revolução artística - Artistic revolution


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Ao longo da história, as formas de arte passaram por mudanças bruscas periódicas chamadas revoluções artísticas . Movimentos ter chegado ao fim para ser substituído por um novo movimento marcadamente diferente de maneiras surpreendentes. Veja também movimentos culturais .

revolução artística e revoluções políticas

O papel da bela arte tem sido a de expressar simultaneamente valores da cultura atual e ao mesmo tempo oferecendo críticas, equilíbrio, ou alternativas para quaisquer valores que não são mais úteis que provam. Assim como os tempos mudam, as mudanças de arte. Se as mudanças foram bruscas eles foram considerados revoluções. Os melhores artistas têm antecedeu mudanças da sociedade, devido não a qualquer presciência, mas porque perceptividade sensível é parte de seu talento de ver.

Artistas que conseguiram o suficiente para retratar as visões que as gerações futuras poderiam viver para ver, muitas vezes teve que navegar um caminho muitas vezes traiçoeira entre a sua própria capacidade de ver e executar o que os artistas menores não podia, enquanto ainda atraente para os clientes poderosos que poderiam financiar suas visões. Por exemplo, pinturas glorificado aristocracia no início do século 17, quando a liderança era necessário nacionalizar pequenos agrupamentos políticos, mas mais tarde como liderança se tornou opressivo, satirization aumentou e assuntos estavam menos preocupados com os líderes e mais com plights mais comuns da humanidade.

Nenhuma arte deve tão grande ao poder do Estado como pintura francesa faz. Foi na época da monarquia absoluta lançado pela Louix XIV, no século 17 que os gostos de Poussin e Le Brun colocou a França na vanguarda da arte europeia. Versailles encontrou seu espelho imponente na poderosa ideia do classicismo - um estilo de pintura, e permanece em artistas posteriores, como Ingres, cuja austeridade e grandeza expressar a autoridade de um mundo onde Jove está muito em seu trono.

Exemplos de arte revolucionária em conjunto com os movimentos culturais e políticos:

revolução artística do estilo

Aqui está um exemplo de um Artístico Revolução Pieces

Científico e Tecnológico

Nem todas as revoluções artísticas eram políticos. Às vezes, a ciência e as inovações tecnológicas têm provocado transformações imprevistas nos trabalhos de artistas. A revolução estilística conhecido como impressionismo , por pintores ansiosos para captar com mais precisão as cores em mudança de luz e sombra, é inseparável de descobertas e invenções em meados do século 19, em que o estilo nasceu.

Eugene Chevreul , um químico francês contratado como diretor de corantes em um francês obras de tapeçaria, começou a investigar a natureza óptica de cor, a fim de melhorar a cor em tecidos. Chevreul percebeu que era o olho, e não o corante, que teve a maior influência sobre a cor e, a partir disso, ele revolucionou a teoria da cor, segurando o que veio a ser chamado de lei do contraste simultâneo: a de que as cores influenciam mutuamente um ao outro quando justapostos, cada impondo a sua própria cor complementar do outro. O pintor francês Eugène Delacroix, que estava experimentando com o que chamou de tons quebrados, abraçou o livro de Chevreul, "A Lei de Contraste de Cor (1839), com suas explicações de como as cores sobrepostas pode aumentar ou diminuir o outro, e sua exploração de todos as cores visíveis do espectro. Inspirado em 1839 o tratado de Chevreul, Delacroix passou o seu entusiasmo para os jovens artistas que foram inspirados por ele. era Chevreul que liderou os impressionistas a entender que eles devem aplicar pinceladas separadas de cor pura para uma tela e permitir que o olho do espectador para combiná-los opticamente.

