Arte - Art


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No sentido horário do superior esquerdo: um auto-retrato de Vincent van Gogh ; uma figura ancestral feminino por um Chokwe artista; detalhe de O nascimento de Vénus por Sandro Botticelli ; e um de Okinawa leão Shisa .

Art é uma variada gama de atividades humanas na criação visual, auditiva ou realizar Artefatos ( obras de arte ), expressando o autor imaginativa , conceitual idéia ou habilidade técnica, destinada a ser apreciada por sua beleza ou o poder emocional. Na sua forma mais geral, estas actividades incluem a produção de obras de arte, a crítica de arte, o estudo da história da arte, bem como a divulgação estética da arte.

Os três ramos clássicos da arte são pintura , escultura e arquitetura . Música , teatro , cinema , dança e outras artes performativas , bem como literatura e outras mídias, como mídia interativa , são incluídos em uma definição mais ampla de artes . Até o século 17, a arte a que se refere a qualquer habilidade ou o domínio e não foi diferenciada de artesanato ou ciências . No uso moderno após o século 17, onde as considerações estéticas são fundamentais, as artes plásticas são separados e distintos competências adquiridas em geral, tais como os decorativos ou artes aplicadas .

Embora a definição do que constitui a arte é disputada e mudou ao longo do tempo, descrições gerais mencionar uma idéia da habilidade imaginativa ou técnica decorrente da ação humana e da criação. A natureza dos conceitos da arte e afins, tais como a criatividade e a interpretação, são exploradas num ramo da filosofia conhecido como estética .

arte criativa e arte

Obras de arte podem contar histórias ou simplesmente expressar uma verdade estética ou sentimento. Panorama de uma seção de Mil Li de montanhas e rios , uma pintura do século 12 pela dinastia Song artista Wang Ximeng .

Na perspectiva da história da arte, trabalhos artísticos já existem há quase tanto tempo quanto a humanidade: desde o início de arte pré-histórica para a arte contemporânea ; no entanto, algumas teorias restringir o conceito de "obras de arte" para as sociedades ocidentais modernas. Um sentido início da definição de arte está intimamente relacionado com o significado Latina mais velho, que traduz aproximadamente a "habilidade" ou "ofício", como associado com palavras como "artesão". Palavras inglesas derivados deste significado incluem artefato , artificial , artifício , artes médicas e artes militares . No entanto, existem muitos outros usos coloquiais da palavra, todos com alguma relação com a sua etimologia .

Do século 20 garrafa de Ruanda. obras artísticas podem servir funções práticas, para além do seu valor decorativo.

Com o tempo, filósofos como Platão , Aristóteles , Sócrates e Kant , entre outros, questionou o significado da arte. Vários diálogos em Platão abordar questões sobre a arte: Sócrates diz que a poesia é inspirada pelas musas , e não é racional. Ele fala com aprovação deste, e outras formas de loucura divina (embriaguez, erotismo, e sonhando) no Fedro (265a-c), e ainda no República quer proibir grande arte poética de Homero, e risadas também. Em Ion , Sócrates não dá nenhuma dica da desaprovação de Homer que ele expressa na República . O diálogo Ion sugere que Homer 's Ilíada funcionava no antigo mundo grego como a Bíblia faz hoje no mundo cristão moderno: como divinamente inspirado arte literária que podem fornecer orientação moral, se só ele pode ser adequadamente interpretado.

Com relação à arte literária e das artes musicais, Aristóteles considerada poesia épica , tragédia, comédia, poesia dithyrambic e música para ser mimético arte ou imitativa, cada um variando em imitação por meio, objeto e forma. Por exemplo, a música imita com a mídia de ritmo e harmonia, enquanto dança imita com ritmo sozinho, e poesia com a linguagem. As formas também diferem em seu objeto de imitação. Comédia, por exemplo, é uma imitação dramática de homens piores do que a média; Considerando tragédia imita homens ligeiramente melhor que a média. Por último, as formas diferem na sua forma de narrativa ou caráter imitação-through, através da mudança ou nenhuma mudança, e através do teatro ou nenhum drama. Aristóteles acreditava que a imitação é natural para a humanidade e constitui uma das vantagens da humanidade sobre os animais.

A segunda, e mais recente, o sentido da palavra arte como uma abreviação para arte criativa ou fine art surgiu no início do século 17. Fine art refere-se a uma habilidade usada para expressar a criatividade do artista, ou se engajar sensibilidades estéticas do público, ou para atrair o público para a consideração de mais refinado ou mais fina obra de arte.

Dentro deste último sentido, a palavra arte pode referir-se a várias razões: (i) um estudo de uma habilidade criativa, (ii) um processo de utilização da habilidade criativa, (iii) um produto da habilidade criativo, ou (iv) o a experiência da audiência com a habilidade criativa. As artes criativas ( arte como disciplina) são um conjunto de disciplinas que produzem obras de arte ( a arte como objetos) que são obrigados por uma unidade de pessoal (a arte como atividade) e transmitir uma mensagem, humor, ou simbolismo para o observador para interpretar (arte como experiência). A arte é algo que estimula pensamentos, emoções, crenças ou ideias de um indivíduo através dos sentidos. Obras de arte podem ser explicitamente feita para esse fim ou interpretados com base em imagens ou objectos. Para alguns estudiosos, como Kant , as ciências e as artes distinguiam-se por tomar ciência como representando o domínio do conhecimento e das artes como representando o domínio da liberdade de expressão artística.

Muitas vezes, se a habilidade está sendo usado em uma maneira comum ou prática, as pessoas vão considerá-lo um ofício em vez de arte. Da mesma forma, se a habilidade está a ser utilizado de um modo comercial ou industrial, que pode ser considerada a arte comercial em vez da arte. Por outro lado, artesanato e design são muitas vezes consideradas arte aplicada . Alguns seguidores de arte têm argumentado que a diferença entre arte e arte aplicada tem mais a ver com juízos de valor feitos sobre a arte do que qualquer diferença de definição clara. No entanto, mesmo obras de arte, muitas vezes tem objetivos além de pura criatividade e auto-expressão. O objetivo de obras de arte pode ser para comunicar idéias, como na arte politicamente, espiritualmente, ou filosoficamente motivadas; para criar um senso de beleza (veja estética ); para explorar a natureza da percepção; por prazer; ou para gerar fortes emoções . O propósito também pode ser aparentemente inexistente.

