Animação tradicional -Traditional animation

Pintura com tinta acrílica no verso de uma célula já com tinta, aqui colocada no desenho original da animação

A animação tradicional (ou animação clássica , animação cel , animação desenhada à mão ou animação 2D ) é uma técnica de animação na qual cada quadro é desenhado à mão. A técnica foi a forma dominante de animação no cinema até a animação por computador .

Processo

Escrita e storyboard

A produção de animação geralmente começa depois que uma história é convertida em um roteiro de filme de animação, do qual um storyboard é derivado. Um storyboard tem uma aparência um pouco semelhante aos painéis de quadrinhos, e é um detalhamento plano por plano da encenação, atuação e quaisquer movimentos de câmera que estarão presentes no filme. As imagens permitem que a equipe de animação planeje o fluxo da trama e a composição das imagens. Artistas de storyboard terão reuniões regulares com o diretor e podem redesenhar ou "re-embarcar" uma sequência muitas vezes antes de obter a aprovação final.

Gravação de voz

Antes do início da animação, uma trilha sonora preliminar ou faixa de rascunho é gravada para que a animação possa ser sincronizada com mais precisão com a trilha sonora. Dada a maneira lenta como a animação tradicional é produzida, é quase sempre mais fácil sincronizar a animação com uma trilha sonora preexistente do que sincronizar uma trilha sonora com uma animação preexistente. Uma trilha sonora de desenho animado completa contará com música , efeitos sonoros e diálogos interpretados por dubladores . A faixa de rascunho usada durante a animação normalmente contém apenas as vozes, quaisquer músicas que os personagens devem cantar junto e faixas de partituras musicais temporárias; a pontuação final e os efeitos sonoros são adicionados durante a pós-produção .

No caso da animação japonesa e da maioria dos desenhos animados sonoros anteriores a 1930, o som era pós-sincronizado ; a trilha sonora foi gravada após a conclusão dos elementos do filme, assistindo ao filme e realizando o diálogo, a música e os efeitos sonoros necessários. Alguns estúdios, mais notavelmente Fleischer Studios , continuaram a pós-sincronizar seus desenhos animados durante a maior parte da década de 1930, o que permitiu a presença dos "ad-libs murmurados" presentes em muitos desenhos animados de Popeye the Sailor e Betty Boop .

Design, tempo e layout

Quando os storyboards são enviados aos departamentos de design, os designers de personagens preparam folhas de modelo para quaisquer personagens e adereços que apareçam no filme; e estes são usados ​​para ajudar a padronizar a aparência, poses e gestos. As folhas de modelo geralmente incluem "reviravoltas" que mostram como um personagem ou objeto se parece em três dimensões, juntamente com poses e expressões especiais padronizadas para que os artistas tenham um guia para consultar. Pequenas estátuas conhecidas como maquetes podem ser produzidas para que um animador possa ver como um personagem se parece em três dimensões. Os estilistas de fundo farão um trabalho semelhante para quaisquer configurações e locais presentes no storyboard, e os diretores de arte e estilistas de cores determinarão o estilo de arte e os esquemas de cores a serem usados.

Um diretor de cronometragem (que em muitos casos será o diretor principal) pegará o animatic e analisará exatamente quais poses, desenhos e movimentos labiais serão necessários em quais quadros. Uma folha de exposição (ou folha X ) é criada; esta é uma tabela impressa que divide a ação, o diálogo e o som quadro a quadro como um guia para os animadores. Se um filme é baseado mais fortemente na música, uma folha de barra pode ser preparada em adição ou em vez de uma folha X. As folhas de barra mostram a relação entre a ação na tela, o diálogo e a notação musical real usada na partitura.

O layout começa depois que os projetos são concluídos e aprovados pelo diretor. É aqui que os artistas de layout de fundo determinam os ângulos da câmera, caminhos da câmera, iluminação e sombreamento da cena. Artistas de layout de personagens determinarão as principais poses para os personagens da cena e farão um desenho para indicar cada pose. Para curtas-metragens, os layouts dos personagens geralmente são de responsabilidade do diretor. Os desenhos de layout e storyboards são então emendados, junto com o áudio e um animatic é formado (não confundir com seu antecessor, o carretel leica ).

Enquanto a animação está sendo feita, os artistas de fundo pintarão os cenários sobre os quais a ação de cada sequência animada ocorrerá. Esses fundos são geralmente feitos em guache ou tinta acrílica , embora algumas produções animadas tenham usado fundos feitos em aquarela ou tinta a óleo . Os artistas de fundo seguem muito de perto o trabalho dos artistas de layout de fundo e estilistas de cores (que geralmente são compilados em uma pasta de trabalho para seu uso) para que os fundos resultantes sejam harmoniosos em tom com os designs dos personagens.

