mesa de mixagem para uma apresentação de Alfons e Aloys Kontarsky de Mantra , Festival de Artes de Shiraz , Irã, 1972

Começando com Mantra para dois pianos e eletrônica (1970), Stockhausen voltou-se para a composição de fórmulas , uma técnica que envolve a projeção e multiplicação de uma fórmula de linha melódica simples, dupla ou tripla . Às vezes, como no Mantra e na grande composição orquestral com mímicos solistas, Inori , a fórmula simples é apresentada no início como uma introdução. Ele continuou a usar essa técnica (por exemplo, nas duas peças de clarinete solo relacionadas, Harlekin [Harlequin] e Der kleine Harlekin [O pequeno arlequim] de 1975, e o Jubiläum [Jubileu] orquestral de 1977) até a conclusão da ópera -cycle Licht em 2003. Algumas obras da década de 1970 não empregavam a técnica de fórmulas - por exemplo, o dueto vocal " Am Himmel wandre ich " (In the Sky I am Walking, um dos 13 componentes do Alphabet für Liège multimídia , 1972, que Stockhausen desenvolveu em conversa com a biofísica e palestrante britânica sobre aspectos místicos da vibração sonora Jill Purce ), "Laub und Regen" (Leaves and Rain, da peça de teatro Herbstmusik (1974), a composição para clarinete desacompanhado Amour e o coral ópera Atmen gibt das Leben (Breathing Gives Life, 1974/77), mas, no entanto, compartilha seu estilo mais simples e melodicamente orientado. Duas dessas peças, Tierkreis ("Zodiac", 1974-75) e In Freundschaft (In Friendship, 1977, um solo peça com versões para praticamente todos instrumento orquestral), tornaram-se as composições mais amplamente executadas e gravadas de Stockhausen.

Essa dramática simplificação de estilo forneceu um modelo para uma nova geração de compositores alemães, vagamente associados sob o rótulo neue Einfachheit ou New Simplicity . O mais conhecido desses compositores é Wolfgang Rihm , que estudou com Stockhausen em 1972-1973. Sua composição orquestral Sub-Kontur (1974–75) cita a fórmula de Inori de Stockhausen (1973–74), e ele também reconheceu a influência de Momente neste trabalho.

Outras grandes obras de Stockhausen desta década incluem a orquestral Trans (1971) e duas composições de teatro musical utilizando as melodias de Tierkreis : Musik im Bauch ("Music in the Belly") para seis percussionistas (1975) e a ficção científica " opera " Sirius (1975–77) para música eletrônica de oito canais com soprano, baixo, trompete e clarinete baixo, que tem quatro versões diferentes para as quatro temporadas, cada uma durando mais de uma hora e meia.

Stockhausen em 2004 durante a mixagem da gravação de Angel Processions de Sonntag aus Licht , no Sound Studio N, Cologne

1977–2003

Entre 1977 e 2003, Stockhausen compôs sete óperas em um ciclo intitulado Licht: Die sieben Tage der Woche ("Luz: os sete dias da semana"). O ciclo de Licht lida com os traços associados em várias tradições históricas com cada dia da semana (segunda-feira = nascimento e fertilidade, terça-feira = conflito e guerra, quarta-feira = reconciliação e cooperação, quinta-feira = viajar e aprender, etc.) e com as relações entre três arquétipos personagens: Miguel , Lúcifer e Eva . Cada um desses personagens domina uma das óperas ( Donnerstag [quinta-feira], Samstag [sábado] e Montag [segunda-feira], respectivamente), os três pares possíveis estão em primeiro plano em três outros, e a combinação igual de todos os três é apresentada em Mittwoch (Quarta-feira).

A concepção de ópera de Stockhausen foi baseada significativamente na cerimônia e ritual, com influência do teatro Noh japonês , bem como nas tradições judaico-cristãs e védicas . Em 1968, na época da composição de Aus den sieben Tagen , Stockhausen havia lido uma biografia de Satprem sobre o guru bengali Sri Aurobindo e, subsequentemente, ele também leu muitos dos escritos publicados pelo próprio Aurobindo. O título de Licht deve algo à teoria de " Agni " de Aurobindo (a divindade hindu e védica do fogo), desenvolvida a partir de duas premissas básicas da física nuclear; A definição de Stockhausen de uma fórmula e, especialmente, sua concepção da superfórmula de Licht , também deve muito à categoria de "supramental" de Sri Aurobindo. Da mesma forma, sua abordagem à voz e ao texto às vezes se afastava do uso tradicional: os personagens tinham tanta probabilidade de ser retratados por instrumentistas ou dançarinos quanto por cantores, e algumas partes de Licht (por exemplo, Luzifers Traum de Samstag , Welt-Parlament de Mittwoch , Lichter -Wasser e Hoch-Zeiten da Sonntag ) usam textos escritos ou improvisados ​​em linguagens simuladas ou inventadas.

