Francis Poulenc - Francis Poulenc

foto de cabeça e ombro de um jovem olhando para a câmera
Poulenc no início dos anos 1920

Francis Jean Marcel Poulenc ( francês:  [fʁɑ̃sis ʒɑ̃ maʁsɛl pulɛ̃k] ; 7 de janeiro de 1899 - 30 de janeiro de 1963) foi um compositor e pianista francês. Suas composições incluem canções , obras para piano solo, música de câmara, peças corais, óperas, balés e música de concerto orquestral. Entre as mais conhecidas estão a suíte para piano Trois mouvements perpétuels (1919), o balé Les biches (1923), o Concerto champêtre (1928) para cravo e orquestra, o Concerto para Órgão (1938), a ópera Dialogues des Carmélites (1957) , e o Gloria (1959) para soprano , coro e orquestra.

Como filho único de um próspero fabricante, esperava-se que Poulenc seguisse o pai na empresa da família, e ele não teve permissão para se matricular em uma faculdade de música. Em grande parte autodidata musicalmente, estudou com o pianista Ricardo Viñes , que se tornou seu mentor após a morte dos pais do compositor. Poulenc também conheceu Erik Satie , sob cuja tutela ele se tornou parte de um grupo de jovens compositores conhecidos coletivamente como Les Six . Em seus primeiros trabalhos, Poulenc tornou-se conhecido por seu bom humor e irreverência. Durante a década de 1930, um lado muito mais sério de sua natureza emergiu, principalmente na música religiosa que compôs a partir de 1936, que alternou com suas obras mais alegres.

Além de seu trabalho como compositor, Poulenc era um pianista talentoso. Ele foi particularmente celebrado por suas parcerias performáticas com o barítono Pierre Bernac (que também o aconselhou na escrita vocal) e a soprano Denise Duval . Ele viajou pela Europa e América com os dois, e fez várias gravações como pianista. Ele foi um dos primeiros compositores a perceber a importância do gramofone e gravou extensivamente a partir de 1928.

Em seus últimos anos, e por décadas após sua morte, Poulenc teve uma reputação, especialmente em seu país natal, como um compositor leve e bem-humorado, e sua música religiosa foi freqüentemente esquecida. No século 21, mais atenção foi dada a seus trabalhos sérios, com muitas novas produções de Dialogues des Carmélites e La voix humaine em todo o mundo, e inúmeras apresentações ao vivo e gravadas de suas canções e música coral.

Vida

Primeiros anos

Poulenc nasceu no 8º arrondissement de Paris , filho mais novo e único filho de Émile Poulenc e sua esposa, Jenny, nascida Royer. Émile Poulenc era co-proprietário da Poulenc Frères , uma fabricante de produtos farmacêuticos de sucesso (mais tarde Rhône-Poulenc ). Ele era membro de uma piedosa família católica romana de Espalion, no departamento de Aveyron . Jenny Poulenc era de uma família parisiense com amplos interesses artísticos. Na visão de Poulenc, os dois lados de sua natureza surgiram desse pano de fundo: uma profunda fé religiosa da família de seu pai e um lado mundano e artístico de sua mãe. O crítico Claude Rostand mais tarde descreveu Poulenc como "meio monge e meio menino travesso".

Edifícios do século 19 em estilo parisiense
The Place des Saussaies, Paris, onde Poulenc nasceu

Poulenc cresceu em uma família musical; a sua mãe era uma pianista competente, com um vasto repertório que ia do clássico às obras menos elevadas que lhe deram um gosto duradouro pelo que chamou de "adorável má música". Ele teve aulas de piano desde os cinco anos; quando tinha oito anos ouviu pela primeira vez a música de Debussy e ficou fascinado com a originalidade do som. Outros compositores cujas obras influenciaram seu desenvolvimento foram Schubert e Stravinsky : o Winterreise do primeiro e A sagração da primavera do último o impressionaram profundamente. Por insistência de seu pai, Poulenc seguiu uma carreira escolar convencional, estudando no Lycée Condorcet em Paris, em vez de em um conservatório de música.

Em 1916, um amigo de infância, Raymonde Linossier (1897–1930), apresentou Poulenc à livraria de Adrienne Monnier , a Maison des Amis des Livres . Lá conheceu os poetas de vanguarda Guillaume Apollinaire , Max Jacob , Paul Éluard e Louis Aragon . Mais tarde, ele musicou muitos de seus poemas. No mesmo ano tornou-se aluno do pianista Ricardo Viñes . O biógrafo Henri Hell comenta que a influência de Viñes em seu aluno foi profunda, tanto na técnica pianística quanto no estilo das obras de Poulenc para teclado. Poulenc disse mais tarde de Viñes:

homem de meia idade com bigode enorme
O pianista Ricardo Viñes , com quem Poulenc estudou desde 1914

Era um homem encantador, um fidalgo bizarro com bigodes enormes, um sombrero de aba chata no mais puro estilo espanhol e botinas que usava para bater nas minhas canelas quando eu não mudava de pedalada. ... Eu o admirava loucamente, porque, nessa época, em 1914, ele era o único virtuoso que interpretava Debussy e Ravel . Aquele encontro com Viñes foi fundamental em minha vida: devo tudo a ele ... Na verdade, é a Viñes que devo meus esforços incipientes na música e tudo o que sei sobre o piano.

Quando Poulenc tinha dezesseis anos, sua mãe morreu; seu pai morreu dois anos depois. Viñes tornou-se mais do que um professor: foi, nas palavras de Myriam Chimènes no Grove Dictionary of Music and Musicians , o "mentor espiritual" do jovem. Ele encorajou seu aluno a compor, e mais tarde deu a estreia de três das primeiras obras de Poulenc. Por meio dele, Poulenc tornou-se amigo de dois compositores que ajudaram a moldar seu desenvolvimento inicial: Georges Auric e Erik Satie .

Auric, que tinha a mesma idade de Poulenc, foi um dos primeiros desenvolvedores musicalmente; quando os dois se conheceram, a música de Auric já havia sido tocada em importantes salas de concerto parisienses. Os dois jovens compositores compartilhavam uma perspectiva musical e entusiasmo semelhantes e, pelo resto da vida de Poulenc, Auric foi seu amigo e guia de maior confiança. Poulenc o chamou de "meu verdadeiro irmão em espírito". Satie, uma figura excêntrica, isolada do estabelecimento musical francês dominante, foi um mentor de vários jovens compositores em ascensão, incluindo Auric, Louis Durey e Arthur Honegger . Depois de inicialmente rejeitar Poulenc como um amador burguês , ele cedeu e o admitiu no círculo de protegidos, a quem chamou de "Les Nouveaux Jeunes" . Poulenc descreveu a influência de Satie sobre ele como "imediata e ampla, nos planos espiritual e musical". O pianista Alfred Cortot comentou que os Trois mouvements perpétuels de Poulenc eram "reflexos da perspectiva irônica de Satie adaptada aos padrões sensíveis dos círculos intelectuais atuais".