A natureza da arte tem sido descrito pelo filósofo Richard Wollheim como "um dos mais evasivo dos problemas tradicionais da cultura humana". Art tem sido definido como um veículo para a expressão ou comunicação de emoções e idéias, um meio para explorar e valorizar elementos formais para o seu próprio bem, e como mimese ou representação . A arte como mimesis tem raízes profundas na filosofia de Aristóteles . Leo Tolstoy identificado arte como uma utilização de meios indiretos para se comunicar de uma pessoa para outra. Benedetto Croce e RG Collingwood avançado o idealista vista que a arte expressa emoções, e que a obra de arte, portanto, existe essencialmente na mente do criador. A teoria da arte como forma tem suas raízes na filosofia de Kant , e foi desenvolvido no início do século XX por Roger Fry e Clive Bell . Mais recentemente, pensadores influenciados por Martin Heidegger têm interpretado a arte como o meio pelo qual se desenvolve uma comunidade para si um meio de auto-expressão e interpretação. George Dickie ofereceu uma teoria institucional da arte que define uma obra de arte como qualquer artefato sobre a qual uma pessoa qualificada ou pessoas agindo em nome da instituição social comumente referido como "o mundo da arte " conferiu "o estatuto de candidato à apreciação ". Larry Shiner descreveu muito bem a arte como "não uma essência ou um destino, mas algo que fizemos. A arte como nós geralmente entendida é uma invenção europeia apenas dois cem anos de idade."

A arte pode ser caracterizada em termos de mimetismo (a sua representação da realidade), narrativa (narrativa), expressão, comunicação de emoção, ou outras qualidades. Durante o período romântico , a arte passou a ser visto como "uma faculdade especial da mente humana para ser classificada com a religião e ciência".

História

Venus de Willendorf , cerca de 24,000-22,000  BP

As formas mais antigas documentadas de arte são artes visuais , que incluem a criação de imagens ou objetos em campos como a pintura de hoje, escultura, gravura , fotografia e outros meios visuais. Esculturas, pinturas em cavernas , pinturas rupestres e petroglifos do Paleolítico Superior datando de cerca de 40.000 anos atrás foram encontrados, mas o significado preciso de tal arte é muitas vezes contestada porque tão pouco se sabe sobre as culturas que os produziram. Os objetos de arte mais antigas do mundo, uma série de minúsculos, conchas de caracol perfurados cerca de 75.000 anos-foram descobertos em uma caverna do Sul Africano. Recipientes que podem ter sido usados para armazenar tintas foram encontrados que datam de 100.000 anos. Conchas gravadas por Homo erectus de 430.000 e 540.000 anos atrás foram descobertos em 2014.

Pintura de caverna de um cavalo dos Lascaux cavernas, cerca de 16.000 BP

Muitos grandes tradições na arte têm uma base na arte de uma das grandes civilizações antigas: Antigo Egito , Mesopotâmia , Pérsia , Índia, China, Grécia Antiga, Roma, bem como Inca , Maya , e olmeca . Cada um destes centros da civilização cedo desenvolveu um estilo único e característico em seu art. Devido ao tamanho e duração dessas civilizações, mais de suas obras de arte sobreviveram e mais de sua influência foi transmitida a outras culturas e épocas posteriores. Alguns também forneceram os primeiros registros de como os artistas trabalharam. Por exemplo, este período da arte grega viu uma veneração da forma física humana eo desenvolvimento de competências equivalentes para mostrar musculatura, equilíbrio, beleza e proporções anatomicamente corretas.

Em bizantina e arte medieval do ocidental Idade Média, muita arte focada na expressão de temas sobre a cultura bíblica e religiosa, e usou estilos que mostraram a maior glória de um mundo celestial, tais como o uso do ouro no fundo de pinturas, ou vidro em mosaicos ou janelas, as quais também apresentados figuras em formas idealizadas, modelado (planas). No entanto, a tradição realista clássica persistiu em pequenas obras bizantinas, e realismo foi crescendo na arte da Europa católica .

Arte renascentista teve uma muito maior ênfase na representação realista do mundo material, e o lugar dos seres humanos nele, refletido na corporalidade do corpo humano, e desenvolvimento de um método sistemático de perspectiva gráfica para descrever recessão em uma imagem tridimensional espaço imagem.

A assinatura estilizada de Sultan Mahmud II do Império Otomano foi escrito na caligrafia islâmica . Lê "Mahmud Khan filho de Abdulhamid é sempre vitorioso".
A Grande Mesquita de Kairouan na Tunísia, também chamado de Mesquita de Uqba, é um dos melhores exemplos, mais importantes e melhor conservadas artísticos e arquitectónicos dos primeiros grandes mesquitas. Datado em seu estado presente desde o século 9, é o ancestral e modelo de todas as mesquitas nas terras islâmicas ocidentais.

No leste, arte islâmica rejeição 's de iconografia levou a ênfase em padrões geométricos , caligrafia e arquitetura . Mais a leste, religião dominada estilos artísticos e formas também. Índia e Tibet viu ênfase em esculturas pintadas e dança, enquanto a pintura religiosa emprestado muitas convenções de escultura e tendiam a cores contrastantes brilhantes com ênfase em contornos. China viu o florescimento de muitas formas de arte: escultura de jade, bronzework, cerâmica (incluindo o impressionante exército de terracota do imperador Qin), poesia, caligrafia, música, pintura, teatro, ficção, etc. estilos chineses variam muito de época para época e cada um é tradicionalmente nomeado após a dinastia reinante. Assim, por exemplo, da dinastia Tang pinturas são monocromáticos e esparsas, enfatizando paisagens idealizadas, mas dinastia Ming pinturas estão ocupados e colorido, e se concentrar em contar histórias através de configuração e composição. Nomes japão seus estilos após dinastias imperiais também, e também viu muita interação entre os estilos de caligrafia e pintura. Impressão de xilogravura tornou-se importante no Japão após o século 17.

Pintura pela dinastia Song artista Ma Lin, circa 1250. 24,8 × 25,2 cm

O western Age of Enlightenment no século 18 viu representações artísticas de certezas físicas e racionais do universo mecânico, bem como visões politicamente revolucionárias de um mundo pós-monárquico, como Blake retrato 's de Newton como um geômetra divino, ou David é pinturas propagandísticos. Isso levou a românticas rejeições desta em favor de imagens do lado emocional e individualidade dos seres humanos, exemplificadas nos romances de Goethe . O final do século 19, em seguida, viu uma série de movimentos artísticos, como a arte acadêmica , Simbolismo , impressionismo e fauvismo entre outros.

A história da arte do século XX é uma narrativa de infinitas possibilidades ea busca de novos padrões, cada um sendo derrubadas em sucessão pelo próximo. Assim, os parâmetros de impressionismo , expressionismo , Fauvismo , Cubismo , Dadaísmo , Surrealismo , etc, não podem ser mantidas muito para além do momento da sua invenção. O aumento global de interação durante este tempo vi uma influência equivalente de outras culturas na arte ocidental. Assim, xilogravuras japonesas (-se influenciado pela Western Renaissance desenho) teve uma enorme influência sobre impressionismo e posterior desenvolvimento. Mais tarde, esculturas africanas foram ocupados por Picasso e até certo ponto por Matisse . Da mesma forma, nos séculos 19 e 20 do Ocidente teve grandes impactos sobre arte oriental com idéias originalmente ocidentais como o comunismo e Pós-Modernismo exercendo uma poderosa influência.