As sete óperas não foram compostas na "ordem dos dias da semana", mas sim começando (com exceção de Jahreslauf em 1977, que se tornou o primeiro ato de Dienstag ) com as óperas "solo" e trabalhando em direção às mais complexas: Donnerstag (1978-80), Samstag (1981–83), Montag (1984–88), Dienstag (1977 / 1987–91), Freitag (1991–94), Mittwoch (1995–97) e finalmente Sonntag (1998–2003).

Stockhausen sonhou em voar ao longo de sua vida, e esses sonhos se refletem no Helikopter-Streichquartett (a terceira cena de Mittwoch aus Licht ), concluído em 1993. Nele, os quatro membros de um quarteto de cordas atuam em quatro helicópteros voando em vôo independente caminhos sobre o campo perto da sala de concertos. Os sons que tocam são misturados com os sons dos helicópteros e reproduzidos por meio de alto-falantes para o público na sala. Os vídeos dos artistas também são transmitidos para a sala de concertos. Os performers são sincronizados com o auxílio de uma faixa de cliques , transmitida a eles e ouvida por fones de ouvido.

A primeira apresentação da peça aconteceu em Amsterdã no dia 26 de junho de 1995, como parte do Festival da Holanda . Apesar de sua natureza extremamente incomum, a peça teve várias apresentações, incluindo uma em 22 de agosto de 2003 como parte do Festival de Salzburgo para abrir o Hangar-7, e a estreia alemã em 17 de junho de 2007 em Braunschweig como parte do Stadt der Festival Wissenschaft 2007. A obra também foi gravada pelo Quarteto Arditti .

Em 1999, foi convidado por Walter Fink para ser o nono compositor apresentado no anual Komponistenporträt do Rheingau Musik Festival .

Em 1999, o produtor da BBC Rodney Wilson pediu a Stockhausen que colaborasse com Stephen e Timothy Quay em um filme para a quarta série da Sound on Film International. Embora a música de Stockhausen tivesse sido usada para filmes anteriormente (mais notavelmente, partes de Hymnen em Nicolas Roeg 's Walkabout em 1971), esta foi a primeira vez que ele foi convidado a fornecer música especialmente para esse propósito. Ele adaptou 21 minutos de material retirado de sua música eletrônica para Freitag aus Licht , chamando o resultado Zwei Paare (Dois Casais), e os Irmãos Quay criaram seu filme de animação, que intitularam In Absentia , baseado apenas em suas reações à música e a simples sugestão de que uma janela pode ser uma ideia para usar. Quando, em uma exibição prévia, Stockhausen viu o filme, que mostra uma mulher louca escrevendo cartas de uma cela de asilo sombria, ele foi às lágrimas. Os Irmãos Quay ficaram surpresos ao saber que sua mãe havia sido "presa pelos nazistas em um asilo, onde morreu mais tarde ... Foi um momento muito comovente para nós também, especialmente porque havíamos feito o filme sem saber de ninguém. disto".

2003–2007

Stockhausen e Antonio Pérez Abellán durante uma sessão de gravação em 2007 para Natürliche Dauern , a terceira hora de Klang

Depois de concluir Licht , Stockhausen embarcou em um novo ciclo de composições baseadas nas horas do dia, Klang ("Som"). Vinte e uma dessas peças foram concluídas antes da morte de Stockhausen. As primeiras quatro obras deste ciclo são Primeira hora: Himmelfahrt (Ascensão), para órgão ou sintetizador, soprano e tenor (2004–2005); Segunda hora: Freude (Joy) para duas harpas (2005); Terceira hora: Natürliche Dauern (Durações naturais) para piano (2005–2006); e Fourth Hour: Himmels-Tür (Heaven's Door) para um percussionista e uma menina (2005). The Fifth Hour, Harmonien (Harmonies), é um solo em três versões para flauta, clarinete baixo e trompete (2006). Da sexta à décima segunda hora são obras de música de câmara baseadas no material da quinta hora. The Thirteenth Hour, Cosmic Pulses , é uma obra eletrônica feita pela sobreposição de 24 camadas de som, cada uma com seu próprio movimento espacial, entre oito alto-falantes colocados ao redor da sala de concertos. As horas 14 a 21 são peças solo para voz de baixo, voz de barítono, trompa, trompa, voz de tenor, voz de soprano, saxofone soprano e flauta, respectivamente, cada uma com acompanhamento eletrônico de um conjunto diferente de três camadas de Cosmic Pulses . As vinte e uma peças concluídas foram executadas juntas pela primeira vez como um ciclo no Festival MusikTriennale Köln de 8 a 9 de maio de 2010, em 176 concertos individuais.