Primeiras composições e Les Six

Poulenc fez sua estreia como compositor em 1917 com seu Rapsodie nègre , uma peça de dez minutos e cinco movimentos para barítono e grupo de câmara; foi dedicado a Satie e estreou em um de uma série de shows de novas músicas da cantora Jane Bathori . Havia uma moda para as artes africanas em Paris na época, e Poulenc ficou encantado ao ler alguns versos publicados supostamente liberianos, mas repletos de gírias do bulevar parisiense . Ele usou um dos poemas em duas seções da rapsódia . O barítono contratado para a primeira apresentação perdeu a coragem na plataforma, e o compositor, embora não fosse cantor, saltou. Este jeu d'esprit foi o primeiro de muitos exemplos do que os críticos anglófonos passaram a chamar de "leg-Poulenc". Ravel achou a peça divertida e comentou sobre a capacidade de Poulenc de inventar seu próprio folclore. Stravinsky ficou impressionado o suficiente para usar sua influência para garantir a Poulenc um contrato com uma editora, uma gentileza que Poulenc nunca esqueceu.

Três fotos de cabeça e ombros de homens do início do século 20
Stravinsky ( topo ), Satie e Ravel

Em 1917, Poulenc conheceu Ravel bem o suficiente para ter conversas sérias com ele sobre música. Ele ficou consternado com os julgamentos de Ravel, que exaltaram os compositores que Poulenc pouco considerava acima daqueles que ele tanto admirava. Ele contou a Satie sobre esse encontro infeliz; Satie respondeu com um epíteto desdenhoso para Ravel que, ele disse, falava "um monte de besteiras". Por muitos anos Poulenc foi ambíguo sobre a música de Ravel, embora sempre o respeitasse como homem. A modéstia de Ravel sobre sua própria música atraiu particularmente Poulenc, que procurou ao longo de sua vida seguir o exemplo de Ravel.

De janeiro de 1918 a janeiro de 1921, Poulenc foi recruta no exército francês nos últimos meses da Primeira Guerra Mundial e no período imediato do pós-guerra. Entre julho e outubro de 1918 serviu na frente franco-alemã , após o que recebeu uma série de cargos auxiliares, terminando como digitador no Ministério da Aviação . Seus deveres permitiam-lhe tempo para a composição; os Trois mouvements perpétuels para piano e a Sonata para Piano Duet foram escritos no piano da escola primária local em Saint-Martin-sur-le-Pré , e ele completou seu primeiro ciclo de canções , Le bestiaire , apresentando poemas de Apollinaire. A sonata não impressionou profundamente o público, mas o ciclo de canções tornou o nome do compositor conhecido na França, e os Trois mouvements perpétuels rapidamente se tornaram um sucesso internacional. As exigências da produção musical em tempo de guerra ensinaram a Poulenc muito sobre como escrever para quaisquer instrumentos disponíveis; então, e mais tarde, algumas de suas obras foram para combinações incomuns de jogadores.

Nesta fase de sua carreira, Poulenc estava consciente de sua falta de formação musical acadêmica; o crítico e biógrafo Jeremy Sams escreve que foi para a sorte do compositor que o humor do público estivesse se voltando contra a exuberância romântica tardia em favor do "frescor e encanto despreocupado" de suas obras, por mais tecnicamente simples que fossem. Quatro das primeiras obras de Poulenc foram estreadas na Salle Huyghens na área de Montparnasse , onde entre 1917 e 1920 o violoncelista Félix Delgrange apresentou concertos de música de jovens compositores. Entre eles estavam Auric, Durey, Honegger, Darius Milhaud e Germaine Tailleferre que, com Poulenc, ficaram conhecidos coletivamente como " Les Six " . Depois de um de seus shows, o crítico Henri Collet publicou um artigo intitulado "Os Cinco Russos, os Seis Franceses e Satie". De acordo com Milhaud:

De maneira completamente arbitrária, Collet escolheu os nomes de seis compositores, Auric, Durey, Honegger, Poulenc, Tailleferre e eu, por nenhuma outra razão além do fato de nos conhecermos, de sermos amigos e estarmos representados nos mesmos programas, mas sem o a menor preocupação com nossas diferentes atitudes e nossas diferentes naturezas. Auric e Poulenc seguiram as idéias de Cocteau , Honegger foi um produto do Romantismo alemão e minhas inclinações foram para uma arte lírica mediterrânea ... O artigo de Collet causou uma impressão tão ampla que o Groupe des Six havia surgido.

Cocteau, embora semelhante em idade a Les Six , era uma espécie de figura paterna para o grupo. Seu estilo literário, "paradoxal e lapidário" na frase do Inferno, era antirromântico, conciso e irreverente. Isso atraiu muito Poulenc, que fez sua primeira configuração das palavras de Cocteau em 1919 e a última em 1961. Quando os membros do Les Six colaboraram uns com os outros, eles contribuíram com suas próprias seções individuais para o trabalho conjunto. Sua suíte de piano de 1920, L'Album des Six, consiste em seis peças separadas e não relacionadas. O balé Les mariés de la tour Eiffel de 1921 contém três seções de Milhaud, duas cada de Auric, Poulenc e Tailleferre, uma de Honegger e nenhuma de Durey, que já se distanciava do grupo.

No início da década de 1920, Poulenc continuava preocupado com sua falta de treinamento musical formal. Satie desconfiava das faculdades de música, mas Ravel aconselhou Poulenc a ter aulas de composição; Milhaud sugeriu o compositor e professor Charles Koechlin . Poulenc trabalhou com ele intermitentemente de 1921 a 1925.

Década de 1920: aumentando a fama

Desde o início da década de 1920, Poulenc foi bem recebido no exterior, especialmente na Grã-Bretanha, tanto como intérprete quanto como compositor. Em 1921, Ernest Newman escreveu no The Manchester Guardian : "Estou de olho em Francis Poulenc, um jovem que acaba de chegar aos 20 anos. Ele deve se tornar um farsante de primeira ordem." Newman disse que raramente tinha ouvido algo tão deliciosamente absurdo como partes do ciclo de canções de Poulenc Cocardes , com seu acompanhamento tocado pela combinação pouco ortodoxa de corneta , trombone, violino e percussão. Em 1922, Poulenc e Milhaud viajaram para Viena para encontrar Alban Berg , Anton Webern e Arnold Schönberg . Nenhum dos compositores franceses foi influenciado pelo revolucionário sistema dodecafônico de seus colegas austríacos , mas eles admiraram os três como seus principais proponentes. No ano seguinte, Poulenc recebeu uma encomenda de Sergei Diaghilev para uma trilha sonora completa. Ele decidiu que o tema seria uma versão moderna da clássica fête galante francesa . Esta obra, Les biches , foi um sucesso imediato, primeiro em Monte Carlo em janeiro de 1924 e depois em Paris em maio, sob a direção de André Messager ; manteve-se uma das pontuações mais conhecidas de Poulenc. A nova celebridade de Poulenc após o sucesso do balé foi a causa inesperada de seu afastamento de Satie: entre os novos amigos que Poulenc fez estava Louis Laloy , um escritor que Satie considerava com inimizade implacável. Auric, que acabara de gozar de triunfo semelhante com um balé de Diaghilev, Les Fâcheux , também foi repudiado por Satie por se tornar amigo de Laloy.