Modernismo , a busca idealista da verdade, cedeu na segunda metade do século 20 para a realização do seu inatingível. Theodor W. Adorno disse em 1970: "É agora um dado adquirido que nada que diz respeito a arte pode ser dado como certo mais: nem a própria arte, nem arte em relação com o todo, nem mesmo o direito de arte de existir." Relativismo foi aceito como uma verdade inevitável, o que levou ao período de arte contemporânea e crítica pós-moderna , onde as culturas do mundo e da história são vistas como formas de mudança, que pode ser apreciado e extraídas apenas com ceticismo e ironia. Além disso, a separação de culturas é cada vez mais ténue e alguns argumentam agora é mais apropriado pensar em termos de uma cultura global, e não das regionais.

Em A Origem da Obra de Arte , Martin Heidegger , filósofo alemão e um pensador seminal, descreve a essência da arte em termos dos conceitos de ser e de verdade. Ele argumenta que a arte não é apenas uma forma de expressar o elemento de verdade em uma cultura, mas os meios de criá-lo e fornecer um trampolim a partir do qual "o que é" pode ser revelado. Obras de arte não são apenas representações de como as coisas são, mas realmente produzir entendimento comum de uma comunidade. Cada vez que uma nova obra de arte é adicionado a qualquer cultura, o significado do que é existir é inerentemente alteradas.

Formas, gêneros, mídias e estilos

Napoleão I em seu trono imperial por Ingres (French, 1806), óleo sobre tela

As artes criativas são muitas vezes divididos em categorias mais específicas, tipicamente ao longo categorias perceptivelmente distintas tais como mídia , gênero, estilos , e forma. Forma de arte refere-se aos elementos da arte que são independentes da sua interpretação ou significado. Abrange os métodos adotados pelo artista e do físico composição da obra de arte, aspectos essencialmente não-semânticas do trabalho (ou seja, figurae ), tais como cor , contorno , dimensão , médio , melodia , espaço , textura e valor . Forma também podem incluir princípios de concepção visuais , tais como arranjo, equilíbrio , contraste , ênfase , harmonia , proporção , de proximidade , e ritmo.

Em geral, existem três escolas de filosofia sobre a arte, com foco, respectivamente, em forma, conteúdo e contexto. Extrema formalismo é a visão de que todas as propriedades estéticas da arte são formais (isto é, uma parte da forma de arte). Filósofos quase universalmente rejeitar este ponto de vista, sem soltar que as propriedades e estética da arte estender para além dos materiais, técnicas, e forma. Infelizmente, há pouco consenso sobre a terminologia para essas propriedades informais. Alguns autores referem ao assunto e conteúdo - ou seja, denotações e conotações - enquanto outros preferem termos como significado e importância .

Extrema intencionalismo sustenta que intenção do autor desempenha um papel decisivo no sentido de uma obra de arte, transmitindo o conteúdo ou idéia principal essencial, enquanto todas as outras interpretações podem ser descartados. Ele define o assunto como as pessoas ou ideia representada, e o conteúdo como a experiência do artista desse assunto. Por exemplo, a composição de Napoleão I em seu trono imperial é parcialmente emprestado da Estátua de Zeus em Olímpia . Como evidenciado pelo título, o assunto é Napoleão , eo conteúdo é Ingres representação 's de Napoleão como 'Imperador-Deus além do tempo e espaço'. De forma semelhante ao extremo formalismo, filósofos tipicamente rejeitar extremo intencionalismo, porque a arte pode ter múltiplos significados ambíguos e authorial intenção pode ser desconhecida e, portanto, irrelevante. A sua interpretação restritiva é "socialmente insalubre, filosoficamente irreal, e politicamente insensato".

Finalmente, a teoria de desenvolvimento da pós-estruturalismo estuda significado da arte em um contexto cultural, como as ideias, emoções e reações motivadas por uma obra. O contexto cultural muitas vezes reduz a técnicas e intenções do artista, em que a análise caso prossegue ao longo de linhas semelhantes ao formalismo e intencionalismo. No entanto, em outros casos, condições históricas e materiais podem predominar, como convicções religiosas e filosóficas, estruturas sociopolíticas e econômicas, ou mesmo clima e geografia. A crítica de arte continua a crescer e se desenvolver junto com a arte.

Habilidade e artesanato

Adam . Detalhe de Michelangelo fresco 's na capela Sistina (1511)

A arte pode conotar uma sensação de capacidade treinado ou domínio de um meio . A arte também pode simplesmente se referem ao uso desenvolvido e eficiente de uma linguagem para transmitir significado com imediatismo e ou profundidade. A arte pode ser definida como um ato de expressar sentimentos, pensamentos e observações.

Há um entendimento de que é alcançado com o material como resultado de lidar com ele, o que facilita os próprios processos de pensamento. Uma visão comum é que o epíteto de "arte", em particular no seu sentido elevado, requer um certo nível de conhecimento criativo do artista, quer se trate de uma demonstração de capacidade técnica, uma originalidade na abordagem estilística, ou uma combinação destes dois. Tradicionalmente habilidade de execução foi visto como uma qualidade inseparável da arte e, portanto, necessário para o seu sucesso; por Leonardo da Vinci , arte, nem mais nem menos do que seus outros empreendimentos, foi uma manifestação de habilidade. Rembrandt trabalho 's, agora elogiado por suas virtudes efêmeras, foi mais admirado pelos seus contemporâneos para o seu virtuosismo. Na virada do século 20, os desempenhos hábeis de John Singer Sargent foram alternadamente admirado e visto com ceticismo por sua fluência o manual, mas quase ao mesmo tempo o artista que se tornaria da época mais reconhecida e iconoclasta peripatética, Pablo Picasso , foi completar uma formação académica tradicional no que se destacou.