Animado

Normalmente, um animatic ou story reel é criado após a trilha sonora ser gravada e antes do início da animação completa. O termo "animatic" foi originalmente cunhado por Walt Disney Animation Studios . Um animatic normalmente consiste em imagens do storyboard cronometradas e cortadas junto com a trilha sonora. Isso permite que os animadores e diretores resolvam quaisquer problemas de roteiro e tempo que possam existir com o storyboard atual. O storyboard e a trilha sonora são alterados, se necessário, e um novo animatic pode ser criado e revisado com o diretor até que o storyboard atenda aos requisitos dos usuários. A edição do filme na fase animatic impede a animação de cenas que seriam editadas fora do filme. A criação de cenas que eventualmente serão editadas a partir do desenho completo é evitada.

Animação

Esboço de uma barra de pinos de animação e medidas de três tipos, sendo o Acme o mais comum.

No processo de animação tradicional, os animadores começam desenhando sequências de animação em folhas de papel transparente perfuradas para encaixar as barras de pinos em suas mesas, geralmente usando lápis de cor , uma imagem ou "quadro" de cada vez. Uma barra de pinos é uma ferramenta de animação usada na animação tradicional para manter os desenhos no lugar. Um animador- chave ou animador principal desenhará os desenhos -chave ou quadros-chave em uma cena, usando os layouts dos personagens como guia. O animador principal desenha quadros suficientes para passar pelas principais poses dentro de uma performance de personagem.

Ao trabalhar em uma cena, um animador principal geralmente prepara um teste de lápis da cena. Um teste de lápis é uma versão muito mais grosseira da cena animada final (geralmente desprovida de muitos detalhes e cores dos personagens); os desenhos a lápis são rapidamente fotografados ou escaneados e sincronizados com as trilhas sonoras necessárias. Isso permite que a animação seja revisada e aprimorada antes de passar o trabalho para seus animadores assistentes, que adicionarão detalhes e alguns dos quadros ausentes na cena. O trabalho dos animadores assistentes é revisado, testado a lápis e corrigido até que o animador principal esteja pronto para se encontrar com o diretor e ter sua cena modificada .

Uma vez que a animação principal é aprovada, o animador principal encaminha a cena para o departamento de limpeza, composto pelos animadores de limpeza e intermediários. Os animadores de limpeza assumem os desenhos dos animadores principais e assistentes e os traçam em uma nova folha de papel, certificando-se de incluir todos os detalhes presentes nas folhas do modelo original, para que o filme mantenha uma coesão e consistência no estilo de arte . Os intermediários desenharão quaisquer quadros que ainda estejam faltando entre os desenhos dos outros animadores. Este procedimento é chamado de interpolação . Os desenhos resultantes são novamente testados a lápis e suados até serem aprovados.

Em cada estágio durante a animação a lápis, a arte aprovada é emendada no carretel Leica .

Esse processo é o mesmo para animação de personagens e animação de efeitos especiais , que na maioria das produções de alto orçamento são feitas em departamentos separados. Muitas vezes, cada personagem principal terá um animador ou grupo de animadores dedicados exclusivamente a desenhar esse personagem. O grupo será composto por um animador supervisor, um pequeno grupo de animadores-chave e um grupo maior de animadores assistentes. Animadores de efeitos animam qualquer coisa que se mova e não seja um personagem, incluindo adereços, veículos, máquinas e fenômenos como fogo , chuva e explosões . Às vezes, em vez de desenhos, vários processos especiais são usados ​​para produzir efeitos especiais em filmes de animação; chuva, por exemplo, foi criada em filmes de animação da Disney desde o final dos anos 1930, filmando imagens em câmera lenta de água na frente de um fundo preto, com o filme resultante sobreposto à animação.

Tinta e tinta tradicionais e câmera

Depois que as limpezas e os desenhos intermediários de uma sequência são concluídos, eles são preparados para um processo conhecido como tinta e tinta. Cada desenho é então transferido do papel para uma folha de plástico fina e transparente chamada cel , uma contração do nome do material celulóide (o nitrato de celulose inflamável original foi posteriormente substituído pelo acetato de celulose mais estável ). O contorno do desenho é pintado ou fotocopiado no cel, e guache , acrílica ou um tipo de tinta similar é usado no verso das celulas para adicionar cores nas tonalidades apropriadas. A qualidade transparente do cel permite que cada personagem ou objeto em um quadro seja animado em diferentes cels, já que o cel de um personagem pode ser visto embaixo do cel de outro; e o fundo opaco será visto abaixo de todas as células.

Quando uma sequência inteira é transferida para cels, o processo de fotografia começa. Cada célula envolvida em um quadro de uma sequência é colocada uma em cima da outra, com o plano de fundo na parte inferior da pilha. Um pedaço de vidro é abaixado sobre a obra de arte para achatar quaisquer irregularidades, e a imagem composta é então fotografada por uma câmera de animação especial , também chamada de câmera de rostro . As células são removidas e o processo se repete para o próximo quadro até que cada quadro da sequência seja fotografado. Cada cel tem orifícios de registro, pequenos orifícios ao longo da borda superior ou inferior do cel, que permitem que o cel seja colocado nas barras de pinos correspondentes antes da câmera para garantir que cada cel se alinhe com o anterior; se as células não estiverem alinhadas dessa maneira, a animação, quando reproduzida em velocidade máxima, parecerá "trêmula". Às vezes, os quadros podem precisar ser fotografados mais de uma vez, para implementar sobreposições e outros efeitos de câmera. As panorâmicas são criadas movendo as células ou os fundos 1 passo de cada vez em uma sucessão de quadros (a câmera não faz panorâmica; ela apenas aumenta e diminui o zoom).