Teorias

Stockhausen palestrando sobre Inori em 2005

Na década de 1950 e no início da década de 1960, Stockhausen publicou uma série de artigos que estabeleceram sua importância na área da teoria musical. Embora incluam análises da música de Mozart , Debussy , Bartók , Stravinsky , Goeyvaerts , Boulez , Nono , Johannes Fritsch , Michael von Biel e, especialmente, Webern , os itens sobre teoria composicional diretamente relacionados ao seu próprio trabalho são considerados os mais importante geralmente. "Na verdade, o Texte chega mais perto do que qualquer outra coisa atualmente disponível para fornecer uma teoria composicional geral para o período pós-guerra". Seu artigo mais célebre é "... wie die Zeit vergeht ..." ("... How Time Passes ..."), publicado pela primeira vez no terceiro volume de Die Reihe (1957). Nele, ele expõe uma série de concepções temporais subjacentes às suas composições instrumentais Zeitmaße , Gruppen e Klavierstück XI . Em particular, este artigo desenvolve (1) uma escala de doze tempos análoga à escala de altura cromática, (2) uma técnica de construção de subdivisões integrais progressivamente menores ao longo de uma duração básica (fundamental), análoga à série harmônica , (3) aplicação musical do conceito do campo parcial (campos de tempo e tamanhos de campo) em ambas as proporções sucessivas e simultâneas, (4) métodos de se projecta em larga escala forma a partir de uma série de proporções, (5) o conceito de composição "estatística", (6) o conceito de "duração da ação" e a "forma variável" associada, e (7) a noção de "campo temporal sem direção" e com ele, "forma polivalente".

Outros artigos importantes desse período incluem "Elektronische und Instrumentale Musik" ("Música eletrônica e instrumental", 1958), "Musik im Raum" ("Música no espaço", 1958), "Musik und Graphik" ("Música e gráficos" , 1959), " Momentform " (1960), "Die Einheit der musikalischen Zeit" ("The Unity of Musical Time", 1961) e "Erfindung und Entdeckung" ("Invention and Discovery", 1961), o último resumo as idéias desenvolvidas até 1961. Tomadas em conjunto, essas teorias temporais

sugeriu que toda a estrutura composicional poderia ser concebida como " timbre ": uma vez que "os diferentes componentes experimentados como cor, harmonia e melodia , metro e ritmo, dinâmica e forma correspondem às diferentes faixas segmentais deste tempo unificado", o total resultado musical em qualquer nível de composição é simplesmente o " espectro " de uma duração mais básica - ou seja, seu "timbre", percebido como o efeito geral da estrutura harmônica dessa duração, agora considerado para incluir não apenas as subdivisões "rítmicas" da duração, mas também sua relativa força "dinâmica", "envelope", etc.

...

Considerado composicionalmente, isso produziu uma mudança de foco do tom individual para todo um complexo de tons relacionados entre si em virtude de sua relação com um " fundamental " - uma mudança que foi provavelmente o desenvolvimento composicional mais importante da última parte do 1950, não apenas para a música de Stockhausen, mas para a música "avançada" em geral.

Algumas dessas idéias, consideradas de um ponto de vista puramente teórico (divorciadas de seu contexto como explicações de composições particulares), atraíram um fogo crítico significativo. Por esta razão, Stockhausen deixou de publicar tais artigos por vários anos, pois sentia que haviam surgido "muitas polêmicas inúteis" sobre esses textos, e ele preferiu concentrar sua atenção na composição.

Durante a década de 1960, embora ensinasse e fizesse palestras publicamente, Stockhausen publicou poucas publicações de natureza analítica ou teórica. Somente em 1970 ele voltou a publicar artigos teóricos, com "Kriterien", o resumo de seus seis seminários para o Darmstädter Ferienkurse . Os próprios seminários, cobrindo sete tópicos ("Micro e Macro-Contínuo", "Colagem e Metacolagem", "Expansão da Escala de Tempos", "Feedback", "Harmonia Espectral - Modulação de Formantes", "Expansão da Dinâmica-A Principle of Mikrophonie I "e" Space Music - Spatial Forming and Notation ") foram publicados apenas postumamente.

Seus escritos coletados foram publicados no Texte zur Musik , incluindo suas teorias composicionais e análises sobre a música como um fenômeno geral.