Retrato de cabeça e ombros de uma mulher sorridente de meia-idade
Wanda Landowska , amiga e colega de 1923

Com o passar da década, Poulenc produziu uma variedade de composições, de canções a música de câmara e outro balé, Aubade . Inferno sugere que a influência de Koechlin ocasionalmente inibia o estilo simples e natural de Poulenc, e que Auric oferecia orientação útil para ajudá-lo a aparecer em suas verdadeiras cores. Em um concerto de música dos dois amigos em 1926, as canções de Poulenc foram cantadas pela primeira vez pelo barítono Pierre Bernac , de quem, na frase do Inferno, "o nome de Poulenc logo seria inseparável". Outro intérprete com o qual o compositor passou a se associar intimamente foi a cravista Wanda Landowska . Ouviu-a como solista em Falla 's El retablo de Maese Pedro (1923), um dos primeiros exemplos do uso de um cravo em uma obra moderna, e foi levado imediatamente com o som. A pedido de Landowska, escreveu um concerto, o Concert champêtre , que estreou em 1929 com a Orchester Symphonique de Paris dirigida por Pierre Monteux .

O biógrafo Richard DE Burton comenta que, no final dos anos 1920, Poulenc pode ter parecido estar em uma posição invejável: profissionalmente bem-sucedido e independentemente bem de vida, tendo herdado uma fortuna substancial de seu pai. Ele comprou uma grande casa de campo, Le Grand Coteau  [ fr ] , em Noizay , Indre-et-Loire, 140 milhas (230 km) a sudoeste de Paris, onde se retirou para compor em um ambiente tranquilo. No entanto, ele estava preocupado, lutando para aceitar sua sexualidade, que era predominantemente homossexual. Seu primeiro caso sério foi com o pintor Richard Chanlaire , a quem enviou uma cópia da partitura do Concert champêtre com a inscrição:

“Você mudou a minha vida, você é o sol dos meus trinta anos, uma razão de viver e trabalhar”.

No entanto, enquanto esse caso estava em andamento, Poulenc propôs casamento a seu amigo Raymonde Linossier. Como ela não apenas estava bem ciente de sua homossexualidade, mas também estava romanticamente ligada a outro lugar, ela o recusou, e seu relacionamento tornou-se tenso. Ele sofreu o primeiro de muitos períodos de depressão, que afetou sua capacidade de compor, e ficou arrasado em janeiro de 1930 quando Linossier morreu repentinamente aos 32 anos. Quando ela morreu, ele escreveu: "Toda a minha juventude parte com ela, tudo isso parte da minha vida que só pertencia a ela. Eu soluço ... estou agora vinte anos mais velha ". Seu caso com Chanlaire terminou em 1931, embora eles tenham permanecido amigos por toda a vida.

1930: nova seriedade

No início da década, Poulenc voltou a escrever canções, após uma pausa de dois anos. Seu "Epitáfio", para um poema de Malherbe , foi escrito em memória de Linossier, e é descrito pelo pianista Graham Johnson como "uma canção profunda em todos os sentidos". No ano seguinte, Poulenc escreveu três conjuntos de canções, com letras de Apollinaire e Max Jacob, algumas das quais eram sérias no tom, e outras reminiscentes de seu estilo despreocupado anterior, assim como outras de suas obras do início dos anos 1930. Em 1932, sua música foi uma das primeiras a serem veiculadas na televisão, em uma transmissão da BBC na qual Reginald Kell e Gilbert Vinter tocaram sua Sonata para clarinete e fagote . Mais ou menos nessa época, Poulenc começou um relacionamento com Raymond Destouches, um motorista; como aconteceu com Chanlaire antes, o que começou como um caso apaixonado se transformou em uma amizade profunda e duradoura. Destouches, que se casou na década de 1950, permaneceu próximo a Poulenc até o fim da vida do compositor.

Vista de uma pequena vila no topo de um penhasco
Rocamadour , que inspirou Poulenc a compor obras religiosas

Dois eventos não relacionados em 1936 se combinaram para inspirar um novo despertar da fé religiosa e uma nova profundidade de seriedade na música de Poulenc. Seu colega compositor Pierre-Octave Ferroud morreu em um acidente de carro tão violento que foi decapitado e, quase imediatamente depois, durante as férias, Poulenc visitou o santuário de Rocamadour . Mais tarde, ele explicou:

Poucos dias antes eu tinha acabado de ouvir sobre a trágica morte do meu colega ... Enquanto meditava sobre a fragilidade de nosso corpo humano, fui atraído mais uma vez pela vida do espírito. Rocamadour teve o efeito de restaurar-me a fé de minha infância. Este santuário, sem dúvida o mais antigo da França ... tinha tudo para me cativar ... Na mesma noite desta visita a Rocamadour, iniciei minhas Litanies à la Vierge noire para vozes e órgão femininos. Nesse trabalho, tentei transmitir a atmosfera de "devoção camponesa" que me impressionou com tanta força naquela capela elevada.

Outras obras que se seguiram continuaram a seriedade recém-descoberta do compositor, incluindo muitas configurações de poemas surrealistas e humanistas de Éluard. Em 1937 ele compôs sua primeira obra litúrgica importante, a Missa em Sol maior para soprano e coro misto a cappella , que se tornou a mais freqüentemente executada de todas as suas obras sacras. As novas composições de Poulenc não eram todas nessa veia séria; sua música incidental para a peça La Reine Margot , estrelada por Yvonne Printemps , era um pastiche dance music do século 16 e se tornou popular sob o título Suite française . Os críticos de música em geral continuaram a definir Poulenc por suas obras despreocupadas, e foi somente na década de 1950 que seu lado sério foi amplamente reconhecido.

Em 1936, Poulenc começou a dar recitais frequentes com Bernac. Na École Normale de Paris, estrearam os Cinq poèmes de Paul Éluard, de Poulenc . Eles continuaram se apresentando juntos por mais de vinte anos, em Paris e internacionalmente, até a aposentadoria de Bernac em 1959. Poulenc, que compôs 90 canções para seu colaborador, considerou-o um dos "três grandes encontros" de sua carreira profissional, os outros dois sendo Éluard e Landowska. Nas palavras de Johnson, "por vinte e cinco anos Bernac foi o conselheiro e a consciência de Poulenc", e o compositor confiava nele para conselhos não apenas sobre a composição de canções, mas também sobre suas óperas e música coral.