Uma câmera usada para filmar animação tradicional. Veja também Imagem aérea .

Dope Sheets são criados pelos animadores e usados ​​pelo operador da câmera para transferir cada desenho de animação para o número de quadros de filme especificado pelos animadores, seja 1 (1s, uns) 2 (2s, dois) ou 3 (3s, trêss) ).

À medida que as cenas saem da fotografia final, elas são emendadas no carretel Leica, tomando o lugar da animação a lápis. Uma vez que todas as sequências da produção são fotografadas, o filme final é enviado para desenvolvimento e processamento, enquanto a música final e os efeitos sonoros são adicionados à trilha sonora.

Processo moderno

Tinta e tinta digital

O processo atual, denominado "tinta e tinta digital", é o mesmo da tinta e tinta tradicionais até que os desenhos de animação sejam concluídos; em vez de serem transferidos para cels, os desenhos dos animadores são digitalizados em um computador ou desenhados diretamente em um monitor de computador por meio de tablets gráficos , onde são coloridos e processados ​​usando um ou mais pacotes de software. Os desenhos resultantes são compostos no computador sobre seus respectivos fundos, que também foram digitalizados para o computador (se não pintados digitalmente), e o computador produz o filme final exportando um arquivo de vídeo digital , usando um gravador de videocassete ou imprimindo para filmar usando um dispositivo de saída de alta resolução. O uso de computadores permite uma troca mais fácil de obras de arte entre departamentos, estúdios e até países e continentes (na maioria das produções animadas americanas de baixo orçamento, a maior parte da animação é feita por animadores que trabalham em outros países , incluindo Coréia do Sul , Taiwan , Japão , China , Cingapura , México , Índia e Filipinas ). À medida que o custo da tinta e da pintura de novos cels para filmes animados e programas de TV e o uso repetido de cels mais antigos para novos programas de TV e filmes animados aumentaram e o custo de fazer a mesma coisa digitalmente caiu, eventualmente, o digital ink- O processo de pintura e pintura tornou-se o padrão para futuros filmes de animação e programas de TV.

Implementação

Hanna-Barbera foi o primeiro estúdio de animação americano a implementar um sistema de animação por computador para uso de tinta e tinta digital. Após um compromisso com a tecnologia em 1979, o cientista da computação Marc Levoy liderou o Laboratório de Animação Hanna-Barbera de 1980 a 1983, desenvolvendo um sistema de tinta e pintura que foi usado em cerca de um terço da produção doméstica da Hanna-Barbera, começando em 1984 e continuando até ser substituído por software de terceiros em 1996. Além de uma economia de custos em comparação com a pintura celulósica tradicional de 5 para 1, o sistema Hanna-Barbera também permitiu efeitos de câmera multiplano evidentes em produções HB, como A Pup Named Scooby- Doo (1988).

Tinta e tinta digital estão em uso no Walt Disney Animation Studios desde 1989, onde foram usadas para a cena final do arco-íris em A Pequena Sereia . Todos os filmes animados subsequentes da Disney foram pintados com tinta digital (começando com The Rescuers Down Under , que também foi o primeiro grande filme a usar inteiramente tinta e tinta digital), usando a tecnologia proprietária CAPS (Computer Animation Production System) da Disney, desenvolvida principalmente pela Pixar Animation Studios . O sistema CAPS permitiu que os artistas da Disney fizessem uso de técnicas de linhas de tinta coloridas perdidas principalmente durante a era da xerografia, bem como efeitos multiplanos, sombreamento misturado e integração mais fácil com fundos CGI 3D (como na sequência do salão de baile no filme de 1991 Beauty e a Fera ), adereços e personagens.

Enquanto a Hanna-Barbera e a Disney começaram a implementar a tinta digital e a pintura, o resto da indústria levou mais tempo para se adaptar. Muitos cineastas e estúdios não queriam mudar para o processo digital de tinta e tinta porque achavam que a animação digitalmente colorida ficaria muito sintética e perderia o apelo estético do cel não computadorizado para seus projetos. Muitas séries de televisão animadas ainda eram animadas em outros países usando o processo cel tradicionalmente pintado e pintado em 2004, embora a maioria delas tenha mudado para o processo digital em algum momento durante sua execução. O último grande longa-metragem a usar tinta e tinta tradicionais foi Atriz do Milênio de Satoshi Kon (2001); as últimas grandes produções de animação no ocidente a usar o processo tradicional foram Bob Esponja Calça Quadrada da Nickelodeon , Os Simpsons e Rei da Colina da Fox e As Meninas Superpoderosas do Cartoon Network e Ed, Edd n Eddy , que todos trocaram para a pintura digital entre 2000 e 2004, enquanto a última grande produção animada geral a abandonar a animação cel foi a adaptação para a televisão de Sazae-san , que permaneceu fiel à técnica até 29 de setembro de 2013, quando mudou para animação totalmente digital em 6 de outubro , 2013. Antes disso, a série adotou a animação digital apenas para seus créditos de abertura em 2009, mas manteve o uso de cels tradicionais para o conteúdo principal de cada episódio. Produções menores, como Hair High (2004) de Bill Plympton , usaram cels tradicionais muito depois da introdução de técnicas digitais. A maioria dos estúdios hoje usa um de vários outros pacotes de software de ponta, como Toon Boom Harmony , Toonz (OpenToonz), Animal e RETAS , ou até mesmo aplicativos de nível de consumidor, como Adobe Flash , Toon Boom Technologies e TV Paint .