Eles foram ajudados muito neste pelas inovações na pintura de óleo em si. Desde o Renascimento, os pintores tinham de moer pigmento, adicione o óleo e, assim, criar as suas próprias tintas; estas tintas demoradas também seca rapidamente, tornando estúdio pintando uma necessidade para grandes obras, e limitando pintores para misturar uma ou duas cores de cada vez e preencher uma área inteira usando apenas que uma cor antes de ser secado. em 1841, um pintor americano pouco conhecido chamado John G. Rand inventou uma melhoria simples, sem o qual o movimento impressionista não poderia ter ocorrido: o, tubo de lata flexível pequena com tampa removível na qual as pinturas de óleo pode ser armazenado. tintas a óleo mantidos em tais tubos ficou úmido e utilizável - e bastante portátil. Pela primeira vez desde o Renascimento, os pintores não estavam presos pelo prazo de quão rapidamente a pintura de óleo seco.

Tintas em tubos poderiam ser facilmente carregado e executado para o mundo real, para observar diretamente o jogo de cor e luz natural, na sombra e movimento, para pintar no momento. Vender a tinta a óleo em tubos também trouxe a chegada de deslumbrante novos pigmentos - amarelo de cromo, cádmio azul - inventado por químicos industriais do século 19. Os tubos libertou os impressionistas de pintar rapidamente, e através de uma tela inteira, em vez de cuidadosamente delineado seções de cor única de cada vez; em suma, a esboçar diretamente em óleo - correndo através da tela em todas as cores que veio a mão e inspirando assim o seu nome de "impressionistas" - uma vez que tal pincelada rápida, ousada e pinceladas de cores separadas feitas críticos contemporâneos pensam que suas pinturas eram meras impressões , pinturas não acabados, que eram não ter marcas de pincel visível em todos, sem costura sob camadas de verniz.

Pierre-Auguste Renoir disse: “Sem cores em tubos, não haveria Cézanne, não Monet, Pissarro nenhum, e nenhum impressionismo.”

Finalmente, as técnicas cuidadosas, hiper-realistas de Francês neo-classicismo eram vistos como duro e sem vida quando comparado com o novo notável visão do mundo como visto através da nova invenção da fotografia em meados da década de 1850. Não era apenas que a capacidade cada vez maior desta nova invenção, particularmente pelo inventor francês Daguerre, fez o realismo da imagem pintada redundante, já que ele deliberadamente competiu no diorama Paris com pinturas históricas de grande escala. O assunto neo-clássico, limitado pela tradição acadêmica de lendas gregas e romanas, batalhas históricas e histórias bíblicas, parecia oppressively clichê e limitado a artistas ansiosos para explorar o mundo real na frente de seus próprios olhos revelado pela câmera - vida diária, agrupamentos sincero de pessoas comuns fazendo coisas simples, em si Paris, paisagens rurais e mais particularmente o jogo de luz capturada - não o lionizing imaginário de eventos passados ​​invisíveis. primeiras fotografias influenciado estilo impressionista por seu uso de assimetria, recorte e mais obviamente a desfocagem de movimento, como inadvertidamente capturado nos muito lentas velocidades de fotografia cedo.

Edgar Degas, Claude Monet, Pierre-Auguste Renoir  - in their framing, use of color, light and shadow, subject matter  - put these innovations to work to create a new language of visual beauty and meaning.

Fingindo revolução: a CIA e expressionismo abstrato

Sua ruptura inicial com realismo em uma exploração de luz, cor e da natureza da pintura foi trazido a uma conclusão definitiva pelos expressionistas abstratos que rompeu com o conteúdo reconhecível de qualquer tipo em obras de forma pura, cor e painterliness que surgiram no final da segunda guerra mundial. No primeiro pensamento de como primitivas, obras ineptos - como em "meus quatro anos poderia fazer isso" obras -estes foram mal compreendidos e negligenciada até dado crítico e suporte pela ascensão de jornalistas e críticos de arte que defendeu seu trabalho na década de 1940 e 50 de , expressando o poder desse trabalho em termos estéticos próprios artistas raramente usado, ou mesmo compreendido. Jackson Pollock que foi pioneiro pintura splatter, dispensando com um pincel completamente, logo tornou-se celebrizado como o homem novo irritado em uma grande expansão na revista Life.