Ao longo da década, Poulenc foi popular entre o público britânico; ele estabeleceu um relacionamento frutífero com a BBC em Londres, que transmitiu muitas de suas obras. Com Bernac, ele fez sua primeira turnê pela Grã-Bretanha em 1938. Sua música também era popular na América, vista por muitos como "a quintessência da inteligência francesa, elegância e alto astral". Nos últimos anos da década de 1930, as composições de Poulenc continuaram a variar entre obras sérias e leves. Quatre motets pour un temps de pénitence (Four Penitential Motets, 1938–39) e a canção "Bleuet" (1939), uma meditação elegíaca sobre a morte, contrastam com o ciclo de canções Fiançailles pour rire (Light-Hearted Betrothal), que retoma o espírito de Les biches , na opinião do Inferno.

1940: guerra e pós-guerra

Poulenc foi brevemente um soldado novamente durante a Segunda Guerra Mundial ; ele foi convocado em 2 de junho de 1940 e serviu em uma unidade antiaérea em Bordeaux . Depois que a França se rendeu à Alemanha , Poulenc foi desmobilizado do exército em 18 de julho de 1940. Ele passou o verão daquele ano com a família e amigos em Brive-la-Gaillarde, no centro-sul da França. Nos primeiros meses da guerra, ele compôs poucas músicas novas, em vez disso re-orquestrou Les biches e reformulou seu Sexteto de 1932 para piano e sopros. Em Brive-la-Gaillarde, ele iniciou três novas obras e, uma vez de volta à sua casa em Noizay, em outubro, começou uma quarta. Estes foram L'Histoire de Babar, le petit éléphant para piano e narrador, a Sonata para Violoncelo , o balé Les Animaux modèles e o ciclo de canções Banalités .

Exterior do grandioso teatro do século 19
A Opéra , em Paris, onde os modelos Les Animaux foram estreados em 1942

Durante a maior parte da guerra, Poulenc esteve em Paris, dando recitais com Bernac, concentrando-se em canções francesas. Sob o domínio nazista, ele estava em uma posição vulnerável, como um conhecido homossexual (Destouches evitou por pouco a prisão e a deportação), mas em sua música ele fez muitos gestos de desafio aos alemães. Ele musicou versos de poetas proeminentes na Resistência Francesa , incluindo Aragão e Éluard. Em Les Animaux modèles , estreados na Opéra em 1942, incluiu a melodia, repetida várias vezes, da canção anti-alemã "Vous n'aurez pas l'Alsace et la Lorraine". Ele foi um membro fundador do Front National (pour musique), que as autoridades nazistas viram com suspeita por sua associação com músicos proibidos como Milhaud e Paul Hindemith . Em 1943 escreveu uma cantata para coro duplo desacompanhado destinada à Bélgica, Figure humaine , ambientando oito poemas de Éluard. A obra, terminando com "Liberté", não poderia ser dada na França enquanto os alemães estivessem no controle; sua primeira apresentação foi transmitida de um estúdio da BBC em Londres em março de 1945, e não foi cantada em Paris até 1947. O crítico musical do The Times escreveu mais tarde que a obra "está entre as melhores obras corais de nosso tempo e por si só remove Poulenc da categoria de petit maître para a qual a ignorância geralmente se contenta em relegá-lo. "

Em janeiro de 1945, a pedido do governo francês, Poulenc e Bernac voaram de Paris a Londres, onde receberam uma recepção entusiástica. A Orquestra Filarmônica de Londres deu uma recepção em homenagem ao compositor; ele e Benjamin Britten foram os solistas em uma apresentação do Concerto para piano duplo de Poulenc no Royal Albert Hall ; com Bernac deu recitais de melodias francesas e obras para piano no Wigmore Hall e na National Gallery , e gravou para a BBC. Bernac ficou surpreso com a resposta do público; quando ele e Poulenc pisaram no palco do Wigmore Hall, "o público se levantou e minha emoção foi tanta que, em vez de começar a cantar, comecei a chorar". Após uma estada de quinze dias, os dois voltaram para casa no primeiro barco-trem que partia de Londres para Paris desde maio de 1940.

Em Paris, Poulenc completou suas partituras para L'Histoire de Babar, le petit éléphant e sua primeira ópera, Les mamelles de Tirésias (Os Seios de Tirésias ), uma curta opéra bouffe de cerca de uma hora de duração. A obra é um cenário da peça de Apollinaire com o mesmo nome, encenada em 1917. Sams descreve a ópera como uma "turbulência de cabeça para baixo", ocultando "um tema mais profundo e triste - a necessidade de repovoar e redescobrir uma França devastada pela guerra" . Foi estreado em junho de 1947 na Opéra-Comique e foi um sucesso de crítica, mas não se tornou popular com o público. O papel feminino principal ficou a cargo de Denise Duval , que se tornou a soprano favorita do compositor , parceira frequente de recitais e dedicada de algumas de suas músicas. Ele a chamou de rouxinol que o fez chorar ( "Mon rossignol à larmes" ).

Imagem de homem careca de meia-idade
Pierre Bernac (fotografia dos anos 1960)

Pouco depois da guerra, Poulenc teve um breve caso com uma mulher, Fréderique ("Freddy") Lebedeff, com quem teve uma filha, Marie-Ange, em 1946. A criança foi criada sem saber quem era o seu pai (Poulenc era supostamente seu "padrinho"), mas ele fez uma provisão generosa para ela, e ela foi a principal beneficiária de seu testamento.

No período pós-guerra, Poulenc cruzou espadas com compositores da geração mais jovem que rejeitaram o trabalho recente de Stravinsky e insistiram que apenas os preceitos da Segunda Escola Vienense eram válidos. Poulenc defendeu Stravinsky e expressou incredulidade de que "em 1945 estamos falando como se a estética dos doze tons fosse a única salvação possível para a música contemporânea". Sua visão de que Berg havia levado o serialismo o mais longe possível e que a música de Schoenberg era agora "deserto, sopa de pedra, música ersatz ou vitaminas poéticas" rendeu-lhe a inimizade de compositores como Pierre Boulez . Aqueles que discordaram de Poulenc tentaram pintá-lo como uma relíquia da era pré-guerra, frívola e não progressiva. Isso o levou a se concentrar em suas obras mais sérias e a tentar persuadir o público francês a ouvi-las. Nos Estados Unidos e na Grã-Bretanha, com suas fortes tradições corais, sua música religiosa era executada com frequência, mas as apresentações na França eram muito mais raras, de modo que o público e a crítica muitas vezes desconheciam suas composições sérias.

Em 1948, Poulenc fez sua primeira visita aos Estados Unidos, em uma turnê de dois meses com Bernac. Regressou frequentemente até 1961, dando recitais com Bernac ou Duval e como solista na estreia mundial do seu Concerto para Piano (1949), encomendado pela Orquestra Sinfónica de Boston .

1950–63: As Carmelitas e os últimos anos

Poulenc começou a década de 1950 com um novo sócio em sua vida privada, Lucien Roubert, um caixeiro viajante. Profissionalmente, Poulenc foi produtivo, escrevendo um ciclo de sete canções de poemas de Éluard, La Fraîcheur et le feu (1950), e o Stabat Mater , em memória do pintor Christian Bérard , composto em 1950 e estreado no ano seguinte.