Técnicas

Cels

Esta imagem mostra como duas células transparentes, cada uma com um caractere diferente desenhado nelas, e um fundo opaco são fotografadas juntas para formar a imagem composta.

O processo de animação cel foi inventado por Earl Hurd e John Bray em 1915. O cel é uma inovação importante para a animação tradicional, pois permite que algumas partes de cada quadro sejam repetidas de quadro a quadro, economizando trabalho. Um exemplo simples seria uma cena com dois personagens na tela, um dos quais está falando e o outro em pé em silêncio. Como o último personagem não está se movendo, ele pode ser exibido nesta cena usando apenas um desenho, em um cel, enquanto vários desenhos em vários cels são usados ​​para animar o personagem falante.

Para um exemplo mais complexo, considere uma sequência na qual uma pessoa coloca um prato sobre uma mesa. A tabela permanece imóvel durante toda a sequência, para que possa ser desenhada como parte do plano de fundo. O prato pode ser desenhado junto com o personagem conforme o personagem o coloca na mesa. No entanto, depois que o prato está na mesa, o prato não se move mais, embora a pessoa continue a se mover enquanto afasta o braço do prato. Neste exemplo, depois que a pessoa coloca o prato no chão, o prato pode ser desenhado em uma célula separada deles. Outros quadros apresentam novas células da pessoa, mas a placa não precisa ser redesenhada, pois não está se movendo; o mesmo cel da placa pode ser usado em cada quadro restante que ainda estiver sobre a mesa. As tintas celul foram fabricadas em versões sombreadas de cada cor para compensar a camada extra de cel adicionada entre a imagem e a câmera; neste exemplo, a placa estática seria pintada com um pouco mais de brilho para compensar o deslocamento de uma camada para baixo.

Na TV e em outras produções de baixo orçamento, os cels eram frequentemente "ciclados" (ou seja, uma sequência de cels era repetida várias vezes), e até arquivados e reutilizados em outros episódios. Depois que o filme foi concluído, as células foram jogadas fora ou, especialmente nos primeiros dias da animação, lavadas e reutilizadas para o próximo filme. Em alguns casos, algumas das células foram colocadas no "arquivo" para serem usadas repetidamente para fins futuros, a fim de economizar dinheiro. Alguns estúdios guardavam uma parte dos cels e os vendiam em lojas de estúdios ou os apresentavam como presentes aos visitantes.

Sobreposição de células

Uma sobreposição de cel é uma cel com objetos inanimados usados ​​para dar a impressão de um primeiro plano quando colocados em cima de um quadro pronto. Isso cria a ilusão de profundidade, mas não tanto quanto uma câmera multiplano. Uma versão especial do cel overlay é chamada line overlay , feita para completar o plano de fundo em vez de fazer o primeiro plano, e foi inventada para lidar com a aparência esboçada de desenhos xerox. O fundo foi pintado primeiro como formas e figuras em cores planas, contendo poucos detalhes. Em seguida, uma célula com linhas pretas detalhadas foi colocada diretamente sobre ela, cada linha é desenhada para adicionar mais informações à forma ou figura subjacente e dar ao fundo a complexidade necessária. Dessa forma, o estilo visual do plano de fundo corresponderá ao das células de caracteres xerox. À medida que o processo xerográfico evoluiu, a sobreposição de linhas foi deixada para trás.

Animação pré-cel

How Animated Cartoons Are Made (1919), mostrando personagens feitos de papel recortado

Em desenhos muito antigos feitos antes do uso do cel, como Gertie, o Dinossauro (1914), todo o quadro, incluindo o fundo e todos os personagens e itens, eram desenhados em uma única folha de papel e depois fotografados. Tudo teve que ser redesenhado para cada quadro contendo movimentos. Isso levou a uma aparência "nervosa"; imagine ver uma sequência de desenhos de uma montanha, cada um ligeiramente diferente do anterior. A animação pré-cel foi posteriormente melhorada usando técnicas como o sistema slash and tear inventado por Raoul Barre ; o fundo e os objetos animados foram desenhados em papéis separados. Foi feita uma moldura retirando todas as partes em branco dos papéis onde os objetos foram desenhados antes de serem colocados em cima dos fundos e finalmente fotografados.