Detalhe de Leonardo da Vinci 's Mona Lisa , mostrando a técnica de pintura de sfumato

Uma crítica contemporânea comum de alguns arte moderna ocorre ao longo das linhas de opondo-se a aparente falta de habilidade ou a capacidade necessária para a produção do objecto artístico. Na arte conceptual, Marcel Duchamp 's ' fonte ' está entre os primeiros exemplos de peças em que o artista usados encontrados objectos ( 'ready-made') e exerceu nenhum conjunto tradicionalmente reconhecidos de habilidades. Tracey Emin 's My Bed , ou Damien Hirst ' s A Impossibilidade Física da Morte na Mente de Alguém Viver seguir este exemplo e também manipular a mídia de massa. Emin dormiam (e envolvido em outras atividades) em sua cama antes de colocar o resultado em uma galeria como obra de arte. Hirst surgiu com o projeto conceitual para a obra de arte, mas deixou a maior parte do eventual criação de muitas obras de artesãos empregados. Celebridade de Hirst é fundada inteiramente em sua capacidade de produzir conceitos chocantes. A produção real em muitas obras conceituais e de arte contemporânea é uma questão de montagem de objetos encontrados. No entanto, existem muitos artistas modernistas e contemporâneos que continuam a sobressair nas habilidades de desenho e pintura e na criação de hands-on obras de arte.

propósito

Um tapete Navajo fez circa 1880
Moçárabe Beatus miniatura . Espanha, final do século 10

Art teve um grande número de funções diferentes ao longo de sua história, tornando a sua finalidade difícil abstrato ou quantificar a um único conceito. Isto não implica que o propósito da arte é "vago", mas que teve muitos únicos, diferentes razões para ser criada. Algumas destas funções de arte são fornecidos no seguinte esquema. Os diferentes efeitos da arte podem ser agrupados de acordo com aqueles que são não-motivados, e aqueles que são motivados (LéviStrauss).

Funções não-motivados

Os fins não motivados de arte são aqueles que são parte integrante do ser humano, transcendem o indivíduo, ou não cumprir um propósito externo específico. Nesse sentido, a arte, a criatividade, é algo que os seres humanos devem fazer pela sua própria natureza (isto é, nenhuma outra espécie cria arte), e é, portanto, além de utilidade.

  1. Instinto humano básico para a harmonia, equilíbrio, ritmo . Arte a este nível não é uma acção ou um objecto, mas uma apreciação interna de equilíbrio e harmonia (beleza), e, por conseguinte, um aspecto do ser humano, para além de utilidade.

    Imitação, então, é um instinto de nossa natureza. Em seguida, há o instinto de 'harmonia' e ritmo, metros, sendo seções manifestamente de ritmo. Pessoas, portanto, começando com este presente natural desenvolvida por graus as suas aptidões especiais, até que suas improvisações rudes deu à luz a poesia. - Aristóteles

  2. Experiência do misterioso. Art fornece uma maneira de experimentar a si mesmo em relação ao universo. Esta experiência pode muitas vezes vêm desmotivado, como se aprecia a arte, música ou poesia.

    A coisa mais bela que podemos experimentar é o mistério. É a fonte de toda verdadeira arte e ciência. - Albert Einstein

  3. Expressão da imaginação. Art fornece um meio para expressar a imaginação de maneiras não-grammatic que não estão vinculados à formalidade da linguagem falada ou escrita. Ao contrário de palavras, que vêm em sequências e cada um dos quais tem um significado definido, arte fornece uma variedade de formas, símbolos e ideias com significados que são maleáveis.

    águia de Júpiter [como um exemplo de arte] não é, como lógica (estética) atributos de um objeto, o conceito do sublime e majestade da criação, mas sim algo mais, algo que dá a imaginação um incentivo para espalhar seu vôo sobre um toda série de representações afins que provocam mais pensamento do que admite a expressão em um conceito determinado por palavras. Elas fornecem uma idéia estética, que serve a idéia racional acima como um substituto para apresentação lógica, mas com a função adequada, no entanto, de animar a mente, abrindo para fora para ele uma perspectiva em um campo de representações afins que se estende para além do seu ken. - Immanuel Kant

  4. Funções rituais e simbólicas. Em muitas culturas, a arte é utilizada em rituais, performances e danças como uma decoração ou símbolo. Embora estes muitas vezes não têm finalidade específica utilitária (motivados), os antropólogos sabem que muitas vezes eles servem a um propósito no nível de significado dentro de uma cultura particular. Este significado não é fornecido por um indivíduo, mas muitas vezes é o resultado de muitas gerações de mudança, e de uma relação cosmológica dentro da cultura.

    A maioria dos estudiosos que lidam com pinturas rupestres ou objetos recuperados dos contextos pré-históricos que não podem ser explicados em termos utilitários e são assim categorizados como decorativo, ritual ou simbólica, está ciente da armadilha representada pelo termo 'arte'. - Silva Tomaskova

funções motivados

fins motivados de arte referem-se a ações intencionais e conscientes por parte dos artistas ou criador. Estes podem ser para provocar uma mudança política, para comentar sobre um aspecto da sociedade, para transmitir uma emoção ou humor específico, para tratar de psicologia pessoal, para ilustrar uma outra disciplina, para (com artes comerciais) vender um produto, ou simplesmente como uma forma de comunicação.

  1. Comunicação. Art, em sua forma mais simples, é uma forma de comunicação. Como a maioria das formas de comunicação tem a intenção ou meta dirigido para outro indivíduo, é um objectivo motivado. Artes ilustrativos, como ilustração científica, são uma forma de arte como comunicação. Os mapas são outro exemplo. No entanto, o conteúdo pode não ser científico. Emoções, humores e sentimentos também são comunicadas através da arte.

    [Arte é um conjunto de artefactos] ou imagens com significados simbólicos como um meio de comunicação. - Steve Mithen

  2. A arte como entretenimento . Art podem tentar trazer uma emoção ou humor particular, com a finalidade de relaxar ou entreter o espectador. Isso é muitas vezes a função das indústrias de arte de filmes e jogos de vídeo.
  3. O Avante-Garde. Arte para a mudança política. Uma das funções que definem a arte do início do século XX tem sido usar imagens visuais para trazer a mudança política. Movimentos de arte que tinham esse objetivo- Dadaísmo , Surrealismo , construtivismo russo e expressionismo abstrato , entre outros, são colectivamente referidos como os avante-garde artes.

    Por outro lado, a atitude realista, inspirado pelo positivismo, de Saint Thomas Aquinas de Anatole France, parece-me claramente de ser hostil a qualquer avanço intelectual ou moral. Eu detesto isso, pois ela é composta de mediocridade, ódio, e presunção maçante. É esta atitude que hoje dá a luz a estes livros ridículos, essas peças insultuosas. Ele constantemente se alimenta e deriva a força dos jornais e embrutece a ciência ea arte de assiduamente lisonjeiro o menor de gostos; clareza na fronteira com a estupidez, a vida de um cão. - André Breton (surrealismo)