Em 1953, Poulenc recebeu uma encomenda de La Scala e da editora milanesa Casa Ricordi para um balé. Ele considerou a história de Santa Margarida de Cortona, mas achou uma versão de dança de sua vida impraticável. Ele preferiu escrever uma ópera sobre um tema religioso; Ricordi sugeriu Dialogues des Carmélites , um roteiro não filmado de Georges Bernanos . O texto, baseado em um conto de Gertrud von Le Fort , retrata as Mártires de Compiègne , freiras guilhotinadas durante a Revolução Francesa por causa de suas crenças religiosas. Poulenc considerou-a "uma obra tão comovente e nobre", ideal para seu libreto, e iniciou a composição em agosto de 1953.

Durante a composição da ópera, Poulenc sofreu dois golpes. Ele soube de uma disputa entre a propriedade de Bernanos e o escritor Emmet Lavery , que detinha os direitos das adaptações teatrais do romance de Le Fort; isso fez com que Poulenc parasse de trabalhar em sua ópera. Mais ou menos na mesma época, Roubert ficou gravemente doente. A preocupação intensa levou Poulenc a um colapso nervoso e, em novembro de 1954, ele estava em uma clínica em L'Haÿ-les-Roses , nos arredores de Paris, fortemente sedado. Quando se recuperou, e as disputas de direitos literários e pagamentos de royalties com Lavery foram resolvidas, ele retomou o trabalho em Dialogues des Carmélites entre uma extensa turnê com Bernac na Inglaterra. Como sua riqueza pessoal havia declinado desde a década de 1920, ele exigia uma renda substancial obtida com seus recitais.

Enquanto trabalhava na ópera, Poulenc compôs pouco mais; as exceções foram duas melodias e um curto movimento orquestral, "Bucolique" em uma obra coletiva, Variations sur le nom de Marguerite Long (1954), para a qual seus velhos amigos de Les Six Auric e Milhaud também contribuíram. Enquanto Poulenc escrevia as últimas páginas de sua ópera em outubro de 1955, Roubert morreu aos 47 anos. O compositor escreveu a um amigo: "Lucien foi libertado de seu martírio há dez dias e a cópia final de Les Carmélites foi concluída (tome nota) no exato momento em que meu querido deu seu último suspiro."

A ópera foi apresentada pela primeira vez em janeiro de 1957 no La Scala em tradução italiana. Entre então e a estreia francesa, Poulenc apresentou uma das suas obras tardias mais populares, a Sonata para Flauta , que ele e Jean-Pierre Rampal interpretaram em junho no Festival de Música de Estrasburgo . Três dias depois, em 21 de junho, foi a estreia em Paris de Dialogues des Carmélites na Opéra. Foi um tremendo sucesso, para grande alívio do compositor. Por volta dessa época, Poulenc começou seu último relacionamento romântico, com Louis Gautier, um ex-soldado; eles permaneceram parceiros até o fim da vida de Poulenc.

Não é que eu esteja consumido pela ideia de ser um grande músico, mas mesmo assim me exasperou ser, para tantas pessoas, simplesmente um petit maître erótico . ... Do Stabat Mater ao La Voix humaine , devo dizer que não foi muito divertido.

Poulenc em uma carta de 1959

Em 1958, Poulenc iniciou uma colaboração com seu velho amigo Cocteau, em uma versão operística do monodrama de 1930 La Voix humaine . A obra foi produzida em fevereiro de 1959 na Opéra-Comique, sob a direção de Cocteau, com Duval como a trágica mulher abandonada falando com seu ex-amante por telefone. Em maio, o 60º aniversário de Poulenc foi marcado, alguns meses depois, por seu último concerto com Bernac antes de este deixar de se apresentar em público.

Poulenc visitou os Estados Unidos em 1960 e 1961. Entre suas obras dadas durante essas viagens estavam a estreia americana de La Voix humaine no Carnegie Hall em Nova York, com Duval, e a estreia mundial de sua Gloria , uma obra em grande escala para soprano, coro misto de quatro partes e orquestra, conduzido em Boston por Charles Munch . Em 1961, Poulenc publicou um livro sobre Chabrier, um estudo de 187 páginas sobre o qual um crítico escreveu na década de 1980, "ele escreve com amor e visão de um compositor cujas opiniões ele compartilhava sobre questões como a primazia da melodia e a seriedade essencial do humor . " As obras dos últimos doze meses de Poulenc incluíram Sept répons des ténèbres para vozes e orquestra, a Sonata para Clarinete e a Sonata para Oboé .

O túmulo de Poulenc no cemitério Père Lachaise. O ano de nascimento do compositor está marcado como 1900, em vez de 1899.

Em 30 de janeiro de 1963, em seu apartamento em frente ao Jardin du Luxembourg , Poulenc sofreu um ataque cardíaco fatal. Seu funeral foi na igreja vizinha de Saint-Sulpice . De acordo com seus desejos, nenhuma de suas músicas foi executada; Marcel Dupré tocou obras de Bach no grande órgão da igreja. Poulenc foi enterrado no cemitério Père Lachaise , ao lado de sua família.

Música

A música de Poulenc é essencialmente diatônica . Na opinião de Henri Hell , isso ocorre porque a principal característica da arte musical de Poulenc é seu dom melódico. Nas palavras de Roger Nichols no dicionário Grove , "Para [Poulenc] o elemento mais importante de todos era a melodia e ele encontrou o seu caminho para um vasto tesouro de melodias desconhecidas dentro de uma área que tinha, de acordo com o mais recente datam mapas musicais, foram pesquisados, trabalhados e exaustos. " O comentarista George Keck escreve: "Suas melodias são simples, agradáveis, facilmente lembradas e, na maioria das vezes, emocionalmente expressivas".

Poulenc disse que não era inventivo em sua linguagem harmônica. O compositor Lennox Berkeley escreveu sobre ele: "Durante toda a sua vida, ele se contentou em usar a harmonia convencional, mas o uso dela foi tão individual, tão imediatamente reconhecível como seu, que deu à sua música frescor e validade." Keck considera a linguagem harmônica de Poulenc "tão bela, interessante e pessoal quanto sua escrita melódica ... harmonias claras e simples movendo-se em áreas tonais obviamente definidas com um cromatismo que raramente é mais do que passageiro". Poulenc não tinha tempo para teorias musicais; em uma de suas muitas entrevistas de rádio, ele pediu "uma trégua para compor por teoria, doutrina, regra!" Ele rejeitou o que viu como o dogmatismo dos adeptos modernos da dodecafonia , liderados por René Leibowitz , e lamentou profundamente que a adoção de uma abordagem teórica tivesse afetado a música de Olivier Messiaen , de quem ele anteriormente tinha grandes esperanças. To Hell, quase toda a música de Poulenc é "direta ou indiretamente inspirada nas associações puramente melódicas da voz humana". Poulenc era um artesão meticuloso, embora tenha  surgido um mito - "la légende de facilé" - de que sua música era fácil para ele; ele comentou: "O mito é desculpável, já que faço de tudo para esconder meus esforços."