Animação limitada

Em produções de baixo orçamento, os atalhos disponíveis através da técnica cel são amplamente utilizados. Por exemplo, em uma cena em que uma pessoa está sentada em uma cadeira e conversando, a cadeira e o corpo da pessoa podem ser os mesmos em todos os quadros; apenas sua cabeça é redesenhada, ou talvez até sua cabeça permaneça a mesma enquanto apenas sua boca se move. Isso é conhecido como animação limitada . O processo foi popularizado em desenhos teatrais pela United Productions of America e usado na maioria das animações de televisão , especialmente a de Hanna-Barbera . O resultado final não parece muito realista, mas é barato de produzir e, portanto, permite que os desenhos animados sejam feitos com pequenos orçamentos de televisão.

"Tiro em dois"

Personagens em movimento são muitas vezes filmados "em dois". Um desenho é mostrado para cada dois quadros de filme (que normalmente roda a 24 quadros por segundo), o que significa que há apenas 12 desenhos por segundo. Mesmo que a taxa de atualização da imagem seja baixa, a fluidez é satisfatória para a maioria dos assuntos. No entanto, quando um personagem é obrigado a realizar um movimento rápido, geralmente é necessário reverter para a animação "em um", pois "dois" são muito lentos para transmitir o movimento adequadamente. Uma mistura das duas técnicas mantém o olho enganado sem custos de produção desnecessários.

O animador indicado ao Oscar Bill Plympton é conhecido por seu estilo de animação que usa muito poucos intermediários e sequências que são feitas "em três" ou "em quatro", segurando cada desenho na tela de 1/8 a 1/6 de um segundo. Enquanto o Plympton usa três quadros quase constantes, às vezes a animação que simplesmente calcula a média de oito desenhos por segundo também é chamada de "em três" e geralmente é feita para atender às restrições orçamentárias, juntamente com outras medidas de corte de custos, como manter o mesmo desenho de um personagem por um tempo prolongado ou panorâmica sobre uma imagem estática, técnicas frequentemente usadas em produções de TV de baixo orçamento. Também é comum em anime , onde a fluidez é sacrificada em vez de uma mudança para a complexidade nos desenhos e sombreamento (em contraste com os desenhos mais funcionais e otimizados na tradição ocidental); até mesmo recursos teatrais de alto orçamento, como o do Studio Ghibli , empregam toda a gama: desde animação suave "em uns" em tomadas selecionadas (geralmente acentos de ação rápida) até animação comum "em três" para diálogos regulares e tomadas em ritmo lento.

Loops de animação

Um cavalo animado por rotoscopia das fotos do século XIX de Eadweard Muybridge . A animação consiste em 8 desenhos que são "em loop", ou seja, repetidos várias vezes. Este exemplo também é "tirado em dois", ou seja, mostrado a 12 desenhos por segundo.

Criar loops de animação ou ciclos de animação é uma técnica que economiza trabalho para animar movimentos repetitivos, como um personagem andando ou uma brisa soprando entre as árvores. No caso de caminhar, o personagem é animado dando um passo com o pé direito, depois um passo com o pé esquerdo. O loop é criado para que, quando a sequência se repetir, o movimento seja contínuo. Em geral, são usados ​​com parcimônia por produções com orçamentos moderados ou altos.

O curta Walking de Ryan Larkin , indicado ao Oscar de 1969 do National Film Board of Canada , faz uso criativo de loops. Além disso, um videoclipe promocional de Groovies do Cartoon Network com a música "Circles" do Soul Coughing zombou dos loops de animação como eles são frequentemente vistos em The Flintstones , no qual Fred e Barney (junto com vários personagens da Hanna-Barbera que foram ao ar no Cartoon Network), supostamente andando em uma casa, se perguntam por que eles continuam passando pela mesma mesa e vaso repetidamente.

Processo multiplano

O processo multiplano é uma técnica usada principalmente para dar uma sensação de profundidade ou paralaxe a filmes animados bidimensionais. Para usar essa técnica na animação tradicional, a arte é pintada ou colocada em camadas separadas chamadas de planos. Esses planos, normalmente construídos de planos de vidro transparente ou plexiglass, são então alinhados e colocados com distâncias específicas entre cada plano. A ordem em que os planos são colocados e a distância entre eles é determinada por qual elemento da cena está no plano, bem como pela profundidade pretendida de toda a cena. Uma câmera, montada acima ou na frente dos planos, move seu foco em direção ou para longe dos planos durante a captura dos quadros de animação individuais. Em alguns dispositivos, os planos individuais podem ser movidos para a câmera ou para longe dela. Isso dá ao espectador a impressão de que eles estão se movendo através das camadas separadas da arte como se estivessem em um espaço tridimensional.