De fato, em um esforço deliberado, secreto e bem sucedida para separar as revoluções artísticas dos políticos, expressionistas abstratos como Pollack, Robert Motherwell, Willem de Kooning e Mark Rothko, embora aparentemente difíceis, artistas pioneiras, foram na verdade secretamente apoiado por vinte anos por CIA em uma política da Guerra Fria começou em 1947 para provar que os Estados Unidos poderiam promover mais liberdade artística do que o bloco soviético. "Foi reconhecido que o expressionismo abstrato era o tipo de arte que fez Realismo Socialista olhar ainda mais estilizado e rígida e confinado do que era", disse o ex-funcionário da CIA Donald Jameson, que finalmente quebrou o silêncio sobre este programa em 1995. Ironicamente, o apoio da CIA secreta para estas obras radicais foi necessária porque uma tentativa de usar os fundos do governo para uma turnê européia dessas obras durante a administração Truman levou a um escândalo público na conservadora era McCarthy América, com Truman famosa comentando: "Se isso é arte, Eu sou um hotentote ". Assim, o programa estava escondido sob o disfarce de fundações fabricados e o apoio de patronos ricos que foram realmente usando os fundos da CIA, e não a sua própria, para patrocinar exposições itinerantes de expressionistas abstratos americanos em todo o mundo, publicar livros e artigos elogiando-os e para comprar e exposição expressionista abstrato trabalha em grandes museus americanos e britânicos. Thomas Braden, a cargo desses programas culturais para a CIA. nos primeiros anos da Guerra Fria, tinha sido anteriormente secretário-executivo do Museu de Arte Moderna, instituição líder da América para a arte do século 20 e as acusações de conluio entre os dois ecoado por muitos anos após este programa foi revelada, embora a maior parte do artistas envolvidos não tinha idéia de que eles estavam sendo usado dessa forma e ficaram furiosos quando descobriram.

Movimentos artísticos

Ancient Art & Classical

Principais datas: 15000 aC / 400 aC-200CE / 350 CE-450CE
antigos - Há poucos exemplos restantes com arte cedo, muitas vezes favorecendo desenho sobre a cor. Trabalho foi encontrado recentemente em túmulos, afrescos egípcios, cerâmica e metalurgia.
Clássica - Relativo a ou a partir de antigos romanos ou arquitetura grega e arte. Preocupado principalmente com a geometria e simetria, em vez de expressão individual.
Bizantino - A arte religiosa caracterizada por grandes cúpulas, arredondado arcos e mosaicos do Império Romano do Oriente, no século 4.

Medieval & Gothic

Datas-chave: 400CE
Medieval - A arte altamente religiosa a partir do século 5, na Europa Ocidental. Ele foi caracterizado por pinturas iconográficas ilustram cenas do bíblia.
Gothic - Este estilo prevaleceu entre o século 12 e do século 16 na Europa. Principalmente um movimento de arquitectura, gótica, foi caracterizado pela sua ornamentação detalhada mais notavelmente os arcos pontiagudos e abóbadas nervura elaborada.
Desenvolvido pela primeira vez na França, gótico foi concebido como uma solução para as insuficiências da arquitectura românica. Permitiu catedrais ser construídos com paredes mais finas e tornou-se possível introduzir vitrais em vez de decorações de mosaico tradicionais. Alguns dos melhores exemplos do estilo incluem as catedrais de Chartres, Reims e Amiens. O termo também foi usada para descrever a escultura e pintura que demonstraram um maior grau de naturalismo.