O pianista Pascal Rogé comentou em 1999 que os dois lados da natureza musical de Poulenc eram igualmente importantes: “Você deve aceitá-lo como um todo. Se você tira uma das partes, o sério ou o não sério, você o destrói. Se uma parte é apagado, você obtém apenas uma fotocópia clara do que ele realmente é. " Poulenc reconheceu a dicotomia, mas em todas as suas obras ele queria uma música que fosse "saudável, clara e robusta - música tão francamente francesa quanto a de Stravinsky é eslava".

Orquestral e concertante

Quatro fotos de antigos compositores
Influências em Poulenc: do canto superior esquerdo no sentido horário, Bach , Mozart , Schubert e Chabrier

As principais obras de Poulenc para grandes orquestras incluem dois balés, uma Sinfonietta e quatro concertos para teclado. O primeiro dos balés, Les biches , foi apresentado pela primeira vez em 1924 e continua a ser uma das suas obras mais conhecidas. Nichols escreve em Grove que a partitura clara e melodiosa não tem um simbolismo profundo, ou mesmo superficial, um fato "acentuado por uma pequena passagem de metais wagnerianos simulados , completo com 9os menores emotivos ". Os dois primeiros dos quatro concertos seguem a veia despreocupada de Poulenc. O Concerto champêtre para cravo e orquestra (1927–28), evoca o campo visto de um ponto de vista parisiense: Nichols comenta que as fanfarras do último movimento lembram os clarins do quartel de Vincennes nos subúrbios de Paris. O Concerto para dois pianos e orquestra (1932) é uma obra destinada exclusivamente ao entretenimento. Baseia-se em uma variedade de fontes estilísticas: o primeiro movimento termina de uma maneira que lembra o gamelão balinês , e o movimento lento começa em um estilo mozartiano, que Poulenc gradualmente preenche com seus próprios toques pessoais característicos. The Organ Concerto (1938) tem uma veia muito mais séria. Poulenc disse que era "nos arredores" de sua música religiosa, e há passagens que se inspiram na música da igreja de Bach , embora também haja interlúdios em estilo popular alegre. A segunda partitura de balé, Les Animaux modèles (1941), nunca igualou a popularidade de Les biches , embora Auric e Honegger elogiassem o talento harmônico e a orquestração engenhosa do compositor. Honegger escreveu: "As influências que trabalharam nele, Chabrier, Satie, Stravinsky, agora estão completamente assimiladas. Ouvindo sua música, você pensa - é Poulenc." A Sinfonietta (1947) é uma reversão à frivolidade pré-guerra de Poulenc. Ele chegou a sentir: "Eu me vesti muito jovem para minha idade ... [é] uma nova versão de Les biches, mas garotas [ biches ] de 48 anos - isso é horrível!" O Concerto para piano e orquestra (1949) inicialmente causou alguma decepção: muitos sentiram que não era um avanço na música pré-guerra de Poulenc, uma visão que ele veio a compartilhar. A peça foi reavaliada nos anos mais recentes e, em 1996, a escritora Claire Delamarche a classificou como a melhor obra concertante do compositor.

Piano

Poulenc, um pianista altamente talentoso, geralmente compunha ao piano e escreveu muitas peças para o instrumento ao longo de sua carreira. Na visão de Henri Hell, a escrita para piano de Poulenc pode ser dividida em estilo percussivo e estilo mais suave, reminiscente do cravo. Hell considera que o melhor da música de Poulenc para piano está nos acompanhamentos das canções, uma visão compartilhada pelo próprio Poulenc. A grande maioria das obras para piano são, na opinião do escritor Keith W Daniel, "o que poderia ser chamado de 'miniaturas'". Olhando para trás, para sua música para piano nos anos 1950, o compositor a viu criticamente: "Eu tolero os perpétuos de Mouvements , minha antiga Suite en ut [em Dó] e as peças de Trois . Gosto muito de minhas duas coleções de Improvisações, um Intermezzo em A bemol, e certos Nocturnes . Eu condeno Napoli e os Soirées de Nazelles sem prorrogação. "

Das peças citadas com a aprovação de Poulenc, as quinze Improvisações foram compostas em intervalos entre 1932 e 1959. Todas são breves: a mais longa dura pouco mais de três minutos. Eles variam do veloz e balético ao lirismo terno, marcha à moda antiga , perpetuum mobile , valsa e um retrato musical comovente da cantora Édith Piaf . O favorito de Poulenc, Intermezzo, foi o último de três. Os números um e dois foram compostos em agosto de 1934; seguiu-se o A bemol em março de 1943. Os comentaristas Marina e Victor Ledin descrevem a obra como "a personificação da palavra 'charmoso'. A música parece simplesmente sair das páginas, cada som seguindo o outro de maneira honesta e natural, com eloqüência e francês inconfundível. " Os oito noturnos foram compostos ao longo de quase uma década (1929-1938). Quer Poulenc os tenha ou não originalmente concebido como um conjunto integral, ele deu ao oitavo o título "Para servir como Coda para o Ciclo" ( Pour servir de Coda au Cycle ). Embora partilhem o seu título genérico com os nocturnos de Field , Chopin e Fauré, os de Poulenc não se assemelham aos dos compositores anteriores, sendo "cenas nocturnas e imagens sonoras de acontecimentos públicos e privados" mais do que poemas de tom romântico .

As peças que Poulenc considerou meramente toleráveis ​​eram todas obras iniciais: Trois mouvements perpétuels data de 1919, a Suite em C de 1920 e as peças Trois de 1928. Todas consistem em seções curtas, a mais longa sendo o "Hymne", o segundo dos três 1928 peças, que duram cerca de quatro minutos. Das duas obras sua compositor escolhido para censura, Napoli (1925) é um retrato de três movimento da Itália, e Les Soirées de Nazelles é descrito pelo compositor Geoffrey Bush como "o equivalente francês do Elgar 's Variações Enigma " - miniatura esboços de personagens de seus amigos. Apesar do desprezo de Poulenc pelo trabalho, Bush o julga engenhoso e espirituoso. Entre as músicas para piano não mencionadas, favorável ou duramente, por Poulenc, as peças mais conhecidas incluem as duas Noveletas (1927–28), o conjunto de seis miniaturas para crianças, Villageoises (1933), uma versão para piano da Suite de sete movimentos française (1935) e L'embarquement pour Cythère para dois pianos (1953).

Câmara

Em Grove , Nichols divide as obras da câmara em três períodos claramente diferenciados. As primeiras quatro sonatas vêm do grupo inicial, todas escritas antes de Poulenc completar vinte e dois anos. São para dois clarinetes (1918), duo de piano (1918), clarinete e fagote (1922) e trompa, trompete e trombone (1922). Eles são os primeiros exemplos das muitas e variadas influências de Poulenc, com ecos de divertissements do rococó ao lado de harmonias não convencionais, algumas influenciadas pelo jazz. Todos os quatro são caracterizados por sua brevidade - menos de dez minutos cada - sua malícia e seu humor, que Nichols descreve como ácido. Outras obras de câmara deste período são a Rapsodie nègre , FP 3, de 1917 (principalmente instrumental, com breves episódios vocais) e o Trio para oboé, fagote e piano (1926).