História

Os antecessores desta técnica e os equipamentos utilizados para implementá-la começaram a aparecer no final do século XIX. Painéis de vidro pintados eram frequentemente usados ​​em fotos foscas e de vidro, como visto no trabalho de Norman Dawn . Em 1923, Lotte Reiniger e sua equipe de animação construíram uma das primeiras estruturas de animação multiplano, um dispositivo chamado Tricktisch . Seu design vertical de cima para baixo permitia o ajuste aéreo de planos estacionários individuais. O Tricktisch foi usado nas filmagens de As Aventuras do Príncipe Achmed , uma das obras mais conhecidas de Reiniger. Os futuros dispositivos de animação multiplano geralmente usariam o mesmo design vertical do dispositivo de Reiniger. Uma notável exceção a essa tendência foi a Setback Camera, desenvolvida e usada pela Fleischer Studios . Este dispositivo usava modelos tridimensionais em miniatura de conjuntos, com células animadas colocadas em várias posições dentro do conjunto. Esse posicionamento dava a aparência de objetos se movendo na frente e atrás dos personagens animados, e era frequentemente chamado de Método de Mesa.

Impacto

A difusão e o desenvolvimento da animação multiplano ajudaram os animadores a resolver problemas com rastreamento de movimento e profundidade de cena, e reduziram os tempos e custos de produção de trabalhos animados. Em uma gravação de 1957 , Walt Disney explicou por que o rastreamento de movimento era um problema para os animadores, bem como o que a animação multiplano poderia fazer para resolvê-lo. Usando uma foto bidimensional de uma casa de fazenda animada à noite, a Disney demonstrou que o zoom na cena, usando técnicas tradicionais de animação da época, aumentava o tamanho da lua. Na experiência da vida real, a lua não aumentaria de tamanho quando um espectador se aproximasse de uma casa de fazenda. A animação multiplano resolveu esse problema separando a lua, a casa da fazenda e as terras agrícolas em planos separados, com a lua mais distante da câmera. Para criar o efeito de zoom, os dois primeiros planos foram aproximados da câmera durante as filmagens, enquanto o plano com a lua permaneceu em sua distância original. Isso forneceu uma profundidade e plenitude à cena que se assemelhava mais à vida real, que era um objetivo proeminente para muitos estúdios de animação na época.

Xerografia

Aplicada à animação de Ub Iwerks no estúdio Walt Disney no final dos anos 1950, a técnica de cópia eletrostática chamada xerografia permitia que os desenhos fossem copiados diretamente nas células, eliminando grande parte da parte "tinta" do processo de tinta e tinta. Isso economizou tempo e dinheiro, e também possibilitou inserir mais detalhes e controlar o tamanho dos objetos e personagens xerox. No início, resultou em um visual mais esboçado, mas a técnica foi aprimorada ao longo do tempo.

O animador e engenheiro da Disney, Bill Justice , havia patenteado um precursor do processo Xerox em 1944, onde desenhos feitos com um lápis especial seriam transferidos para uma célula por pressão e depois consertados. Não se sabe se o processo já foi usado em animação.

O método xerográfico foi testado pela primeira vez pela Disney em algumas cenas de A Bela Adormecida e foi usado integralmente pela primeira vez no curta Golias II , enquanto o primeiro longa-metragem inteiramente usando esse processo foi Cento e um Dálmatas (1961). O estilo gráfico deste filme foi fortemente influenciado pelo processo. Alguma tinta à mão ainda era usada junto com a xerografia neste e nos filmes subsequentes quando eram necessárias linhas coloridas distintas. Mais tarde, os toners coloridos tornaram-se disponíveis e várias cores de linha distintas puderam ser usadas, até mesmo simultaneamente. Por exemplo, em The Rescuers os contornos dos personagens são cinza. Toners brancos e azuis foram usados ​​para efeitos especiais, como neve e água.

O processo APT

Inventado por Dave Spencer para o filme da Disney de 1985 The Black Cauldron , o processo APT (Animation Photo Transfer) era uma técnica para transferir a arte dos animadores para cels. Basicamente, o processo foi uma modificação de um processo repro-fotográfico; o trabalho dos artistas foi fotografado em filme "lito" de alto contraste, e a imagem no negativo resultante foi então transferida para uma célula coberta com uma camada de corante sensível à luz. A célula foi exposta através do negativo. Produtos químicos foram então usados ​​para remover a porção não exposta. Detalhes pequenos e delicados ainda eram pintados à mão, se necessário. Spencer recebeu um Oscar de Realização Técnica por desenvolver este processo.

Rotoscopia

A rotoscopia é um método de animação tradicional inventado por Max Fleischer em 1915, no qual a animação é "rastreada" sobre imagens reais de atores e cenários. Tradicionalmente, o live-action será impresso quadro a quadro e registrado. Outro pedaço de papel é então colocado sobre as impressões de ação ao vivo e a ação é traçada quadro a quadro usando uma caixa de luz. O resultado final ainda parece desenhado à mão, mas o movimento será notavelmente realista. Os filmes Waking Life e American Pop são filmes rotoscópios completos. A animação rotoscopada também aparece nos videoclipes da música " Take On Me " do A-ha e " Heartless " do Kanye West . Na maioria dos casos, a rotoscopia é usada principalmente para auxiliar na animação de seres humanos realistas, como em Branca de Neve e os Sete Anões , Peter Pan e A Bela Adormecida .