Renascimento

Principais datas: 14o século
Esse movimento começou na Itália no século 14 e o termo, que significa literalmente renascimento, descreve o renascimento do interesse nas realizações artísticas do mundo clássico. Inicialmente em um renascimento literário Renaissance estava determinado a afastar-se da dominado por religião Idade Média e orientar a sua atenção para a situação do homem indivíduo na sociedade. Era uma época em que a expressão individual e experiência do mundo se tornaram dois dos principais temas da arte renascentista. O movimento devia muito à sofisticação crescente da sociedade, caracterizada pela estabilidade política, crescimento econômico e cosmopolitismo. Educação floresceu neste momento, com bibliotecas e academias, permitindo uma pesquisa mais minuciosa para ser conduzida para a cultura do mundo antigo. Além disso, as artes beneficiou do patrocínio de tais grupos influentes como a família Medici de Florença, a família Sforza de Milão e papas Júlio II e Leão X. Os trabalhos de Petrarca exibido pela primeira vez o novo interesse nos valores intelectuais do mundo clássico no início do século 14 e o romance desta época como redescoberto no período do Renascimento pode ser visto expressa por Boccaccio. Leonardo da Vinci foi o homem do Renascimento arquetípica representando valores humanistas do período em sua arte, ciência e escrita. Michelangelo e Raphael também foram figuras importantes neste movimento, produzindo obras consideradas durante séculos como incorporando a noção clássica de perfeição. Arquitetos renascentistas incluído Alberti, Brunelleschi e Bramante. Muitos desses artistas vieram de Florença e manteve-se um importante centro para o Renascimento até o século 16, eventualmente, a ser ultrapassado por Roma e Veneza. Algumas das idéias do Renascimento italiano se espalhou para outras partes da Europa, por exemplo, para o artista alemão Albrecht Dürer da 'Renascença do Norte'. Mas, no século 16 Maneirismo tinha ultrapassado o Renascimento e foi este estilo que pegou na Europa.
Artistas representativos:
Leonardo da Vinci, Sandro Botticelli, Filippo Brunelleschi, Raphael da Urbino, Ticiano, Michelangelo Buonarroti, e Donatello Bardi.

Maneirismo

Datas-chave: 1520-1600
artistas do início do Renascimento e do Alto Renascimento desenvolveu seus estilos característicos da observação da natureza e a formulação de uma ciência pictórica. Quando Maneirismo amadureceu depois de 1520 (O ano Raphael morreu), todos os problemas de representação tinha sido resolvido. Um corpo de conhecimento estava lá para ser aprendido. Em vez da natureza como seu professor, artistas maneiristas levou art. Enquanto artistas da Renascença procurou natureza para encontrar o seu estilo, os maneiristas olhou primeiro para um estilo e encontrou uma maneira. Em pinturas maneiristas, as composições podem não têm um ponto focal, o espaço pode ser ambígua, figuras pode ser caracterizado por uma flexão atlético e torcer com distorções, exageros, um alongamento elástico das pernas, postura bizarro, por um lado, postura elegante por outro lado , e um processamento das cabeças de uma maneira tão uniforme e pequena oval. A composição é preso por cores berrantes, que é diferente do que temos visto nas cores equilibrados, naturais e dramáticos do Alto Renascimento. Arte maneirista procura instabilidade e inquietação. Há também uma predileção por alegorias que têm conotações lascivos.
Artistas representativos:
Andrea del Sarto, Jacopo da Pontormo, Correggio

Barroco

Key datas: século 17
Arte barroca surgiu na Europa por volta de 1600, como uma reação contra o estilo maneirista intrincada e estereotipada que dominou a Renascença tardia. Arte barroca é menos complexo, mais realista e mais emocionalmente afetando de maneirismo.
Este movimento foi incentivado pela Igreja Católica, o patrono mais importante das artes naquela época, como um retorno à tradição e espiritualidade.
Um dos grandes períodos da história da arte, arte barroca foi desenvolvido por Caravaggio, Annibale Carracci, e Gian Lorenzo Bernini, entre outros. Esta foi também a idade de Rubens, Rembrandt, Velázquez e Vermeer.
No século 18, Arte barroca foi substituído pelo estilo mais elegante e elaborado rococó.
Artistas representativos:
Caravaggio, Annibale Carracci, Gian Lorenzo Bernini, Rubens, Rembrandt, Nicolas Poussin