  4. A arte como uma "zona livre" , retirado da ação da censura social. Ao contrário dos avant-garde movimentos, que queria apagar as diferenças culturais, a fim de produzir novos valores universais, a arte contemporânea tem reforçado a sua tolerância para com as diferenças culturais, bem como suas funções críticas e libertadoras (investigação social, activismo, subversão, desconstrução ... ), tornando-se um lugar mais aberto para investigação e experimentação.
  5. Arte para investigação social, subversão e / ou anarquia. Embora semelhante à arte para a mudança política, a arte subversiva ou desconstrutivista pode procurar a questionar aspectos da sociedade, sem qualquer objetivo político específico. Neste caso, a função da arte pode ser simplesmente para criticar algum aspecto da sociedade.
    Pulverizador-pintura de graffiti em uma parede em Roma
    A arte do grafite e outros tipos de arte de rua são gráficos e imagens que são pintada com spray ou estêncil nas paredes visíveis publicamente, edifícios, ônibus, trens e pontes, normalmente sem permissão. Certas formas de arte, tais como grafite, podem também ser ilegal quando eles quebram leis (neste caso vandalismo).
  6. Arte para causas sociais. A arte pode ser usada para aumentar a consciência para uma grande variedade de causas. Uma série de atividades de arte foram destinadas a acções de sensibilização para o autismo , câncer, tráfico de seres humanos , e uma variedade de outros temas, como a conservação do oceano, os direitos humanos em Darfur , assassinados e desaparecidos mulheres indígenas, abuso de idosos e poluição. Trashion , usando lixo para fazer moda, praticado por artistas como Marina detritos é um exemplo de como usar a arte para aumentar a conscientização sobre a poluição.
  7. Arte para fins psicológicos e de cura. A arte também é utilizado por terapeutas arte, terapeutas e psicólogos clínicos como a terapia da arte . A Série Desenho de diagnóstico , por exemplo, é usado para determinar a personalidade eo funcionamento emocional de um paciente. O produto final não é a meta principal neste caso, mas sim um processo de cura, através de atos criativos, é procurado. A peça resultante de trabalhos de arte também podem oferecer uma visão sobre os problemas experimentados pelo indivíduo e pode sugerir métodos adequados para ser utilizados em formas mais convencionais de terapia psiquiátrica.
  8. Arte para propaganda, ou mercantilismo. Art é muitas vezes utilizado como uma forma de propaganda, e, portanto, pode ser usado para influenciar sutilmente concepções populares ou humor. De forma semelhante, a arte que tenta vender um produto também influencia o humor e emoção. Em ambos os casos, o objetivo da arte aqui é manipular sutilmente o espectador para uma resposta emocional ou psicológica específica para uma determinada idéia ou objeto.
  9. A arte como um indicador de fitness. Tem sido argumentado que a capacidade do cérebro humano excede em muito o que era necessário para a sobrevivência no ambiente ancestral. Uma psicologia evolutiva explicação para isso é que os traços do cérebro e associados humanos (como a habilidade artística e criatividade) são o equivalente humano do pavão cauda 's. O objetivo da cauda extravagante do pavão masculino tem sido argumentado que ser para atrair as fêmeas (ver também Fisherian fugitivo e princípio do handicap ). De acordo com esta teoria execução superior da arte era evolutiva importante porque atraiu companheiros.

As funções da arte descritos acima não são mutuamente exclusivos, como muitos deles podem sobrepor-se. Por exemplo, a arte com a finalidade de entretenimento também pode procurar para vender um produto, ou seja, o jogo de filme ou vídeo.

Acesso público

Versailles: Louis Le Vau abriu o pátio interior para criar a entrada expansiva cour d'honneur , mais tarde copiado por toda a Europa.

Desde os tempos antigos, grande parte da melhor arte tem representado uma exposição deliberada de riqueza ou poder, muitas vezes conseguido através de escala maciça e materiais caros. Muita arte foi encomendada por governantes políticos ou instituições religiosas, com versões mais modestas disponíveis apenas para os mais ricos da sociedade.

No entanto, tem havido muitos períodos em que a arte de alta qualidade estava disponível, em termos de propriedade, através de grande parte da sociedade, sobretudo nos meios baratos, tais como cerâmica, que persiste no solo e mídia perecíveis, tais como têxteis e madeira . Em muitas culturas diferentes, as cerâmicas dos povos indígenas das Américas são encontrados em uma variedade tão grande de sepulturas que claramente não foram restritas a uma elite social , embora outras formas de arte pode ter sido. Métodos reprodutivos tais como moldes feita a produção em massa mais fácil, e foram usadas para trazer de alta qualidade cerâmica romana e grega estatuetas de Tanagra para uma ampla mercado. Selos cilíndricos foram artístico e prático, e muito utilizado por aquilo que pode ser vagamente chamado de classe média no antigo Oriente Próximo . Uma vez que as moedas foram amplamente utilizados, estes também se tornou uma forma de arte que alcançou a mais ampla gama de sociedade.

Outra inovação importante veio no século 15 na Europa, quando gravura começou com pequenas xilogravuras , a maioria religiosas, que muitas vezes eram muito pequeno e colorido à mão, e acessível mesmo para os camponeses que os colados às paredes de suas casas. Livros impressos foram inicialmente muito caro, mas caiu de forma constante no preço até por volta do século 19 até os mais pobres podiam pagar alguns com ilustrações impressas. Impressões populares de muitos tipos diferentes têm decorado casas e outros locais durante séculos.

Edifícios públicos e monumentos , seculares e religiosos, por sua natureza geralmente tratar toda a sociedade, e os visitantes como espectadores, e exibição para o público em geral tem sido um fator importante na sua concepção. Templos egípcios são típicos em que a decoração mais maior e mais luxuoso foi colocada sobre as peças que podiam ser vistos pelo público em geral, em vez das áreas vistos apenas pelos sacerdotes. Muitas áreas de palácios reais, castelos e as casas da elite social muitas vezes eram geralmente acessíveis, e grande parte das coleções de arte de tais pessoas muitas vezes pode ser visto, quer por qualquer pessoa, ou por aqueles capazes de pagar um preço pequeno, ou aqueles vestindo as roupas corretas, independentemente de quem eles eram, como no Palácio de Versalhes , onde os acessórios extras apropriados (prata sapato fivelas e uma espada) pode ser contratado a partir de lojas fora.

Arranjos especiais foram feitas para permitir que o público para ver muitas colecções reais ou privadas colocados em galerias, como com a coleção Orleans principalmente alojado em uma ala do Palais Royal , em Paris, o que pode ser visitada durante a maior parte do século 18. Na Itália, o turismo arte do Grand Tour se tornou uma grande indústria a partir do Renascimento, e os governos e cidades feitos esforços para tornar suas obras principais acessíveis. O britânico coleção real permanece distinta, mas grandes doações, como a Biblioteca Real Velho foram feitas a partir dele para o Museu Britânico , criada em 1753. A Uffizi em Florença abriu inteiramente como uma galeria em 1765, embora esta função foi gradualmente tomando o edifício ao longo dos escritórios dos funcionários públicos originais para um longo tempo antes. O prédio agora ocupado pelo Prado em Madrid foi construído antes da Revolução Francesa para a exibição pública de partes da coleção de arte real, e galerias de reais semelhantes abertos ao público existia em Viena , Munique e outras capitais. A abertura do Musée du Louvre durante a Revolução Francesa (em 1793) como um museu público por grande parte da antiga coleção real francesa certamente marcou uma etapa importante no desenvolvimento do acesso do público à arte, transferir a propriedade para um estado republicano, mas era uma continuação de tendências já bem estabelecida.