Um método relacionado à rotoscopia convencional foi posteriormente inventado para a animação de objetos sólidos inanimados, como carros, barcos ou portas. Um pequeno modelo de ação ao vivo do objeto necessário foi construído e pintado de branco, enquanto as bordas do modelo foram pintadas com finas linhas pretas. O objeto foi então filmado conforme necessário para a cena animada, movendo o modelo, a câmera ou uma combinação de ambos, em tempo real ou usando animação stop-motion. Os quadros do filme foram então impressos em papel, mostrando um modelo composto pelas linhas pretas pintadas. Depois que os artistas adicionaram detalhes ao objeto não presentes na fotografia live-action do modelo, ele foi xerox em cels. Um exemplo notável é o carro de Cruella de Vil em Cento e Um Dálmatas da Disney . O processo de transferência de objetos 3D para cels foi bastante aprimorado na década de 1980, quando a computação gráfica avançou o suficiente para permitir a criação de objetos 3D gerados por computador que poderiam ser manipulados da maneira que os animadores quisessem e depois impressos como contornos no papel antes de serem copiados. em células usando Xerografia ou o processo APT. Essa técnica foi usada em filmes da Disney como Oliver and Company (1988) e A Pequena Sereia (1989). Este processo foi mais ou menos substituído pelo uso de cel-shading.

Relacionados à rotoscopia estão os métodos de vetorização de imagens de ação ao vivo, a fim de obter uma aparência muito gráfica, como no filme A Scanner Darkly , de Richard Linklater .

Híbridos de ação ao vivo

Semelhante à animação por computador e aos híbridos de animação tradicional descritos acima, ocasionalmente uma produção combinará cenas de ação ao vivo e animadas. As partes de ação ao vivo dessas produções geralmente são filmadas primeiro, os atores fingindo que estão interagindo com os personagens animados, adereços ou cenários; a animação será então adicionada à filmagem mais tarde para fazê-la parecer como se sempre estivesse lá. Como a rotoscopia, esse método raramente é usado, mas quando é, pode ser feito com um efeito incrível, mergulhando o público em um mundo de fantasia onde coexistem humanos e desenhos animados. Os primeiros exemplos incluem os desenhos mudos Out of the Inkwell (iniciados em 1919) de Max Fleischer e Alice Comedies de Walt Disney (iniciados em 1923). Live-action e animação foram posteriormente combinados em filmes como Song of the South (1946), The Incredible Mr. Limpet , Mary Poppins (ambos em 1964), Who Framed Roger Rabbit (1988), Cool World (1992), Space Jam (1996), Looney Tunes: Back in Action (2003), The SpongeBob SquarePants Movie (2004) e Enchanted (2007), entre muitos outros. A técnica também teve um uso significativo em comerciais de televisão, especialmente para cereais matinais comercializados para crianças para interessá-las e aumentar as vendas.

Animação de efeitos especiais

Além de personagens, objetos e cenários tradicionalmente animados, muitas outras técnicas são usadas para criar elementos especiais como fumaça, relâmpagos e "mágica", e para dar à animação, em geral, uma aparência visual distinta. Hoje os efeitos especiais são feitos principalmente com computadores, mas antes eles tinham que ser feitos à mão. Para produzir esses efeitos, os animadores usaram diferentes técnicas, como drybrush , airbrush , carvão, graxa lápis , animação retroiluminada, telas difusoras, filtros ou géis . Por exemplo, o segmento Nutcracker Suite em Fantasia tem uma sequência de fadas onde celulas pontilhadas são usadas, criando uma aparência pastel suave.

Técnicas modernas

Os métodos mencionados acima descrevem as técnicas de um processo de animação que originalmente dependia de cels em seus estágios finais, mas cels pintados são raros hoje em dia, pois o computador se move para o estúdio de animação, e os desenhos de contorno geralmente são digitalizados no computador e preenchidos com pintar em vez de ser transferido para cels e depois colorido à mão. Os desenhos são compostos em um programa de computador em muitas "camadas" transparentes, da mesma forma que são com cels, e transformados em uma sequência de imagens que podem ser transferidas para o filme ou convertidas para um formato de vídeo digital .

Agora também é possível que os animadores desenhem diretamente em um computador usando uma mesa digitalizadora como um Cintiq ou um dispositivo semelhante, onde os desenhos de contorno são feitos de maneira semelhante ao que seriam no papel. O curta Goofy How To Hook Up Your Home Theater (2007) representou o primeiro projeto da Disney baseado na tecnologia sem papel disponível hoje. Algumas das vantagens são a possibilidade e potencial de controlar o tamanho dos desenhos enquanto se trabalha neles, desenhando diretamente em um fundo multiplano e eliminando a necessidade de fotografar testes de linha e escanear.