Rococó

Key datas: século 18
Ao longo do século 18 na França, uma nova classe média rica e influente estava começando a subir, mesmo que a realeza e nobreza continuou a ser patronos das artes. Após a morte de Louis XIV eo abandono de Versailles, a alta sociedade de Paris tornaram-se os fornecedores de estilo. Este estilo, usado principalmente na decoração de interiores, veio a ser chamado Rococó. O termo rococó foi derivado da palavra francesa "rocaille", o que significa seixos e refere-se às pedras e conchas usadas para decorar o interior de cavernas. Portanto, formas de casca tornou-se o principal motivo em rococó. As mulheres da sociedade competiram para os melhores e mais elaboradas decorações para suas casas. Daí o estilo rococó foi altamente dominada pelo gosto feminino e influência.
François Boucher foi o pintor do século 18 e gravador cujos trabalhos são considerados como a expressão perfeita do gosto francês no período rococó. Treinado por seu pai, que era um designer de rendas, Boucher ganhou fama com suas pinturas e paisagens mitológicas sensuais e light-hearted. Ele executou obras importantes, tanto para a Rainha da França e Mme. de Pompadour, amante de Luís XV, que foi considerada a mulher mais poderosa na França no momento. Boucher foi sra. artista favorito de de Pompadour e foi encomendado por ela por inúmeras pinturas e decorações. Boucher também se tornou o principal designer para a fábrica de porcelana real e o diretor da fábrica de tapeçarias Gobelins. O Vulcan Apresentando Venus com os braços para Aeneas é um modelo para uma tapeçaria feita por esta fábrica.
Caracterizado por assuntos elegantes e refinadas ainda lúdicas assunto, estilo de Boucher tornou-se o epítome da corte de Luís XV. Seu estilo consistia em cores delicadas e formas suaves pintadas dentro de um assunto frívolo. Suas obras tipicamente utilizada projetos deliciosos e decorativos para ilustrar histórias graciosas com pastores da Arcádia, deusas e cupidos jogando contra um céu cor de rosa e azul. Estas obras espelhado a decadência frolicsome, artificial e ornamentada da aristocracia francesa do tempo.
O Rococó às vezes é considerado uma fase final do período barroco.
Artistas representativos:
François Boucher, William Hogarth, Giovanni Battista Tiepolo, Angélica Kauffman, Giovanni Antonio Canaletto, Velázquez Vermeer

Neoclássico

Datas-chave: 1750-1880
Um estilo de arte francesa do século XIX e movimento que surgiu como uma reação ao barroco. Ele procurou reavivar os ideais da antiga arte grega e romana. Artistas neoclássicos usadas formas clássicas de expressar suas idéias sobre coragem, sacrifício e amor ao país. David e Canova são exemplos de neoclássicos.
Artistas representativos:
Jacques-Louis David, Sir Henry Raeburn, Sir Joshua Reynolds, Jean-Auguste-Dominique Ingres, Thomas Gainsborough, Antonio Canova, Arnold Bocklin

Romantismo

Datas-chave: 1800-1880
Romantismo era basicamente uma reação contra o neoclassicismo, é um estilo profundamente sentida, que é individualista, bonito, exótico, e emocionalmente forjado.
Embora o Romantismo eo Neoclassicismo foram filosoficamente contrário, eles eram os estilos europeus dominantes para gerações, e muitos artistas foram afetados em maior ou menor grau por ambos. Artistas podem funcionar em ambos os estilos em momentos diferentes ou até mesmo misturar os estilos, criando um trabalho intelectualmente românticos usando um estilo visual neoclássico, por exemplo.
Grandes artistas intimamente associados com o romantismo incluem JMW Turner, Caspar David Friedrich, John Constable e William Blake.
Nos Estados Unidos, o movimento levando Romantic foi a Escola do Rio Hudson da pintura de paisagem dramática.
Sucessores óbvios de Romantismo incluem o movimento pré-rafaelita e os Symbolists. Mas Impressionismo, e através de quase toda a arte do século 20, também está firmemente enraizada na tradição romântica.
Artistas representativos:
George Stubbs, William Blake, John Martin, Francisco Goya, Sir Thomas Lawrence, John Constable, Eugène Delacroix, senhor Edwin Landseer, Caspar David Friedrich, JMW Turner

Referências