Recepção

Influência musical

Stockhausen foi descrito como "um dos grandes visionários da música do século 20". Seus dois primeiros estudos eletrônicos (especialmente o segundo) tiveram uma influência poderosa no desenvolvimento subsequente da música eletrônica nas décadas de 1950 e 1960, particularmente na obra do italiano Franco Evangelisti e dos poloneses Andrzej Dobrowolski e Włodzimierz Kotoński . A influência de seu Kontra-Punkte , Zeitmasse e Gruppen pode ser visto no trabalho de muitos compositores, incluindo Igor Stravinsky 's Threni (1957-1958) e movimentos para piano e orquestra (1958-59) e outras obras até ao Variations : Aldous Huxley in Memoriam (1963–64), cujos ritmos "são provavelmente inspirados, pelo menos em parte, por certas passagens do Gruppen de Stockhausen ". Embora a música da geração de Stockhausen possa parecer uma influência improvável, Stravinsky disse em uma conversa de 1957:

Tenho ao meu redor o espetáculo de compositores que, depois de sua geração ter uma década de influência e moda, se isolam de um desenvolvimento posterior e da próxima geração (como eu digo isso, exceções vêm à mente, Krenek, por exemplo) . É claro que é necessário um esforço maior para aprender com os mais novos, e seus modos nem sempre são bons. Mas quando você tem setenta e cinco anos e sua geração se sobrepõe a quatro mais jovens, não cabe a você decidir antecipadamente "até onde os compositores podem ir", mas tentar descobrir qualquer coisa nova que torne nova a nova geração.

Entre os compositores britânicos, Sir Harrison Birtwistle prontamente reconhece a influência da Zeitmaße de Stockhausen (especialmente em seus dois quintetos de sopros, Refrains and Choruses e Five Distances ) e Gruppen em seu trabalho de forma mais geral. Brian Ferneyhough diz que, embora as "inovações técnicas e especulativas" de Klavierstücke I – IV , Kreuzspiel e Kontra-Punkte tenham escapado dele no primeiro encontro, eles produziram uma "emoção aguda, resultado de um choque benéfico gerado por sua ousadia" e forneceu "uma importante fonte de motivação (ao invés de imitação) para minhas próprias investigações". Ainda na escola, ele ficou fascinado ao ouvir a estreia britânica de Gruppen , e

ouviu muitas vezes a gravação desta performance, enquanto tentava penetrar em seus segredos - como ela sempre parecia estar prestes a explodir, mas conseguia escapar ilesa em seu núcleo - mas mal conseguia agarrá-la. Retrospectivamente, é claro que dessa confusão nasceu o meu interesse pelas questões formais que permanecem até hoje.

Embora tenha evoluído em uma direção própria, o sexteto de ventos de Ferneyhough de 1967, Prometheus , começou como um quinteto de ventos com cor anglais, originando-se diretamente de um encontro com Zeitmaße de Stockhausen . Com relação ao trabalho posterior de Stockhausen, ele disse,

Nunca subscrevi (seja qual for a distância pessoal inevitável) para a tese segundo a qual as muitas transformações de vocabulário que caracterizam o desenvolvimento de Stockhausen são o sinal óbvio de sua incapacidade de realizar a visão inicial da ordem estrita que ele teve em sua juventude. Pelo contrário, parece-me que a constante reconsideração de suas premissas levou à manutenção de um fio de consciência histórica notavelmente duro que se tornará mais claro com o tempo. ... Duvido que tenha havido um único compositor da geração interveniente que, mesmo que por pouco tempo, não tenha visto o mundo da música de forma diferente graças ao trabalho de Stockhausen.

Em um breve ensaio que descreve a influência de Stockhausen em seu próprio trabalho, Richard Barrett conclui que "Stockhausen continua sendo o compositor cuja próxima obra eu mais espero ouvir, além de mim, é claro" e cita como obras que tiveram um impacto particular em seu pensamento musical Mantra , Gruppen , Carré , Klavierstück X , Inori e Jubiläum .

O compositor e maestro francês Pierre Boulez declarou certa vez: "Stockhausen é o maior compositor vivo e o único que reconheço como meu par". Boulez também reconheceu a influência da execução da Zeitmaße de Stockhausen em seu desenvolvimento subsequente como maestro. Outro compositor francês, Jean-Claude Éloy , considera Stockhausen como o compositor mais importante da segunda metade do século 20 e cita virtualmente "todo o seu catálogo de obras" como "uma descoberta poderosa [ sic ] e uma verdadeira revelação".

O compositor holandês Louis Andriessen reconheceu a influência do Momente de Stockhausen em sua obra principal Contra tempus de 1968. O compositor alemão Wolfgang Rihm , que estudou com Stockhausen, foi influenciado por Momente , Hymnen e Inori .

No Festival ISCM Colónia, em 1960, o compositor dinamarquês Per Nørgård ouvido de Stockhausen Kontakte , bem como peças por Kagel, Boulez, e Berio. Ele foi profundamente afetado pelo que ouviu e sua música mudou repentinamente para "um estilo muito mais descontínuo e disjuntor, envolvendo elementos de organização estrita em todos os parâmetros, algum grau de aleatorismo e improvisação controlada, juntamente com um interesse pela colagem de outras músicas" .

Músicos de jazz como Miles Davis , Cecil Taylor , Charles Mingus , Herbie Hancock , Yusef Lateef e Anthony Braxton citam Stockhausen como uma influência.