A maioria dos museus públicos modernos e programas de arte-educação para crianças em escolas pode ser rastreada até este impulso de ter a arte acessível a todos. Museus nos Estados Unidos tendem a ser presentes do muito rico para as massas. ( O Metropolitan Museum of Art , em Nova York, por exemplo, foi criado por John Taylor Johnston , um executivo da estrada de ferro cuja coleção de arte pessoal semeado do museu.) Mas apesar de tudo isso, pelo menos uma das funções importantes da arte no dia 21 século permanece como um marcador de riqueza e status social.

Desempenho por Joseph Beuys de 1978: Todo mundo um artista - No caminho para a forma libertário do organismo social

Houve tentativas de artistas para criar arte que não podem ser comprados pelos ricos como um objeto de status. Um dos motivadores originais principais de grande parte da arte do final dos anos 1960 e 1970 foi a criação de arte que não pode ser comprado e vendido. É "necessário apresentar algo mais do que meros objetos", disse o grande guerra pós artista alemão Joseph Beuys. Este período viu o surgimento de coisas como a arte da performance , vídeo-arte , e arte conceitual . A idéia era que, se a obra de arte foi um desempenho que iria deixar nada para trás, ou era simplesmente uma idéia, não poderia ser comprado e vendido. "Preceitos democráticos que giram em torno da ideia de que uma obra de arte é uma mercadoria impulsionou a inovação estética que germinaram em meados da década de 1960 e foi ceifada por toda a década de 1970. Artistas amplamente identificados sob o título de arte conceitual ... substituindo atividades de desempenho e publicação para o engajamento tanto com o preocupações materialistas de forma pintado ou escultural material e de ... [têm] esforçado para minar o objeto de arte objeto qua ".

Nas décadas, essas idéias foram um pouco perdido como o mercado de arte aprendeu a vender DVDs edição limitada de trabalhos em vídeo, convites para peças de arte desempenho exclusivos, e os objetos que sobraram de peças conceituais. Muitas dessas performances criar obras que só são compreendidos pelos elite que foram educados a respeito de porque uma idéia ou vídeo ou um pedaço de aparente lixo pode ser considerado arte. O marcador do estado torna-se compreender o trabalho em vez de necessariamente possuí-lo, ea obra de arte permanece uma atividade de classe alta. "Com o uso generalizado da tecnologia de gravação de DVD no início de 2000, os artistas, eo sistema de galeria que deriva seus lucros da venda de obras de arte, ganhou um importante meio de controlar a venda de obras de arte de vídeo e computador em edições limitadas para colecionadores."

controvérsias

Art tem sido controverso, isto é detestado por alguns espectadores, para uma ampla variedade de razões, embora a maioria das controvérsias pré-modernas são mal gravado, ou completamente perdido para uma visão moderna. Iconoclastia é a destruição de arte que é odiado por uma variedade de razões, incluindo as religiosas. Aniconismo é uma antipatia geral, quer todas as imagens figurativas, ou aqueles muitas vezes apenas religiosas, e tem sido um segmento em muitas das principais religiões. Tem sido um fator crucial na história da arte islâmica , onde representações de Muhammad permanecem especialmente controversa. Muito da arte tem sido não gostava puramente porque descrita ou de outro modo ficou por réguas impopulares, partidos ou outros grupos. Convenções artísticas têm sido muitas vezes conservador e levado muito a sério pelos críticos de arte , embora muitas vezes muito menos por um público mais amplo. O iconográfica conteúdo da arte poderia causar polêmica, como com representações medievais da nova motivo do Swoon da Virgem em cenas da crucificação de Jesus . O Juízo Final por Michelangelo foi controversa por vários motivos, incluindo violações de decoro através de nudez e o Apollo pose de Cristo -como.

O conteúdo de muita arte formal, através da história foi ditada pelo patrono ou comissário, em vez de apenas o artista, mas com o advento do Romantismo , e mudanças econômicas na produção de arte, a visão dos artistas tornou-se o determinante usual do conteúdo de sua arte, aumentando a incidência de controvérsias, embora muitas vezes reduzindo o seu significado. Fortes incentivos para a originalidade percebida e publicidade também encorajou os artistas a tribunal controvérsia. Théodore Géricault da balsa da Medusa (c 1,820.), Foi em parte um comentário político em um evento recente. Édouard Manet 's Le Déjeuner sur l'Herbe (1863), foi considerado escandaloso não por causa do nu mulher, mas porque ela está sentado ao lado de homens completamente vestidos com a roupa do tempo, ao invés de em vestes do mundo antigo. John Singer Sargent de Madame Pierre Gautreau (Madam X) (1884), causou uma controvérsia sobre a rosa avermelhado usado para colorir lóbulo da orelha da mulher, considerado muito sugestivo e supostamente arruinar a reputação do modelo de alta sociedade. O abandono gradual do naturalismo ea representação de representações realistas da aparência visual de assuntos nos séculos 19 e 20 levaram a uma controvérsia de rolamento com duração de mais de um século. No século XX, Pablo Picasso 's Guernica (1937) usado prender cubistas técnicas e Stark óleos monocromáticas , para descrever as consequências terríveis de um atentado contemporânea de uma pequena cidade antiga, Basco. Leon Golub 's Interrogation III (1981), retrata um nu detento do sexo feminino, com capuz amarrado a uma cadeira, com as pernas abertas para revelar seus órgãos sexuais, cercada por dois algozes vestidos com roupas todos os dias. Andres Serrano 's Piss Christ (1989) é uma fotografia de um crucifixo, sagrado para a religião cristã e representando Cristo ' s sacrifício e sofrimento final, submersa em um copo de própria urina do artista. O tumulto resultante levou a comentários no Senado dos Estados Unidos sobre o financiamento público das artes.

Teoria

Antes Modernismo, estética na arte ocidental foi muito preocupados com a atingir o equilíbrio adequado entre diferentes aspectos do realismo ou a verdade da natureza e do ideal ; ideias sobre o que o equilíbrio adequado mudaram para lá e para cá ao longo dos séculos. Essa preocupação é praticamente inexistente em outras tradições de arte. O teórico estético John Ruskin , que defendeu o que ele viu como o naturalismo de William Turner , viu o papel da arte como a comunicação por artifício de uma verdade essencial que só poderia ser encontrado na natureza.

A definição e avaliação de arte tornou-se especialmente problemático desde o século 20. Richard Wollheim distingue três abordagens para avaliar o valor estético da arte: a realista , pelo que a qualidade estética é um valor absoluto independente de qualquer vista humana; o Objetivista , pelo que também é um valor absoluto, mas é dependente da experiência humana geral; eo Relativist posição , pelo que não é um valor absoluto, mas depende e varia de acordo com a experiência humana de diferentes seres humanos.