Embora a animação tradicional agora seja comumente feita com computadores, é importante diferenciar a animação tradicional assistida por computador da animação 3D por computador , como Toy Story , Shrek , Jimmy Neutron: Boy Genius e Ice Age . No entanto, muitas vezes a animação tradicional e a animação 3D por computador serão usadas juntas, como em Titan AE de Don Bluth e Hercules da Disney , Tarzan , Atlantis: The Lost Empire e Treasure Planet . A maioria dos animes e muitas séries animadas ocidentais ainda usam animação tradicional hoje, como Ghost in the Shell , Neon Genesis Evangelion e Cowboy Bebop . O executivo da DreamWorks , Jeffrey Katzenberg , cunhou o termo "animação tradigital" para descrever filmes de animação produzidos por seu estúdio que incorporavam elementos de animação tradicional e por computador igualmente, como The Road to El Dorado , Spirit: Stallion of the Cimarron e Sinbad: Legend of the Sete Mares .

Muitos videogames como Viewtiful Joe , The Legend of Zelda: The Wind Waker , Ico , Ōkami , Mirror's Edge e outros usam filtros de animação " cel-shading " ou sistemas de iluminação para fazer sua animação 3D completa parecer desenhada em um estilo cel tradicional. Essa técnica também foi usada no filme de animação Appleseed , e a animação 3D cel-shaded é normalmente integrada à animação cel nos filmes da Disney e em muitos programas de televisão, como Futurama da Fox , Family Guy e American Dad ! e ambas as séries animadas da Nickelodeon Invader Zim e The Fairly Oddparents . Em uma cena do filme Ratatouille de 2007 da Pixar , uma ilustração de Gusteau (em seu livro de receitas), fala com Remy (que, naquela cena, estava perdido nos esgotos de Paris) como uma invenção da imaginação de Remy; esta cena também é considerada um exemplo de cel-shading em um filme de animação. Mais recentemente, curtas de animação como Paperman , Feast e The Dam Keeper usaram um estilo mais distinto de animação 3D cel-shaded, capturando uma aparência semelhante a uma 'pintura em movimento'.

Computadores e câmeras de vídeo digitais

Entre os tipos mais comuns de câmeras de animação estava a Oxberry. Essas câmeras sempre foram feitas de alumínio anodizado preto e geralmente tinham 2 barras de pinos, 1 na parte superior e 1 na parte inferior da caixa de luz. A Oxberry Master Series tinha 4 barras de pinos, 2 acima e 2 abaixo, e às vezes também usava uma "barra de pinos flutuante". A altura da coluna na qual a câmera foi montada determinava a quantidade de zoom alcançável em uma obra de arte. Essas câmeras eram assuntos mecânicos maciços que podiam pesar quase uma tonelada e levar horas para serem desmontados ou montados.

Nos últimos anos da câmera de tribuna de animação, motores de passo controlados por computadores foram anexados aos vários eixos de movimento da câmera, economizando muitas horas de manivela manual por operadores humanos. Gradualmente, as técnicas de controle de movimento foram adotadas em toda a indústria.

Os processos de tinta digital e pintura gradualmente tornaram obsoletas essas técnicas e equipamentos de animação tradicionais.

Computadores e câmeras de vídeo digitais também podem ser usados ​​como ferramentas na animação cel tradicional sem afetar diretamente o filme, auxiliando os animadores em seu trabalho e tornando todo o processo mais rápido e fácil. Fazer os layouts em um computador é muito mais eficaz do que fazê-lo pelos métodos tradicionais. Além disso, as câmeras de vídeo dão a oportunidade de ver uma "prévia" das cenas e como elas ficarão quando finalizadas, permitindo que os animadores as corrijam e melhorem sem ter que completá-las primeiro. Isso pode ser considerado uma forma digital de teste de lápis .

O dispositivo mais famoso usado para animação multiplano foi a câmera multiplano . Este dispositivo, originalmente projetado pelo ex- animador / diretor do Walt Disney Studios , Ub Iwerks , é um guindaste de câmera vertical de cima para baixo que filmava cenas pintadas em vários planos de vidro ajustáveis ​​individualmente. Os planos móveis permitiam profundidade variável em cenas animadas individuais. Nos anos posteriores, a Disney Studios adotaria essa tecnologia para seus próprios usos. Projetada em 1937 por William Garity , a câmera multiplano usada para o filme Branca de Neve e os Sete Anões utilizou obras de arte pintadas em até sete planos móveis separados, bem como uma câmera vertical de cima para baixo.

O último filme de animação da Disney que contou com o uso de sua câmera multiplano foi A Pequena Sereia , embora o trabalho tenha sido terceirizado, pois o equipamento da Disney estava inoperante na época. O uso da câmera multiplano ou dispositivos similares diminuiu devido aos custos de produção e ao aumento da animação digital. Começando em grande parte com o uso de CAPS , as câmeras digitais multiplano ajudariam a agilizar o processo de adição de camadas e profundidade às cenas animadas.

Veja também

Referências

Citações

Fontes

links externos