Stockhausen teve influência na música pop e rock também. Frank Zappa reconhece Stockhausen nas notas do encarte de Freak Out! , sua estréia em 1966 com The Mothers of Invention . No verso do segundo LP do Who lançado nos Estados Unidos, " Happy Jack ", seu principal compositor e guitarrista Pete Townshend , teria "interesse em Stockhausen". Rick Wright e Roger Waters do Pink Floyd também reconhecem Stockhausen como uma influência. Dizem que os grupos psicodélicos de São Francisco, Jefferson Airplane e Grateful Dead , fizeram o mesmo; Stockhausen disse que os Grateful Dead eram "bem orientados para a nova música". Os membros fundadores da banda experimental Can , Irmin Schmidt e Holger Czukay de Colônia , ambos estudaram com Stockhausen nos Cursos de Nova Música de Colônia. Os pioneiros eletrônicos alemães Kraftwerk também dizem que estudaram com Stockhausen, e o vocalista islandês Björk reconheceu a influência de Stockhausen.

Maior renome cultural

Stockhausen, junto com John Cage , é um dos poucos compositores de vanguarda que conseguiu penetrar na consciência popular. Os Beatles incluíram seu rosto na capa da Sgt. Lonely Hearts Club Band do Pepper . Isso reflete sua influência nos experimentos de vanguarda da própria banda, bem como a fama geral e notoriedade que ele havia alcançado naquela época (1967). Em particular, " A Day in the Life " (1967) e " Revolution 9 " (1968) foram influenciados pela música eletrônica de Stockhausen. O nome de Stockhausen, e a estranheza percebida e suposta inaplicabilidade de sua música, foi até mesmo uma piada em desenhos animados, como documentado em uma página no site oficial de Stockhausen ( Stockhausen Cartoons ). Talvez a observação mais cáustica sobre Stockhausen tenha sido atribuída a Sir Thomas Beecham . Questionado sobre "Você já ouviu falar de Stockhausen?", Ele teria respondido: "Não, mas acredito que pisei em alguns".

A fama de Stockhausen também se reflete nas obras da literatura. Por exemplo, ele é mencionado no romance de Philip K. Dick de 1974, Flow My Tears, the Policeman Said , e no romance de Thomas Pynchon de 1966, The Crying of Lot 49 . O romance de Pynchon apresenta "The Scope", um bar com "uma política estrita de música eletrônica". O protagonista Oedipa Maas pergunta a "um barba grisalho descolado" sobre um "coro repentino de gritos e uivos" saindo de "uma espécie de jukebox". Ele responde: "Isso é de Stockhausen ... o público inicial tende a curtir o som da Radio Cologne. Mais tarde, nós realmente balançamos".

O escritor francês Michel Butor reconhece que a música de Stockhausen "me ensinou muito", mencionando em particular as obras eletrônicas Gesang der Jünglinge e Hymnen .

Mais tarde em sua vida, Stockhausen foi retratado por pelo menos um jornalista, John O'Mahony do jornal Guardian , como um excêntrico, por exemplo, sendo acusado de viver um estilo de vida efetivamente polígamo com duas mulheres, a quem O'Mahony se referiu como sua " esposas ", afirmando ao mesmo tempo que não era casado com nenhuma das duas. No mesmo artigo, O'Mahony afirma que Stockhausen disse que nasceu em um planeta orbitando a estrela Sirius. No jornal alemão Die Zeit , Stockhausen afirmou que foi educado em Sirius (ver Controvérsia abaixo).

Crítica

Robin Maconie descobriu que, "Comparada com o trabalho de seus contemporâneos, a música de Stockhausen tem uma profundidade e integridade racional que é bastante notável ... Suas pesquisas, inicialmente guiadas por Meyer-Eppler, têm uma coerência diferente de qualquer outro compositor então ou desde então" . Maconie também compara Stockhausen a Beethoven : "Se um gênio é alguém cujas idéias sobrevivem a todas as tentativas de explicação, então, por essa definição, Stockhausen é a coisa mais próxima de Beethoven que este século produziu. Razão? Sua música dura", e "Como disse Stravinsky, nunca se pensa em Beethoven como um orquestrador soberbo porque a qualidade da invenção transcende a mera habilidade. É o mesmo com Stockhausen: a intensidade da imaginação dá origem a impressões musicais de uma beleza elementar e aparentemente insondável, decorrente da necessidade e não do design consciente " .

Christopher Ballantine, comparando as categorias de música experimental e de vanguarda , conclui que

Talvez mais do que qualquer outro compositor contemporâneo, Stockhausen existe no ponto em que a dialética entre a música experimental e a vanguarda se torna manifesta; é nele, mais obviamente do que em qualquer outro lugar, que convergem essas diversas abordagens. Isso por si só parece sugerir seu notável significado.