Chegada do Modernismo

Composição II em vermelho, azul, e amarelo (1930) por Piet Mondrian (holandês, 1872-1944)

A chegada do modernismo na liderança final do século XIX a uma ruptura radical na concepção da função da arte, e depois novamente no final do século XX, com o advento do pós-modernismo . Clement Greenberg 1960 artigo 'Pintura modernista' 's define a arte moderna como 'o uso de métodos característicos de uma disciplina para criticar a própria disciplina'. Greenberg originalmente aplicado essa idéia ao movimento expressionista abstrato e usou-o como uma maneira de entender e justificar pintura plana (não-ilusionista) Resumo:

Realista, arte naturalista tinha dissembled a forma, usando a arte para dissimular arte; modernismo usou a arte para chamar a atenção para a arte. As limitações que constituem a forma de pintura-a superfície plana, a forma do suporte, as propriedades do pigmento foram tratados pelos Old Masters factores como negativas, que podem ser reconhecidas apenas implicitamente ou indirectamente. Sob o Modernismo essas mesmas limitações chegou a ser considerado como fatores positivos, e foram reconheceu abertamente.

Após Greenberg, vários teóricos da arte importantes emergiram, tais como Michael Fried , T. J. Clark , Rosalind Krauss , Linda Nochlin e Griselda Pollock entre outros. Embora apenas originalmente concebido como uma maneira de compreender um conjunto específico de artistas, definição de arte moderna de Greenberg é importante para muitas das idéias de arte dentro dos vários movimentos da arte do século 20 e início do século 21.

Artistas pop como Andy Warhol tornou-se tanto notável e influente através do trabalho, incluindo e, possivelmente, criticando a cultura popular, bem como o mundo da arte . Artistas dos anos 1980, 1990, e 2000 expandiu essa técnica de auto-crítica para além arte elevada para todas as tomadas de imagem cultural, incluindo imagens de moda, quadrinhos, cartazes e pornografia.

Duchamp uma vez propôs que a arte é qualquer atividade de qualquer tudo kind-. No entanto, a maneira que apenas determinadas actividades são classificados hoje como a arte é uma construção social. Há evidências de que pode haver um elemento de verdade nisto. The Invention of Art: Uma História Cultural é um livro de história da arte, que examina a construção do moderno sistema das artes, ou seja, as belas artes. Shiner encontra provas de que o sistema mais antigo das artes antes de nosso sistema moderno (Belas artes) realizada arte para ser qualquer atividade humana qualificada ie sociedade grega antiga não possuía a arte prazo, mas techne . Techne pode ser entendida nem como arte ou ofício, a razão é que as distinções de arte e artesanato são produtos históricos que vieram mais tarde na história humana. Techne incluiu pintura, escultura e música, mas também; culinária, medicina, horsemanship , geometria , carpintaria , profecia , ea agricultura etc.

New Criticism e a "falácia intencional"

Após Duchamp durante a primeira metade do século XX, uma mudança significativa para a teoria estética geral ocorreu que tentaram aplicar a teoria estética entre as várias formas de arte, incluindo as artes literárias e das artes visuais, um para o outro. Isto resultou no aumento da Crítica Nova escola e debate sobre a falácia intencional . Em causa estava a questão de saber se as intenções estéticas do artista na criação da obra de arte, seja qual for a sua forma específica, deve ser associado com a crítica e avaliação do produto final da obra de arte, ou, se a obra de arte deve ser avaliado por seus próprios méritos independentes das intenções do artista.

Em 1946, William K. Wimsatt e Monroe Beardsley publicou um ensaio clássico e controversa New Critical intitulado " A Falácia Intencional ", em que argumentou fortemente contra a relevância de uma intenção do autor , ou "significado pretendido" na análise de uma obra literária . Para Wimsatt e Beardsley, as palavras na página eram tudo o que importava; importação de significados de fora do texto foi considerada irrelevante, e potencialmente perturbador.

Em outro ensaio, " A Affective Falácia ", que serviu como uma espécie de ensaio irmã para "A Falácia Intencional" Wimsatt e Beardsley também descontado reação pessoal / emocional do leitor para uma obra literária como um meio válido de analisar um texto. Essa falácia viria a ser repudiado pelos teóricos do leitor-resposta escola de teoria literária. Ironicamente, um dos principais teóricos dessa escola, Stanley Fish , foi-se treinado por Novos Críticos. Peixe critica Wimsatt e Beardsley em seu ensaio "A literatura no Reader" (1970).

Como resumido por Gaut e Livingston em seu ensaio "The Creation of Art": "estruturalistas e pós-estruturalistas teóricos e críticos foram fortemente crítico de muitos aspectos da Nova Crítica, começando com a ênfase na apreciação estética e da chamada autonomia da arte , mas reiterou o ataque à assunção das críticas biográficos que as atividades e experiências do artista foram um tópico crítico privilegiado ". Estes autores afirmam que:. "Anti-intencionalistas, como formalistas, sustentam que as intenções envolvidos na realização da arte são irrelevantes ou periférico para interpretar corretamente a arte Então detalhes do ato de criação de uma obra, embora possivelmente de interesse em si mesmos, não têm qualquer influência sobre a interpretação correcta do trabalho."

Gaut e Livingston definir as intencionalistas como distinto do formalistas afirmando que: "intencionalistas, ao contrário formalistas, segure que a referência às intenções é essencial na fixação da interpretação correta das obras." Eles citam Richard Wollheim como afirmando que, "A tarefa da crítica é a reconstrução do processo criativo, onde o processo criativo deve por sua vez ser pensado como algo não parando de, mas com terminação, a própria obra de arte."

"Virada linguística" e seu debate

O final do século 20 promoveu um amplo debate conhecido como a controvérsia virada linguística, ou o "debate olho inocente", e geralmente referido como o structuralism- pós-estruturalismo debate na filosofia da arte. Este debate discutidos no encontro da obra de arte como sendo determinada pela extensão em relação à qual o encontro conceptual com o trabalho de arte domina sobre o encontro perceptual com a obra de arte.