As obras de câmara do período intermediário de Poulenc foram escritas nas décadas de 1930 e 1940. O mais conhecido é o Sexteto para Piano e Vento (1932), na veia despreocupada de Poulenc, composto por dois movimentos exteriores animados e um divertimento central ; esta foi uma das várias obras de câmara com as quais o compositor ficou insatisfeito e revisou extensivamente alguns anos após sua primeira apresentação (neste caso, em 1939-1940). As sonatas deste grupo são para violino e piano (1942–43) e para violoncelo e piano (1948). Escrever para cordas não era fácil para Poulenc; essas sonatas foram concluídas após duas tentativas anteriores sem sucesso, e em 1947 ele destruiu o esboço de um quarteto de cordas. Ambas as sonatas são predominantemente graves em caráter; o do violino é dedicado à memória de Federico García Lorca . Comentadores incluindo Hell, Schmidt e o próprio Poulenc consideraram isso, e até certo ponto a sonata para violoncelo, menos eficaz do que aqueles para o vento. O Aubade , "Concerto choréographique" para piano e 18 instrumentos (1930) atinge um efeito quase orquestral, apesar do seu modesto número de instrumentistas. As outras obras de câmara deste período são arranjos para pequenos conjuntos de duas obras na veia mais leve de Poulenc, a Suite française (1935) e os Trois mouvements perpétuels (1946).

As três sonatas finais são para sopros e piano: para flauta (1956–57), clarinete (1962) e oboé (1962). Eles se tornaram, segundo Grove , um destaque em seus repertórios por causa de "seus conhecimentos técnicos e de sua profunda beleza". A Élégie para trompa e piano (1957) foi composta em memória do trompista Dennis Brain . Ele contém um dos raros excursões de Poulenc em dodecafonismo, com o breve emprego de um doze notas fileira tom .

Canções

Homem de meia-idade em uniforme militar francês da Primeira Guerra Mundial
Guillaume Apollinaire , cujos poemas Poulenc freqüentemente escrevia

Poulenc compôs canções ao longo de sua carreira e sua produção no gênero é extensa. Na opinião de Johnson, a maioria dos melhores foram escritos nas décadas de 1930 e 1940. Embora amplamente variadas em caráter, as canções são dominadas pela preferência de Poulenc por certos poetas. Desde o início da carreira privilegiou os versos de Guillaume Apollinaire e, a partir de meados dos anos 1930, o escritor cuja obra definiu com mais frequência foi Paul Éluard. Outros poetas cujas obras costumava definir incluíam Jean Cocteau, Max Jacob e Louise de Vilmorin . Na opinião do crítico musical Andrew Clements, as canções de Éluard incluem muitos dos maiores cenários de Poulenc; Johnson chama o ciclo Tel Jour, Telle Nuit (1937) de "obra divisória" do compositor, e Nichols o considera "uma obra-prima digna de estar ao lado de La bonne chanson de Fauré ". Clements encontra nas configurações de Éluard uma profundidade "mundos distantes das superfícies frágeis e divertidas da música orquestral e instrumental inicial de Poulenc". O primeiro dos poemas Deux de Louis Aragon (1943), intitulado simplesmente "C", é descrito por Johnson como "uma obra-prima conhecida em todo o mundo; é a mais incomum, e talvez a mais comovente, canção sobre os estragos da guerra já composto. "

Num resumo das canções em 1973, a erudita musical Yvonne Gouverné disse: "Com Poulenc, a linha melódica combina tão bem com o texto que parece de alguma forma completá-lo, graças ao dom que a música tem para penetrar no próprio essência de um determinado poema; ninguém elaborou melhor uma frase do que Poulenc, destacando a cor das palavras. " Entre as peças mais leves, uma das canções mais populares do compositor é a ambientação de Les Chemins de l'amour para a peça de Jean Anouilh em 1940 como valsa parisiense; em contraste, seu "monólogo" "La Dame de Monte Carlo" (1961), uma representação de uma mulher idosa viciada em jogos de azar, mostra a dolorosa compreensão do compositor dos horrores da depressão.

Coral

Além de uma única obra inicial para coro desacompanhado ("Chanson à boire", 1922), Poulenc começou a escrever música coral em 1936. Nesse ano produziu três obras para coro: Sept chansons ( montagens de versos de Éluard e outros), Petites voix (para vozes infantis), e sua obra religiosa Litanies à la Vierge Noire , para vozes femininas ou infantis e órgão. A Missa em Sol maior (1937) para coro desacompanhado é descrita por Gouverné como tendo algo de estilo barroco , com "vitalidade e clamor alegre sobre os quais sua fé é largamente exposta". O tema religioso recém-descoberto de Poulenc continuou com Quatre motets pour un temps de pénitence (1938–39), mas entre suas obras corais mais importantes está a cantata secular Figure humaine (1943). Como a missa, é desacompanhada e, para ter sucesso na execução, requer cantores da mais alta qualidade. Outras obras a cappella incluem os Quatre motets pour le temps de Noël (1952), que impõem severas exigências à precisão rítmica e entonação dos corais.

As principais obras de Poulenc para coro e orquestra são Stabat Mater (1950), Gloria (1959–60) e Sept répons des ténèbres (Seven responsories for Tenebrae , 1961–62). Todas essas obras são baseadas em textos litúrgicos, originalmente definidos para o canto gregoriano . Na Glória , a fé de Poulenc se expressa de forma exuberante e alegre, com intervalos de calma orante e sentimento místico, e um final de serena tranquilidade. Poulenc escreveu a Bernac em 1962: "Terminei Les Ténèbres. Acho que é lindo. Com o Gloria e o Stabat Mater, acho que tenho três boas obras religiosas. Que me poupem alguns dias no Purgatório , se eu por pouco evite ir para o inferno. " Sept répons des ténèbres , que Poulenc não viveu para ouvir ser tocada, usa uma grande orquestra, mas na visão de Nichols ela exibe uma nova concentração de pensamento. Para o crítico Ralph Thibodeau, a obra pode ser considerada o próprio réquiem de Poulenc e é "a mais vanguardista de suas composições sagradas, a mais emocionalmente exigente e a mais interessante musicalmente, comparável apenas com sua magnum opus sacrum , a ópera, Dialogues des Carmélites . "

Ópera

Poulenc se dedicou à ópera apenas na segunda metade de sua carreira. Tendo alcançado a fama por seus vinte e poucos anos, ele estava na casa dos quarenta antes de tentar sua primeira ópera. Ele atribuiu isso à necessidade de maturidade antes de abordar os assuntos que escolheu para definir. Em 1958, ele disse a um entrevistador: "Quando eu tinha 24 anos, era capaz de escrever Les biches [mas] é óbvio que, a menos que um compositor de 30 anos tivesse o gênio de Mozart ou a precocidade de Schubert, ele não poderia escrever As Carmelitas  - os problemas são muito profundos. " Na opinião de Sams, todas as três óperas de Poulenc exibem uma profundidade de sentimento muito distante do "estilista cínico dos anos 1920": Les Mamelles de Tirésias (1947), apesar do enredo tumultuado, é cheio de nostalgia e um sentimento de perda. Nas duas óperas declaradamente sérias, Dialogues des Carmélites (1957) e La Voix humaine (1959), nas quais Poulenc retrata o sofrimento humano profundo, Sams vê um reflexo da própria luta do compositor contra a depressão.