Igor Stravinsky expressou grande, mas não acrítico, entusiasmo pela música de Stockhausen nos livros de conversação com Robert Craft , e por anos organizou sessões de audição privadas com amigos em sua casa, onde tocou fitas das últimas obras de Stockhausen. Em uma entrevista publicada em março de 1968, no entanto, ele diz de uma pessoa não identificada,

Tenho ouvido durante toda a semana a música para piano de um compositor agora muito estimado por sua capacidade de ficar uma hora ou mais à frente de seu tempo, mas acho a alternância de grupos de notas e silêncios de que consiste mais monótona do que os quatro quadrados. da música mais monótona do século XVIII.

No mês de outubro seguinte, um relatório no Sovetskaia Muzyka traduziu esta frase (e algumas outras do mesmo artigo) para o russo, substituindo a conjunção "mas" a frase "Ia imeiu v vidu Karlkheintsa Shtokkhauzena" ("Estou me referindo a Karlheinz Stockhausen "). Quando esta tradução foi citada na biografia de Stravinsky de Druskin, o campo foi ampliado para todas as composições de Stockhausen e Druskin acrescenta para uma boa medida, "na verdade, obras que ele chama de desnecessárias, inúteis e desinteressantes", novamente citando o mesmo artigo do Sovetskaia Muzyka , embora deixou claro que a caracterização era de "compositores universitários" americanos.

No início de 1995, a BBC Radio 3 enviou a Stockhausen um pacote de gravações dos artistas contemporâneos Aphex Twin , Richie Hawtin (Plastikman), Scanner e Daniel Pemberton , e pediu sua opinião sobre a música. Em agosto daquele ano, o repórter da Radio 3 Dick Witts entrevistou Stockhausen sobre essas peças para uma transmissão em outubro, posteriormente publicada na edição de novembro da publicação britânica The Wire perguntando que conselho ele daria a esses jovens músicos. Stockhausen fez sugestões a cada um dos músicos, que foram convidados a responder. Todos, exceto Plastikman, obedeceram.

Controvérsia

Ao longo de sua carreira, Stockhausen gerou polêmica. Uma razão para isso é que sua música exibe grandes expectativas sobre "moldar e transformar o mundo, sobre a verdade da vida e da realidade, sobre a saída criativa para um futuro determinado pelo espírito", de modo que o trabalho de Stockhausen "como nenhum outro no história da nova música, tem um efeito polarizador, desperta paixões e provoca oposição drástica, até ódio ". Outro motivo foi reconhecido pelo próprio Stockhausen em uma resposta a uma pergunta durante uma entrevista na Rádio Bavária em 4 de setembro de 1960, reimpressa como um prefácio de sua primeira coleção de escritos:

Muitas vezes fui censurado - especialmente recentemente - por ser muito franco e, por causa disso, fazer muitos inimigos para mim - por ser pouco diplomático. ... É preciso admitir: não sou dotado de esoterismo, nem de místico, nem de eremita, nem de diplomata; corresponde a que meu amor por meus semelhantes se expresse com franqueza ... Espero que meus inimigos não me destruam por causa disso; Também espero que meus inimigos encontrem formas de réplica que eu possa achar ricamente fantasiosas, espirituosas, pertinentes, instrutivas - que me concedam respeito por meio de uma forma nobre e verdadeiramente humana de inimizade.

Após as revoltas estudantis em 1968 , a vida musical na Alemanha tornou-se altamente politizada e Stockhausen viu-se alvo de críticas, especialmente do campo esquerdista que queria a música "a serviço da luta de classes". Cornelius Cardew e Konrad Boehmer denunciaram seu ex-professor como um "servo do capitalismo". Em um clima em que a música importava menos do que a ideologia política, alguns críticos sustentaram que Stockhausen era muito elitista, enquanto outros reclamaram que ele era muito místico.

Escândalo na estreia do Fresco

Conforme relatado na revista alemã Der Spiegel , a estréia (e única apresentação até agora) em 15 de novembro de 1969 da obra Fresco de Stockhausen para quatro grupos orquestrais (tocando em quatro locais diferentes) foi palco de um escândalo. Os ensaios já foram marcados por objeções dos músicos da orquestra questionando orientações como "glissandos não mais rápidos do que uma oitava por minuto" e outros ligando para o sindicato dos artistas para esclarecer se eles realmente tinham que executar a obra Stockhausen como parte da orquestra. Na sala de aquecimento dos bastidores da estreia, uma placa escrita à mão dizia: "Vamos tocar, senão seríamos despedidos". Durante a estreia, as partes de alguns estandes de música foram repentinamente substituídas por cartazes onde se liam coisas como "Stockhausen-Zoo. Por favor, não alimente", que alguém plantou. Alguns músicos, cansados ​​dos macacos, partiram depois de uma hora, embora a apresentação estivesse planejada para quatro a cinco horas. Os fãs de Stockhausen protestaram, enquanto os adversários de Stockhausen estavam espetando os músicos, perguntando: "Como vocês podem participar de tal merda?" ("Wie könnt ihr bloß so eine Scheiße machen!"). A certa altura, alguém conseguiu desligar as luzes do estande, deixando os músicos no escuro. Após 260 minutos, a apresentação terminou sem mais ninguém participando.