Decisivo para o debate virada linguística na história da arte e das ciências humanas foram as obras de mais uma tradição, ou seja, o estruturalismo de Ferdinand de Saussure e do movimento que se seguiu de pós-estruturalismo . Em 1981, o artista Mark Tansey criou uma obra de arte intitulado "O olho inocente" como uma crítica do clima de desacordo na filosofia da arte durante as últimas décadas do século 20. Teóricos influentes incluem Judith Butler , Luce Irigaray , Julia Kristeva , Michel Foucault e Jacques Derrida . O poder da linguagem, mais especificamente de certos tropos retóricos, na história da arte e discurso histórico foi explorada por Hayden White . O fato de que a linguagem é não um meio transparente de pensamento tinha sido sublinhado por uma forma muito diferente da filosofia da linguagem que se originou nas obras de Johann Georg Hamann e Wilhelm von Humboldt . Ernst Gombrich e Nelson Goodman em seu livro Linguagens da Arte: Uma Abordagem para uma Teoria dos Símbolos passou a deter que o encontro conceitual com a obra de arte predominou exclusivamente sobre o encontro perceptual e visual com a obra de arte durante os anos 1960 e 1970. Ele foi desafiado com base em pesquisa feita pelo psicólogo vencedora do prêmio Nobel Roger Sperry , que sustentou que o encontro visual humano não se limitou a conceitos representados apenas em linguagem (a virada lingüística) e que outras formas de representações psicológicas do trabalho de arte foram igualmente defensável e demonstrável. A visão de Sperry finalmente prevaleceu até o final do século 20 com os filósofos estéticos como Nick Zangwill defender fortemente um retorno para moderar formalismo estético entre outras alternativas.

disputas de classificação

O original da fonte por Marcel Duchamp , 1917, fotografado por Alfred Stieglitz no 291 após o 1917 da Sociedade de artistas independentes exposição. Stieglitz usado um pano de fundo Os guerreiros por Marsden Hartley para fotografar o urinol. A tag entrada exposição pode ser visto claramente.

Disputas quanto à possibilidade ou não de classificar algo como uma obra de arte são referidas disputas como classificatórios sobre arte. Disputas classificatórias no século 20 têm incluído cubistas e impressionistas pinturas, Duchamp 's Fountain , os filmes, imitações superlativo de notas , arte conceitual , e jogos de vídeo . Filósofo David Novitz argumentou que desacordo sobre a definição de arte raramente são o coração do problema. Em vez disso, "as preocupações e interesses passionais que os seres humanos colete na sua vida social" são "uma parte muito importante de todas as disputas classificatórias sobre a arte" (Novitz, 1996). De acordo com Novitz, disputas classificatórias são mais frequentemente disputas sobre valores sociais e onde a sociedade está tentando ir do que eles estão prestes a teoria adequada. Por exemplo, quando o Daily Mail criticou Hirst 's e Emin trabalho' s, argumentando 'Por 1.000 anos de arte tem sido um dos nossos grandes forças civilizadoras. Hoje, ovelhas em conserva e camas sujas ameaçam tornar bárbaros de todos nós' eles não são avançando uma definição ou teoria sobre a arte, mas questionando o valor da obra de Hirst e Emin. Em 1998, Arthur Danto , sugeriu um experimento de pensamento mostrando que "o status de um artefato como obra de arte resulta a partir das idéias de uma cultura se aplica a ele, em vez de suas qualidades físicas ou perceptíveis inerentes. Interpretação Cultural (uma teoria da arte de algum tipo ) é, portanto, constitutiva de arthood de um objeto ".

Anti-art é um rótulo para a arte que desafia intencionalmente os parâmetros e valores de arte estabelecidas; é termo associado com o dadaísmo e atribuída a Marcel Duchamp , pouco antes da Primeira Guerra Mundial, quando ele estava fazendo arte a partir de objetos encontrados . Uma delas, de fonte (1917), um urinol comum, tem conseguido proeminência considerável e influência na arte. Anti-art é uma característica do trabalho pelo Internacional Situacionista , o lo-fi movimento de arte Mail, e os jovens artistas britânicos , embora seja uma forma ainda rejeitado pelos Stuckistas , que se descrevem como anti-anti-arte .

Arquitetura é freqüentemente incluída como uma das artes visuais; no entanto, como as artes decorativas , ou publicidade, que envolve a criação de objetos, onde as considerações práticas de utilização são essenciais de uma forma que eles geralmente não estão em uma pintura, por exemplo.

Julgamento de valor

Aborígenes túmulos tronco oco. Galeria Nacional, Canberra , Austrália

Tanto em relação ao acima, a palavra arte também é usado para aplicar juízos de valor, como em tais expressões como "que a refeição foi uma obra de arte" (o cozinheiro é um artista), ou "a arte de enganar", ( o nível altamente atingido de habilidade do enganador é elogiado). É este uso da palavra como uma medida de alta qualidade e alto valor que dá ao termo o seu sabor da subjetividade. Juízos de valor requer uma base para a crítica. No nível mais simples, uma maneira de determinar se o impacto do objeto nos sentidos cumpre os critérios para ser considerado arte é se ele é percebido como atraente ou repulsivo. Embora a percepção é sempre colorido pela experiência, e é necessariamente subjectiva, é comumente entendido que o que não é de alguma forma esteticamente satisfatório não pode ser arte. No entanto, "boa" a arte não é sempre ou mesmo regularmente esteticamente atraente para a maioria dos telespectadores. Em outras palavras, principal motivação de um artista não precisa ser a busca da estética. Além disso, a arte muitas vezes retrata imagens terríveis feitas por razões sociais, morais ou instigantes. Por exemplo, Francisco Goya pintura 's representando os tiroteios espanholas de 3 de maio de 1808 é uma representação gráfica de um pelotão de fuzilamento execução de vários civis suplicantes. Mas, ao mesmo tempo, a imagem horrível demonstra habilidade artística aguçada de Goya na composição e execução e produz indignação social e político adequado. Assim, o debate continua a respeito do que o modo de satisfação estética, se for o caso, é necessário definir 'arte'.

A assunção de novos valores ou a rebelião contra noções aceitas do que é necessidade esteticamente superior não ocorrem simultaneamente com um completo abandono da busca do que é esteticamente atraente. Na verdade, o inverso é frequentemente verdadeiro, que a revisão do que é popularmente concebida como sendo esteticamente atraente permite uma re-fortalecimento da sensibilidade estética, e uma nova apreciação para os padrões da própria arte. Inúmeras escolas propuseram suas próprias maneiras de definir qualidade, mas todos eles parecem concordar em pelo menos um ponto: uma vez que as suas escolhas estéticas são aceitos, o valor da obra de arte é determinada pela sua capacidade de transcender os limites de seu meio escolhido para barrar um acorde universal pela raridade da habilidade do artista ou em seu reflexo preciso no que é denominado o zeitgeist . Art é muitas vezes a intenção de apelar para e se conectar com a emoção humana. Ele pode despertar estéticos ou morais sentimentos, e pode ser entendida como uma forma de comunicar estes sentimentos. Artistas expressar algo para que seu público é despertada, até certo ponto, mas eles não têm de fazê-lo conscientemente. A arte pode ser considerada uma exploração da condição humana ; isto é, o que é ser humano.

Veja também

Notas

Bibliografia

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Outras leituras

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links externos