Em termos de técnica musical, as óperas mostram o quão longe Poulenc se distanciou de suas origens ingênuas e inseguras. Nichols comenta em Grove que Les mamelles de Tirésias , implanta "solos líricos, duetos de patter, corais, linhas de falsete para bebês tenor e baixo e ... consegue ser engraçado e bonito". Em todas as três óperas, Poulenc inspirou-se em compositores anteriores, ao mesmo tempo que mesclava sua influência com uma música inconfundivelmente sua. Na partitura impressa de Dialogues des Carmélites, ele reconheceu sua dívida para com Mussorgsky , Monteverdi , Debussy e Verdi . O crítico Renaud Machart escreve que Dialogues des Carmélites é, com Peter Grimes de Britten , uma das raras óperas escritas desde a Segunda Guerra Mundial a aparecer em programas de ópera em todo o mundo.

Mesmo quando escrevia para uma grande orquestra, Poulenc usava todas as forças com moderação em suas óperas, muitas vezes pontuando para instrumentos de sopro, metais ou cordas apenas. Com a contribuição inestimável de Bernac, ele mostrou grande habilidade em escrever para a voz humana, adequando a música à tessitura de cada personagem. No momento da última ópera, La Voix humaine , Poulenc sentiu-se capaz de dar ao soprano trechos de música sem nenhum acompanhamento orquestral, embora quando a orquestra toca, Poulenc clama para que a música seja "banhada em sensualidade".

Gravações

Poulenc estava entre os compositores que reconheceram na década de 1920 o importante papel que o gramofone iria desempenhar na promoção da música. A primeira gravação de sua música foi feita em 1928, com a mezzo-soprano Claire Croiza acompanhada pelo compositor ao piano, no ciclo completo de canções La bestiaire para a Colúmbia Francesa . Fez inúmeras gravações, principalmente para a divisão francesa da EMI . Com Bernac e Duval, ele gravou muitas de suas próprias canções e as de outros compositores, incluindo Chabrier, Debussy, Gounod e Ravel. Ele tocou piano em gravações de seu Babar the Elephant com Pierre Fresnay e Noël Coward como narradores. Em 2005, a EMI lançou o DVD "Francis Poulenc & Friends", com apresentações filmadas da música de Poulenc, interpretadas pelo compositor, com Duval, Jean-Pierre Rampal , Jacques Février e Georges Prêtre .

Homem de meia idade olhando para a câmera
Benjamin Britten , amigo e intérprete de Poulenc

Uma discografia de 1984 da música de Poulenc lista gravações de mais de 1.300 maestros, solistas e conjuntos, incluindo os maestros Leonard Bernstein , Charles Dutoit , Milhaud, Charles Munch , Eugene Ormandy , Prêtre, André Previn e Leopold Stokowski . Entre os cantores, além de Bernac e Duval, fazem parte da lista Régine Crespin , Dietrich Fischer-Dieskau , Nicolai Gedda , Peter Pears , Yvonne Printemps e Gérard Souzay . Os solistas instrumentais incluem Britten, Jacques Février , Pierre Fournier , Emil Gilels , Yehudi Menuhin e Arthur Rubinstein .

Conjuntos completos da música solo para piano de Poulenc foram gravados por Gabriel Tacchino , que tinha sido o único aluno de piano de Poulenc (lançado pela gravadora EMI), Pascal Rogé ( Decca ), Paul Crossley ( CBS ), Eric Parkin ( Chandos ). Éric Le Sage ( RCA ) e Olivier Cazal ( Naxos ). Conjuntos integrais de música de câmara foram gravados pelo Nash Ensemble ( Hyperion ), Éric Le Sage e vários solistas franceses ( RCA ) e uma variedade de jovens músicos franceses (Naxos).

A estreia mundial de Dialogues des Carmélites (em italiano, como Dialoghi delle Carmelitane ) foi gravada e foi lançada em CD. A primeira gravação em estúdio foi logo após a estréia na França e, desde então, houve pelo menos dez gravações ao vivo ou em estúdio em CD ou DVD, a maioria delas em francês, mas uma em alemão e uma em inglês.

Reputação

Os dois lados da natureza musical de Poulenc causaram mal-entendidos durante sua vida e continuam a fazê-lo. O compositor Ned Rorem observou: "Ele era profundamente devoto e incontrolavelmente sensual"; isso ainda leva alguns críticos a subestimar sua seriedade. Sua adesão intransigente à melodia, tanto em suas obras mais leves como nas sérias, fez com que alguns o considerassem não progressivo. Embora não tenha sido muito influenciado pelos novos desenvolvimentos na música, Poulenc sempre se interessou profundamente pelas obras de novas gerações de compositores. Lennox Berkeley relembrou: "Ao contrário de alguns artistas, ele estava genuinamente interessado no trabalho de outras pessoas e surpreendentemente apreciava música muito distante da dele. Lembro-me dele tocando para mim os discos de Le marteau sans maître de Boulez, com os quais já estava familiarizado quando o trabalho era muito menos conhecido do que hoje. " Boulez não teve uma visão recíproca, comentando em 2010: "Sempre há pessoas que seguem um caminho intelectual fácil. Poulenc vindo depois do Sacre [du Printemps] . Não foi um progresso." Outros compositores encontraram mais mérito na obra de Poulenc; Stravinsky escreveu a ele em 1931: "Você é realmente bom, e isso é o que encontro repetidamente em sua música".

Em seus últimos anos, Poulenc observou: "Se as pessoas ainda estiverem interessadas em minha música daqui a 50 anos, será pelo meu Stabat Mater, e não pelos perpétuos do Mouvements ." Em uma homenagem ao centenário no The Times, Gerald Larner comentou que a previsão de Poulenc estava errada e que em 1999 o compositor era amplamente celebrado por ambos os lados de seu personagem musical: "tanto o católico fervoroso quanto o menino travesso, tanto para Gloria quanto para Les Biches , ambos Les Dialogues des Carmélites e Les Mamelles de Tirésias. " Mais ou menos na mesma época, a escritora Jessica Duchen descreveu Poulenc como "uma massa efervescente e borbulhante de energia gaulesa que pode levar você ao riso e às lágrimas em segundos. Sua linguagem fala clara, direta e humanamente a todas as gerações".

Notas, referências e fontes

Notas

Referências

Fontes

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Leitura adicional

links externos