Sistema estelar Sirius

Em um obituário no jornal alemão Die Zeit , Karlheinz Stockhausen foi citado como tendo dito: "Fui educado em Sirius e quero voltar para lá, embora ainda more em Kürten, perto de Colônia." Ao ouvir sobre isso, o maestro Michael Gielen declarou: "Quando ele disse que sabia o que estava acontecendo em Sirius, me afastei dele horrorizado. Não ouvi nenhuma nota desde então." Ele chamou as declarações de Stockhausen de "arrogância" e "absurdo", enquanto ao mesmo tempo defendia sua própria crença na astrologia : "Por que esses grandes corpos celestes existem se não representam algo? Não posso imaginar que haja algo sem sentido no universo. Há muita coisa que não entendemos ".

Ataques de 11 de setembro

Numa conferência de imprensa em Hamburgo em 16 de setembro de 2001, Stockhausen foi questionado por um jornalista se os personagens de Licht eram para ele "meramente algumas figuras de uma história cultural comum" ou melhor, "aparências materiais". Stockhausen respondeu: "Rezo diariamente a Michael, mas não a Lúcifer. Renunciei a ele. Mas ele está muito presente, como em Nova York recentemente". O mesmo jornalista então perguntou como os eventos de 11 de setembro o afetaram e como ele viu os relatos do ataque em conexão com a harmonia da humanidade representada em Hymnen . Ele respondeu:

Bem, o que aconteceu lá é, é claro - agora todos vocês devem ajustar seus cérebros - a maior obra de arte que já existiu. O fato de que os espíritos alcançam com um ato algo que nós na música nunca poderíamos sonhar, que as pessoas praticam loucamente, fanaticamente por um concerto por dez anos. E então morre. [Hesitante.] E essa é a maior obra de arte que existe para todo o Cosmos. Imagine o que aconteceu lá. Existem pessoas que estão tão concentradas neste único desempenho, e então cinco mil pessoas são levadas à Ressurreição. Em um momento. Eu não poderia fazer isso. Comparado a isso, não somos nada, como compositores. [...] É crime, né, porque o povo não concordou. Eles não foram ao "concerto". Isso é óbvio. E ninguém lhes disse: "Você pode ser morto no processo."

Como resultado da reação ao relato da imprensa sobre os comentários de Stockhausen, um festival de quatro dias de seu trabalho em Hamburgo foi cancelado. Além disso, sua filha pianista anunciou à imprensa que deixaria de aparecer com o nome de "Stockhausen". Em uma mensagem subsequente, ele afirmou que a imprensa havia publicado "relatórios falsos e difamatórios" sobre seus comentários, e disse:

Na coletiva de imprensa em Hamburgo, perguntaram-me se Miguel, Eva e Lúcifer eram figuras históricas do passado e respondi que eles existem agora, por exemplo Lúcifer em Nova York. Em meu trabalho, defini Lúcifer como o espírito cósmico da rebelião, da anarquia. Ele usa seu alto grau de inteligência para destruir a criação. Ele não conhece o amor. Depois de mais perguntas sobre os eventos na América, disse que tal plano parecia ser a maior obra de arte de Lúcifer. É claro que usei a designação "obra de arte" para significar a obra de destruição personificada em Lúcifer. No contexto de meus outros comentários, isso foi inequívoco.

Honras

Stockhausen, Anneliese Rothenberger e Edo de Waart (1969)
Karlheinz-Stockhausen-Platz e Altes Rathaus em Kürten

Entre as inúmeras honrarias e distinções que foram concedidas a Stockhausen estão:

  • Prêmio dos críticos de gramofone alemães de 1964;
  • Prémio SIMC 1966 e 1972 para obras orquestrais (Itália);
  • 1968 Grande Prêmio de Arte de Música do Estado da Renânia do Norte-Vestfália; Grand Prix du Disque (França); Membro da Academia Livre de Artes de Hamburgo;
  • Prémio Edison de 1968, 1969 e 1971 (Holanda);
  • 1970 Membro da Real Academia Sueca de Música ;
  • 1973 Membro da Academia de Artes de Berlim ;
  • Cruz de Mérito Federal de 1974 , 1ª classe (Alemanha);
  • 1977 Membro da Academia Filarmônica de Roma ;
  • 1979 Membro Honorário da Academia Americana e Instituto de Artes e Letras ;
  • 1980 Membro da Academia Europeia de Ciências, Artes e Letras  [ fr ] ;
  • Prêmio da crítica musical italiana de 1981 por Donnerstag aus Licht ;
  • Prêmio Gramofone Alemão de 1982 (Academia Alemã de Fonógrafos);
  • 1983 Diapason d'or (França) para Donnerstag aus Licht ;
  • 1985 Commandeur de l'Ordre des Arts et des Lettres (França);
  • Prêmio Ernst von Siemens Music de 1986 ;
  • 1987 Membro Honorário da Royal Academy of Music de Londres;
  • Cidadão Honorário da comunidade Kuerten em 1988;
  • 1989 Membro Honorário da Academia Americana de Artes e Ciências ;
  • 1990 Prix ​​Ars Electronica , Linz, Áustria;
  • 1991 membro honorário da Royal Irish Academy of Music; Accademico Onorario da Accademia Nazionale di Santa Caecilia, Roma; Patrono Honorário de Projetos Sonoros Weimar;
  • 1992 IMC-UNESCO Picasso Medal; Medalha de Distinto Serviço do Estado alemão da Renânia do Norte-Vestfália; Prêmio German Music Publishers Society pela trilha sonora de Luzifers Tanz (3ª cena de Saturday from Light );
  • 1993 Patrono do Festival Europeu de Flauta; Diapason d'or para Klavierstücke I – XI e Mikrophonie I e II ;
  • Prêmio da Sociedade Alemã de Editores de Música de 1994 pela trilha sonora Jahreslauf (Act 1 of Tuesday from Light );
  • 1995 Membro Honorário da Sociedade Alemã de Música Eletroacústica; Prêmio Bach da cidade de Hamburgo;
  • 1996 Doutor Honorário (Dr. phil. Hc) da Universidade Livre de Berlim ; Compositor da Capital Europeia da Cultura, Copenhague; Prêmio Edison (Holanda) para Mantra ; Membro da Academia Livre de Artes de Leipzig; Membro Honorário da Ópera de Leipzig; Prêmio Cultura de Colônia;
  • Prêmio da Sociedade Alemã de Editores de Música de 1997 pela trilha de Weltparlament (primeira cena de Wednesday from Light ); Membro honorário do conjunto musical LIM (Laboratorio de Interpretación Musical), Madrid;
  • 1999 Inscrição no Livro de Ouro da cidade de Colônia;
  • Prêmio da Sociedade de Editores de Música Alemã de 2000 pela trilha de Evas Erstgeburt (ato 1 de Monday from Light );
  • 2000–2001 O filme In Absentia realizado pelos Quay Brothers (Inglaterra) com música concreta e eletrônica de Karlheinz Stockhausen ganhou a Pomba de Ouro (primeiro prêmio) no Festival Internacional de Cinema de Animação de Leipzig. Mais prêmios: Menção Especial do Júri, Montreal, FCMM 2000; Prêmio Especial do Júri, Tampere 2000; Menção especial, Golden Prague Awards 2001; Prêmio Honorário de Diploma, Cracóvia 2001; Melhor Curta de Animação, 50º Festival Internacional de Cinema de Melbourne, 2001; Grande Prêmio, Turku Finlândia 2001;
  • 2001 Prêmio German Music Publishers Society pela trilha sonora Helicopter String Quartet (terceira cena de Wednesday from Light ); Prêmio Polar de Música da Real Academia de Artes da Suécia;
  • 2002 Patrono Honorário da Sonic Arts Network , Inglaterra;
  • Prêmio da Sociedade Alemã de Editores de Música 2003 pela trilha de Michaelion (4ª cena de Wednesday de Light );
  • 2004 Membro associado da Academie Royale des Sciences, des Lettres & des Beaux-arts (Bélgica); Doutor Honorário (Dr. phil. Hc) da Queen's University em Belfast; Prêmio German Music Publishers Society pela partitura de Stop and Start para 6 grupos instrumentais;
  • Prêmio German Music Publishers Society de 2005 pela trilha de Hoch-Zeiten para coro (quinta cena de Sunday from Light );
  • 2006 Membro Honorário da Accademia Filarmonica di Bologna ;
  • 2008 Em 22 de agosto, aniversário de Stockhausen, a Rathausplatz em sua cidade natal de Kürten foi renomeada como Karlheinz-Stockhausen-Platz em sua homenagem;
  • 2008 Em 10 de outubro, o Estúdio de Música Eletrônica do Conservatório Real de Haia, na Holanda, mudou seu nome para Estúdio Karlheinz Stockhausen;
  • Prêmio da Sociedade Alemã de Editores de Música 2009 pela pontuação de Momente para soprano solo, quatro grupos corais e 13 instrumentistas;
  • 2010 O município de Kürten adota a denominação "Stockhausengemeinde" (município de Stockhausen) em homenagem ao falecido compositor.

Alunos notáveis

Referências

Fontes

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Obituários

Filmes documentários

links externos